Residencias Joaquim Jordà 2024: proyecciones de Serge Garcia y Richard Shpuntoff
Celebrada el 20 sep 2024
Los cineastas estadounidenses Serge Garcia y Richard Shpuntoff, seleccionados para la segunda edición del programa de residencias anual Joaquim Jordà, organizado por el Museo Reina Sofía, Doclisboa y FIDMarseille, presentan en esta actividad una selección de sus películas, así como los proyectos que están desarrollando durante su residencia.
Ambos realizadores destacan por su uso innovador del lenguaje de no ficción. La obra en 16mm de Garcia sobre las subculturas musicales, el clubbing y la fiesta como espacio de liberación, retrata iconos de la electrónica underground como Terre Thaemlitz o Jacob Sperber, más conocido como Jackie House. Por su parte, Shpuntoff se inspira en la fotografía directa de la década de 1930, siguiendo la huella de fotógrafos como Walker Evans, Lisette Model o Gordon Parks, para retratar la vida en los barrios populares de Nueva York, donde se entrelazan la memoria personal y las luchas sociales.
En esta actividad, los cineastas ofrecen una introducción a su obra y reflexionan sobre cuestiones diversas como el deseo, el género, la deslocalización, la identidad y la planificación urbana.
Serge Garcia (Los Ángeles, Estados Unidos, 1985) es cineasta y productor residente en Berlín, donde se ha dedicado a filmar subculturas como las del clubbing o noise y a sus particulares protagonistas, cultivando el género del retrato fílmico y mezclándolo con el mundo de la noche, el activismo y la autobiografía. Entre otros, ha dirigido los cortometrajes Subterraneans (2018-2021) y Grand Central Hotel (2021), que fue seleccionado y destacado por festivales como FIDMarseille, Rotterdam International Film Festival, Visionär Film Festival o Actoral - Festival des arts et des écritures contemporaines.
Richard Shpuntoff (Nueva York, Estados Unidos, 1965) es cineasta y fotógrafo residente en Buenos Aires desde 2002. Ha dirigido más de doce cortometrajes seleccionados en múltiples certámenes a nivel internacional, además de los largometrajes Julio Of Jackson Heights (2016), sobre el asesinato del trabajador sexual puertorriqueño Julio Rivera en el Queens de los noventa, y Todo lo que se olvida en un instante (2020), que se estrenó mundialmente en el festival FIDMarseille y fue aclamado como un lúcido ensayo sobre la identidad americana, la migración y el lenguaje.
Viernes 20 de septiembre, 2024 - 19:00 h
Richard Shpuntoff. El Grand 97
Estados Unidos, 2001, blanco y negro, sin diálogos, 12’
El Grand 97, un bar dominicano del Bronx de Nueva York, es filmado por Shpuntoff en blanco y negro, capturando los cafés, los clientes, la vida cotidiana y el ritmo del lugar. La utilización de la toma larga y la textura distintiva de la película en 16 mm dan forma al retrato de este negocio, destacando su atmósfera única y la vida cotidiana que lo caracteriza.
Benedetta Capanna y Richard Shpuntoff. Epiphany of Returning
Estados Unidos y Argentina, 2015, blanco y negro, sin diálogos, 9’30”
Rodado en 16 mm, este cortometraje captura el esfuerzo del cuerpo danzante durante la preparación de una coreografía, deteniéndose en la sutileza de los pequeños gestos, necesarios para concebir una danza y practicarla ante la cámara.
Richard Shpuntoff. El yuyal
Fragmento del largometraje Todo lo que se olvida en un instante, Argentina, 2020, blanco y negro, VO en español e inglés con subtítulos en inglés y español, 8’30”
— Con la presentación del director
Richard Shpuntoff reflexiona en esta pieza sobre su identidad, dividida en dos ciudades y dos idiomas, y los propios límites del lenguaje hablado, escrito y cinematográfico. Este fragmento está extraído del último largometraje del documentalista, pero se presenta como una pequeña pieza independiente.
Richard Shpuntoff. Julio Revisited
Largometraje en desarrollo, España, 2024, color, sin diálogos, 3’
—Con la presentación del director
Esta pieza es un fragmento preliminar del largometraje que el cineasta está desarrollando durante su estancia en la residencia Joaquim Jordà y que se aproxima a veinte años de la historia queer del barrio neoyorquino Queens.
Serge Garcia. Jackie House
Alemania, 2018, color, VO en inglés con subtítulos en español, 6’30”
Un retrato impresionista de Jackie House (Honey Soundsystem), el alter ego del artista y DJ queer Jacob Sperber, quien se confiesa ante la cámara mientras se prepara para impactar al particular público de SNAX Club, la mayor fiesta europea de música electrónica y S&M.
Serge Garcia. Grand Central Hotel
Alemania, 2021, color, VO en inglés con subtítulos en español, 23’
La compositora, escritora y activista trans Terre Thaemlitz pasa una noche en un hotel semivacío. Acompañada por el director y sin revelar completamente su imagen, reflexiona sobre su relación ambivalente con la identidad de género y su lugar en la sociedad convencional, que se complica al alcanzar la mediana edad.
Serge Garcia. Imágenes de inspiración para el largometraje en desarrollo Return to Vega
España, 2024, color, sin diálogos y VO en español con subtítulos en inglés, 15’
—Con la presentación del director
A través de un montaje de fotografías tomadas en 35mm por él mismo, una batería de imágenes de referencia y muestras de sus películas previas, el director presenta el proyecto de su primer largometraje, Return to Vega, que prepara con la ayuda de las Residencias Joaquim Jordà.
Organiza
Museo Reina Sofía
En el marco de
Todas las películas se proyectan en formato digital
Participantes
Más actividades
COLECCIÓN45’. Arte contemporáneo 1 y 2
Lunes, miércoles, jueves y viernes — 19.30 h
COLECCIÓN45’. Arte contemporáneo es una visita acompañada, de 45 minutos de duración, para descubrir una selección breve de algunas de las piezas destacadas de la Colección. Arte Contemporáneo: 1975-Presente de la Planta 4, así como apreciar el valor de alguna joya oculta en sus salas, que alimenta el deseo de profundizar en ellas y en las historias que contienen y activan.
El recorrido incluye obras realizadas entre la década de 1970 y las primeras décadas de los 2000, abarcando diversos géneros y formatos, desde la fotografía y la escultura a la performance, y dejando espacio para la sorpresa con la inclusión de obras seleccionadas personalmente por el propio equipo de mediación.
Esta visita comentada se ofrece en dos itinerarios diferentes: COLECCIÓN45’. Arte contemporáneo 1 y COLECCIÓN45’. Arte contemporáneo 2, en días alternos. En ambos casos, la visita comienza con una pequeña introducción a esta parte de la Colección y a su distribución en salas.
![Dias & Riedweg, Casulo [Crisálida], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/desafios-cine-2.png.webp)
Otras voces en todos nosotros
17 ABR, 8 MAY 2026
Esta sesión parte de un tipo de desafío corporalmente sutil, que invita a confrontar la razón desde la sensibilidad y la emoción, vinculadas a la diferencia en la salud mental o al espiritismo. Abre la sesión un bello y peculiar cortometraje titulado A família do Capitao Gervásio (2013), de Tamar Guimarães y Kasper Akhøj. En un pequeño pueblo del interior de Brasil, aproximadamente la mitad de sus habitantes son médiums psíquicos que realizan un trabajo de sanación comunitaria. La segunda obra, Casulo, de Dias & Riedweg, es el resultado de un proyecto participativo con un grupo de pacientes del Instituto de Psiquiatría de la Universidad Federal de Río de Janeiro. El vídeo permite asistir a la evolución de sus rutinas tras la hospitalización y escuchar sus ideas e impresiones sobre numerosos aspectos de la vida, poniendo de manifiesto la división entre los territorios de la razón y la locura en su vida cotidiana.
En el marco de La Colección proyectada, programa a partir de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento de la institución, el Museo invita a Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte, a abordar aspectos concretos vinculados a la identidad, la autorrepresentación y el cuerpo en la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990.
Aquí seguimos… y no nos moveremos
16 ABR, 7 MAY 2026
La sesión propone una agenda centrada en la performance en su forma más elemental: la acción simple y directa que parte de la autoexposición corporal. En ocasiones, desde la calculada serenidad de Tengo tiempo (1994), de Miguel Benlloch; otras, desde el desafiante impulso visceral de Bollos (1996), de Cabello y Carceller, o la rabia de Habla (2008), de Cristina Lucas; y, finalmente, desde la experimentación videográfica desconcertante y sostenida en la cultura de la danza de Moving Backwards (2019), de Pauline Boudry y Renate Lorenz, cuya puesta en escena recuerda que sí, que no es un déjà vu, sino que el presente, desafortunadamente, transita por un periodo reaccionario.
En el marco de La Colección proyectada, programa a partir de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento de la institución, el Museo invita a Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte, a abordar aspectos concretos vinculados a la identidad, la autorrepresentación y el cuerpo en la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990. Esta sesión recupera performances paradigmáticas, de tres décadas consecutivas, atravesadas por la expresión incontestable del género; esto es, mediadas por la acción confrontadora de los feminismos y de los paradigmas queer de la cultura.
Lucrecia Martel. Nuestra tierra
Sábado 18 de abril, 2026 - 16:30 h
Nuestra tierra (2025) es el primer documental y trabajo más reciente de la cineasta argentina Lucrecia Martel. La película se centra en el litigio por el asesinato en 2009 de Javier Chocobar, miembro de la comunidad indígena Los Chuschagasta, mientras intentaba evitar el desalojo forzado de las tierras que, situadas el norte de Argentina, esta comunidad ha habitado y trabajado durante siglos.
Martel se sirve de fragmentos del mencionado juicio, que tuvo lugar en 2019, así como de un minucioso trabajo de reconstrucción de la historia de Los Chuschagasta desde el siglo XVII, para denunciar cómo la violencia colonial, lejos de estar superada, subyace en las estructuras político-sociales actuales y deriva en el maltrato y la invisibilización sistemáticas de los pueblos originarios.
Lucrecia Martel es directora y guionista y una de las cineastas más relevantes del panorama latinoamericano del siglo XXI. Cuenta con cuatro largometrajes, La ciénaga (2001), Zama (2001), La niña santa (2004) y La mujer rubia (2008), todos ellos premiados en festivales, incluyéndose dos en la Selección Oficial del Festival de Cine de Cannes. En estos filmes,Lucrecia explora los entresijos de una Argentina marcada por la crisis política y social de los años noventa y por el escollo de un pasado colonial, que traduce a un lenguaje visual propio del documental puesto, paradójicamente, al servicio de la ficción. Así, afirma la autora: «Lo que yo hago es todo mentira, es todo artefacto. Yo no creo en la verdad y, si hay algún efecto de verdad en mis películas, es un milagro».
Estas nociones, material germinal de las películas de Lucrecia, permiten reflexionar sobre cómo las tácticas de ficción e imaginación ensayadas desde lo creativo pueden ejercer de arma eficaz contra el olvido de la memoria y como táctica de justicia reparadora. Precisamente este es uno de los ejes temáticos que vertebran READ Madrid. Festival de Libros e ideas, en el que se enmarca la proyección de esta película.
READ Madrid es un espacio de encuentro para voces críticas y experimentales en el ámbito de la literatura y la teoría. El festival reúne un entramado transatlántico de voces relevantes de la escritura, el arte y la edición cuyo trabajo trasciende los marcos hegemónicos de producción del saber, dando también cabida a lo performativo y lo cinematográfico como formas expandidas de cuestionamiento e investigación.
READ Madrid. Festival de Libros e Ideas
Viernes 17 y sábado 18 de abril, 2026 – Consultar programa
READ Madrid. Festival de Libros e Ideas nace como un espacio de encuentro para voces críticas y experimentales en el ámbito de la literatura, la teoría y la edición. Con especial atención a las prácticas de producción artística y de edición autónomas, y tratando de tejer un puente cultural transatlántico con América Latina, el programa busca descentrar los marcos hegemónicos de producción del saber y abrir nuevas comunidades de interpretación y horizontes de imaginación política. Para ello, toma la escritura y la lectura, entendidas de manera amplia y plural en sus modos, formas y registros, como configuradoras de un laboratorio público de aquello que llamamos estudio: un espacio para pensar en colectivo, debatir y acuñar ideas, hacer y deshacer argumentos, así como articular nuevos imaginarios y formas de enunciación.
En un contexto de crisis ecológica, política y epistemológica, el festival propone modalidades de encuentros que permiten sostener tiempos y espacios para pensar en común, y contribuir así a reconfigurar los términos del debate cultural. De esta forma, el programa se concibe como una intervención en las condiciones contemporáneas de circulación y legitimación del pensamiento y la creación, ampliando los márgenes tradicionales del libro y enlazando literatura, artes visuales, performance y pensamiento crítico. Estos formatos se organizan en torno a tres ejes temáticos protagonizados por voces relevantes de la escritura, la creación y el pensamiento actuales.
Los ejes temáticos de READ Madrid. Festival de Libros e Ideas son: lo popular minoritario, o cómo activar una práctica de lo popular emancipadora; paz rabiosa, o cómo sostener la justicia, el duelo y la reparación sin recurrir a imaginarios pacificadores exentos de conflicto; ficción frente a olvido, en el que se aborda el papel de la ciencia ficción, el terror y las narrativas especulativas como resistencia frente al liberalismo del olvido. Se trata, en definitiva, de interrogar a nuestro presente desde la potencia que las ideas y los libros pueden convocar en un espacio compartido de estudio, debate y disfrute.