Fabián Barba. Foto de Helmut Hergarten
Celebrada el 16 nov 2018
Como parte del ciclo de artes escénicas diseñado conjuntamente con Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta A Mary Wigman Dance Evening (2009). Esta pieza es el resultado del interés del bailarín y coreógrafo ecuatoriano Fabián Barba por la obra de una de las pioneras de la danza moderna, Mary Wigman (1886-1973), un interés que nace ya durante su periodo como estudiante en la prestigiosa escuela de danza contemporánea P.A.R.T.S. de Bruselas, donde Barba inicia una investigación sobre la gira realizada por Wigman en los años treinta en Estados Unidos en la que la bailarina presentó los recitales expresionistas que cambiarían para siempre el panorama de la danza internacional. Los movimientos estilizados y la intención que transmiten las coreografías de Wigman remiten a Barba a lo aprendido años atrás en Quito de su maestro Kléver Viera, referencia de la modernización de la danza en Ecuador. Barba recupera así técnicas corporales que habían sido dejadas de lado a favor de otro tipo de saberes.
El primer trabajo de Fabián Barba sobre el repertorio de Mary Wigman fue Schwingende Landschaf, un ciclo de siete solos de danza creados por Wigman en 1929. Barba reconstruyó tres de ellos a partir de material fílmico de archivo, en un intento por reproducir las formas a través de la copia. En A Mary Wigman Dance Evening amplía la selección de piezas de la coreógrafa utilizando, no solo películas y fotografías, sino también testimonios de varias de sus sucesoras, bailarinas que custodian su legado coreográfico a través de la memoria corporal, de la técnica y de los principios de ejecución de su danza. De este modo, Barba extiende su investigación sobre la danza expresionista de Wigman a la vez que intenta comprender su propio interés en ella.
Finalmente compone una velada coreográfica que, bajo el nombre de A Mary Wigman Dance Evening, reproduce lo más fielmente posible aquellas sesiones de su gira por América en las que la artista intercalaba, entre piezas breves con distintas músicas y vestuarios, descansos para que el público leyera el programa de mano o comentara lo visto.
Puesto que es una reproducción del pasado, A Mary Wigman Dance Evening tensa las relaciones entre la danza creada por Mary Wigman a principios del siglo XX y su actualización en el cuerpo que la baila hoy. A pesar de que Barba ejecuta los solos con tanta precisión y rigor que hace que nos traslademos en el tiempo, su cuerpo, su fisonomía y su género, sumados a nuestra mirada cultural determinada por el presente, provocan una gran extrañeza. Cuanto más fielmente se reproducen las piezas, más fisuras se crean entre el entonces y el ahora, de manera que el público se vuelve cada vez más consciente de la distancia con aquello bajo cuyo hechizo cae sin embargo hipnotizado.
Fabián Barba reconoce la existencia de una analogía entre la danza expresionista de la bailarina y la danza moderna que aprendió en Quito y, por ello, el proceso de investigación y creación de A Mary Wigman Dance Evening le conduce a una reflexión más profunda sobre los procesos de colonización en la danza. Escribe: “Reconocer la existencia de distintas culturas de danza y sentirse inscrito en ellas debido a su entrenamiento no parece que sea un problema. El problema llega cuando la contemporaneidad de una de ellas es negada y por tanto relegada al pasado, o cuando ese pasado se ubica en otro lugar, en el exilio geográfico”.
En su crítica a la legitimación de cierto tipo de danza considerada contemporánea frente a otra que nunca lo será, el coreógrafo detecta una “espacialización” del tiempo histórico, que retrata los lejanos contextos culturales como escenas del pasado, de manera que su distancia geográfica parece volverse distancia temporal.
Tras la representación tendrá lugar un encuentro con Fabián Barba presentado y moderado por Isabel de Naverán, asesora de la programación de danza del Museo Reina Sofía.
En colaboración con
Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid
Comisariado
Isabel de Naverán
Organiza
Museo Reina Sofía
Con la colaboración de
Participantes
Fabián Barba (Quito, 1982) se forma en literatura, comunicación, danza y teatro a la vez que inicia su carrera profesional como intérprete en su ciudad natal. En 2004 viaja a Bruselas para estudiar en la prestigiosa escuela P.A.R.T.S., donde permanece hasta 2008. Es miembro fundador del colectivo Busy Rocks, con el que crea varias obras entre 2008 y 2010.
Tras Schwingende Landschaf, su primera pieza en solitario es A Mary Wigman Dance Evening (2009), representada internacionalmente y galardonada con el Premio Jardín de Europa en 2010. Y en la historia de la danza está en la base de la creación de su segundo solo, A personal yet colective history (2011). Ha trabajado con Mark Franko en Le marbre tremble (2014) y con Esteban Donoso en Slugs’ garden (2014), y colaborado como bailarín y performer con otros coreógrafos, como Thomas Hauert/ZOO, DD Dorviller y Olga de Soto.
Barba ha presentado su trabajo en el MoMA (Nueva York), Kaaitheater (Bruselas), Frascati (Ámsterdam), Dance Umbrella (Londres), Ignite Dance Festival (Nueva Delhi), Azkuna Zentroa (Bilbao) y Festival Panorama (Rio de Janeiro).
Asimismo, como resultado de sus investigaciones sobre el legado del colonialismo en la danza y sus reflexiones sobre la historia de la disciplina, ha impartido cursos, conferencias y talleres en varios países, y publicado artículos en Dance Research Journal, NDD, Etcetera, Documenta, Handbook of Danced Reenactment (Oxford University Press, 2017) y Transmissions in Dance (Palgrave Macmillan, 2017).
Ficha artística
Idea y coreografía: Fabián Barba
Mentoras (coreografía): Susanne Linke, Katharine Sehnert, Irene Sieben
Vestuario: Sarah-Christine Reuleke
Diseño de luces: Geni Diez
Composición musical para Anruf Pastorale, Seraphisches Lied, Sturmlied y Sommerlicher Tanz: Hanns Hasting
Composición musical para Raumgestalt, Zeremonielle Gestalt y Drehmonotonie: Sascha Demand
Producción: K3 – Zentrum für Choreographie, Tanzplan Hamburg (Alemania)
Coproducción: Fabrik Potsdam (Alemania) en el contexto de Tanzplan Potsdam Artistas en residencia, Kaaitheater (Bruselas, Bélgica), P.A.R.T.S. (Bruselas, Bélgica), wp Zimmer (Amberes, Bélgica)
Apoyos: Mary Wigman Gesellschaft (Hamburgo, Bremen, Alemania), PACT Zollverein Essen (Alemania)
Recursos
Programa de mano. Fabián Barba. A Mary Wigman Dance Evening
![Bette Gordon, Variety [La celda de cristal], película, 1983](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/snippet_cine-verano-2024_0.jpg.webp)
![Miguel Brieva, ilustración de la novela infantil Manuela y los Cakirukos (Reservoir Books, 2022) [izquierda] y Cibeles no conduzcas, 2023 [derecha]. Cortesía del artista](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ecologias_del_deseo_utopico.jpg.webp)
![Ángel Alonso, Charbon [Carbón], 1964. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/perspectivas_ecoambientales.jpg.webp)
Más actividades
Christian Nyampeta y la École du soir
13, 14, 15 NOV, 11, 12, 13 DIC 2025
Christian Nyampeta es un artista, músico y cineasta ruandés cuyo trabajo aborda pedagogías y formas comunitarias de producción y transmisión del conocimiento. Su Ècole du soir (la escuela vespertina) es un proyecto artístico concebido como un espacio móvil de aprendizaje colectivo. El nombre rinde homenaje a Ousmane Sembène (1923-2007), pionero del cine africano, quien definía sus películas como una «escuela vespertina» para el pueblo, un medio de educación y emancipación a través de la cultura.
Este bloque cuenta con tres sesiones con pase doble: la obra en vídeo de Christian Nyampeta, las películas de la École du soir y un largometraje de Ousmane Sèmbene. Todos los primeros pases son introducidos por el artista.
DES/ARRAIGO
11, 12, 13, 14, 15, 16 NOV 2025
El Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) lanzan la convocatoria para la edición 2025 de la School of Common Knowledge (Escuela de los conocimientos comunes), que se celebra del 11 al 16 de noviembre en Madrid y Barcelona.
El proyecto School of Common Knowledge (SCK) surge de las experiencias, redes y saberes de L’Internationale, una confederación de museos, organizaciones artísticas y universidades que busca reimaginar y practicar el internacionalismo, la solidaridad y la comunalidad dentro del sector cultural. Este año, el programa de la SCK aborda el campo de fricciones interpretativas que las nociones de arraigo y desarraigo abren en el marco de los desafíos —coloniales, migratorios y ecológicos— actuales.
Tomando como punto de partida el legado del Glossary of Common Knowledge y el actual programa europeo Museum of the Commons, la SCK invita a las personas participantes a reflexionar sobre el poder del lenguaje para configurar nuestra comprensión del arte y la sociedad, a través de metodologías de coaprendizaje. Su ambición es ser a la vez nómada y situada, abordando situaciones culturales y geopolíticas específicas, a la vez que se exploran sus relaciones e interdependencias con el resto del mundo.
En este presente marcado por el militarismo y la guerra, la criminalización de la migración y el hiperidentitarismo, los conceptos de pertenencia y no-pertenencia se vuelven inestables, demandando una reflexión colectiva que podría partir de las siguientes preguntas:
¿Cómo podemos reformular el sentido y la práctica de pertenencia a un contexto alejándonos de los reductivos paradigmas nacionalistas o de la violencia del desplazamiento? ¿Cómo sostener críticamente el entrelazamiento entre las rutas coloniales y las raíces culturales de las que formamos parte? ¿Qué hacemos con los legados tóxicos que heredamos, y con las genealogías y prácticas emancipadoras con las qué elegimos alinearnos? ¿Puede una práctica renovada de arraigo planteada a través de la construcción de coaliciones desde la afinidad formar parte de un proceso de desidentificación? ¿Qué geografías —culturales, artísticas, políticas— designan estas prácticas de descentramiento, (des)arraigo, (no)pertenencia y (des)alineamiento?
Partiendo de estos planteamientos, el programa de la escuela incluye una serie de visitas a iniciativas cuya práctica aborda estas cuestiones desde una perspectiva situada (como Museo Situado, Paisanaje o La Cocina del MACBA, entre otras); exposiciones y proyectos en curso (Proyectar un planeta negro: El arte y la cultura de Panáfrica); una conferencia inaugural a cargo de Stefano Harney y Fred Moten, así como sesiones diarias de lectura y debate, sesiones de cosecha editorial y momentos de convivencia colectiva.
Residencias Joaquim Jordà 2025
Viernes 7 de noviembre, 19:00 h
En esta actividad, los galardonados de la convocatoria 2024-2025 de las Residencias Joaquim Jordà, María Aparicio (Argentina, 1992) y Andrés Jurado (Colombia, 1980), presentan sus proyectos en relación con su corpus artístico. Una sesión abierta en la que descubrir los intereses creativos de dos de los cineastas independientes más prometedores de América Latina en la actualidad.
María Aparicio presenta el proceso de trabajo de su película De sol a sol, que acompaña a su vez con un breve recorrido por las películas que anteceden el proyecto y las búsquedas cinematográficas que viene realizando en los últimos años. Aparicio sintetiza el argumento de De sol a sol a partir de las siluetas de un grupo de hombres que asoman entre las ramas de un cañaveral. El sol sobre sus cuchillos produce destellos que aparecen y desaparecen según el movimiento de sus manos; los aprendices fraccionan las cañas sin un método, los experimentados cortan con destreza. Son trabajadores de un ingenio azucarero del norte argentino y quien los mira es Juan Bialet Massé, acompañado por Rosich, asistente y fotógrafo. Es la Argentina de 1904 y ese hombre cumple una misión que el gobierno de su país le encomendó: recorrer las provincias argentinas para revelar el estado de las clases trabajadoras.
Por su parte, durante la sesión, Andrés Jurado realiza un recorrido por sus trabajos y los de La Vulcanizadora, su productora. Asimismo, abre el archivo del proceso de investigación del proyecto Tonada, un viaje por la espiral de las traiciones a los acuerdos de paz en la historia de Colombia. Desde la época colonial, entendida como una turbulencia, un huracán que todavía sigue girando, hasta los tiempos actuales, rastrea las historias de quienes, como Tacurrumbí, Benkos Biohó, Bateman y tantas mujeres y hombres fueron traicionados por gobiernos y opresores. La película busca construir un diálogo sonoro y cinematográfico entre el desarme guerrillero de 1953 y el periodo posterior al acuerdo de paz de 2016. Tonada conjura este y otros acontecimientos y enfrenta los traumas de la traición a través de una composición cinematográfica pensada para ser cantada. ¿Y qué canta? En esta presentación se escuchan algunos de estos cantos y se comparten algunas voces.
Las Residencias Joaquim Jordà son un programa de estancias para cineastas y artistas iniciado por el Museo Reina Sofía en el año 2022. La iniciativa consiste en una beca para la escritura de un proyecto fílmico de carácter experimental y ensayístico, así como dos estancias posteriores en FIDMarseille y Doclisboa, dos festivales internacionales dedicados a explorar el cine de no-ficción y las nuevas formas de expresión en el audiovisual.
Ylia & Marta Pang
Jueves 6 de noviembre, 20:00 h
El encuentro entre la productora y DJ española Ylia y la artista visual Marta Pang se presenta como un estreno en el Museo Reina Sofía. Ambas creadoras llegan desde trayectorias distintas para dar forma a un proyecto nuevo concebido específicamente para este ciclo. Ciclo que tiene como objetivo crear nuevos proyectos escénicos a partir de la fricción entre artistas y el diálogo entre disciplinas.
![Carol Mansour y Muna Khalidi, A State of Passion [Estado de pasión], 2024, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/palestine%20cinema%20day%202.jpg.webp)
Palestine Cinema Days
Sábado 1 de noviembre, 2025 – 19:00 h
El Museo Reina Sofia se une a la acción global de apoyo a Palestina con la proyección de A State of Passion [Estado de pasión, 2024] de Carol Mansour y Muna Khalidi. Esta película documental está incluida en Palestine Cinema Days Around the World, un festival anual celebrado globalmente, cada mes de noviembre, con el objetivo de mostrar cine realizado en Palestina al público internacional. La iniciativa se concibe como una forma de resistencia cultural que persigue dar voz a artistas de Palestina, cuestionar narrativas dominantes y generar redes de solidaridad con el pueblo palestino.
Palestine Cinema Days Around the World tiene su origen en Palestine Cinema Days, un festival organizado en Palestina desde 2014 con la idea de visibilizar el cine palestino y de apoyar a la comunidad fílmica local. En 2023 el festival fue pospuesto debido a la guerra de Gaza y, desde entonces, ha cobrado una dimensión sin fronteras, con una muestra en 2024 de cerca de 400 proyecciones internacionales en casi sesenta países. Este esfuerzo global es una muestra de solidaridad con Palestina y una amplificación de las voces y redes de apoyo al pueblo palestino en todo el mundo.
A State of Passion expone las atrocidades cometidas contra la población en Gaza a través del testimonio del doctor palestino-británico Dr. Ghassan Abu Sittah. Un cirujano plástico en Londres que toma la decisión de volver a Gaza y salvar vidas en los hospitales de la ciudad, en medio del bombardeo indiscriminado del ejército israelí contra la población. Una película necesaria que expone en primera persona la experiencia de cuarenta y tres días trabajando 24 horas sin descanso en los hospitales Al Shifa y Al Ahli de la ciudad de Gaza.