Celebrada el 20 may 2022
Algoritmos es una velada musical basada en el conjunto de instrucciones matemáticas que describen el concepto homónimo. En esta oportunidad el Museo Reina Sofía propone la escucha guiada de dos piezas para piano de Iannis Xenakis: Herma (1961) y Evryali (1973), interpretadas por Magdalena Cerezo Falces. Para hacer comprensible el método de composición matemático de Xenakis, la intérprete está acompañada por la musicóloga y divulgadora Marina Hervás, y con las visuales específicamente diseñadas para la ocasión por la artista Marta Verde. Tras esto, el músico Sergio Luque realiza la difusión de la pieza compuesta por Xenabis La légende d’eer (1977-1978), con la colaboración de Juan Carlos Blancas.
El músico y arquitecto Iannis Xenakis nació en 1922 en el seno de la comunidad griega de Brăila, en Rumania. Sus composiciones hacen justicia a la tradición matemática, armónica y arquitectónica griega. Xenakis, una de las figuras más relevantes de la música del siglo pasado, es conocido por su definición de la música estocástica, sus incursiones en la música algorítmica y su modelo de composición arquitectónico-musical mediante Politopos.
El propósito de esta velada es el de contextualizar su figura de manera crítica frente a otros modelos de música matemática no europea y analizar las implicaciones del uso actual del algoritmo computacional por las plataformas de streaming musicales.
Comisariado
José Luis Espejo y Jesús Jara
Con el apoyo de
Espacio de creación e investigación sonora (ECIS) - Universidad Autónoma de Madrid (UAM)
Organiza
Museo Reina Sofía
Patrocina
Participantes
Juan Carlos Blancas es diseñador de sonido, músico y docente. Cuenta con una vasta experiencia en la creación de espacios sonoros para proyectos artísticos audiovisuales, literarios y escénicos. Está especializado en la realización de grabaciones de campo, así como en la transformación y procesamiento digital de este material mediante entornos de programación. Con el alias de Coeval, desde mediados de la década de 1990, ha hecho música que ha sido editada y difundida en diversos formatos y contextos de audio experimental, principalmente en España y Europa. Es miembro fundador de la Asociación Cultural de Arte Digital CRC y colaborador en diferentes programas formativos en el Centro Superior Katarina Gurska de Madrid y ECAM. Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid.
Magdalena Cerezo es pianista y performer especializada en música contemporánea. Es fundadora de las formaciones LAB51 y f:t, así como miembro honorífico de la Junge Deutsche Philharmonie y pianista del Arxis Ensemble. A lo largo de su carrera, ha tocado en espacios como el Auditorio Nacional de Madrid, la Kölner Philharmonie de Colonia, la Berliner Philharmonie, la Staatsoper Stuttgart o el Centre Pompidou de París, y ha participado en festivales como Darmstädter Ferienkurse y Donaueschinger Musiktage en Alemania, ManiFeste en Francia, o RESIS en España. Ha trabajado con compositores como Beat Furrer, Helmut Lachenmann, Bernhard Lang o Rebecca Saunders y ha estrenado obras de Peter Ablinger, Sara Glojnarić o Fabián Panisello.
Marina Hervás es doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona, licenciada en Filosofía y Máster en Teoría del Arte y Gestión Cultural por la Universidad de La Laguna, y licenciada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de La Rioja. Ha realizado estancias pre y posdoctorales en el Instituto de Investigación Social de la Universidad de Fráncfort y en la Academia de las Artes de Berlín. Es autora de La escucha del ojo. Un recorrido por el sonido y el cine (Exit, 2022) y coeditora, junto a Pedro Alcalde, de Terremotos musicales. Denarraciones de la música en el siglo XXI (Antoni Bosch, 2020). Actualmente es profesora ayudante doctora del Departamento de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Granada.
Jesús Jara es músico, investigador y docente. Estudió Magisterio e Ingeniería Informática en la Universidad Complutense de Madrid. Entre 2011 y 2015 realizó estudios de tecnología y música en Alemania. A partir de 2015 trabaja en Medialab Prado Madrid, donde aborda la creación sonora y la educación a través del live coding. Ha participado en festivales de creación digital como el Festival EXPLORA (Bilbao), In-Sonora (Madrid), Transmediale (Berlín), AlgoMech (Reino Unido), y ha organizado la 4ª Conferencia Internacional de Live Coding en Medialab Prado (Madrid, 2019). Actualmente es docente en la Escuela Municipal de Música y Danza María Dolores Pradera de Madrid y cofundador de la Escuela de Oficios Electrosonoros.
Sergio Luque es compositor de música vocal, instrumental y electroacústica, e investigador de música por ordenador. Es doctor en Composición por la Birmingham University, cuenta con estudios de posgrado en Sonología con mención honorífica por el Conservatorio Real de La Haya y en Composición por el Conservatorio de Róterdam. Codirige el máster en Composición Electroacústica y con Nuevos Medios del Centro Superior Katarina Gurska de Madrid, es profesor invitado del Conservatorio Real de La Haya y es miembro del Birmingham Electroacoustic Sound Theatre (BEAST). Además, ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México. Su música ha sido interpretada por el Birmingham Contemporary Music Group, el Nieuw Ensemble, el Schönberg Ensemble o Garth Knox, entre otros.
Marta Verde Baqueiro es artista visual, creadora digital y docente. Su práctica artística explora la naturaleza indeterminista en la relación de lo orgánico y lo electrónico en el campo visible mediante el uso del ruido, la repetición y el procesamiento digital de imágenes analógicas en tiempo real. Su trabajo se materializa en instalaciones multimedia, lumínicas y en forma de colaboraciones con músicos o bailarines; aplicando el desarrollo de software propio y la construcción de nuevos dispositivos a través de la fabricación digital y/o electrónica. Actualmente es profesora asociada en Berklee College of Music (Valencia Campus).
Más actividades
In situ. African Guernica, de Dumile Feni
De lunes a sábados, del 1 de abril al 22 de septiembre, 2026 – Consultar horarios
In situ es un nuevo formato de mediación en sala que, en lugar de proponer una visita al uso o un itinerario, invita a una conversación cercana y pausada con el personal de Educación para compartir detalles y activar reflexiones abiertas en torno a distintas obras, artistas o salas del Museo.
En esta ocasión, la atención se centra en African Guernica [Guernica africano], una obra creada en 1967 por el artista sudafricano Dumile Feni en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. El monumental dibujo de Dumile Feni se expone por primera vez fuera de Sudáfrica y lo hace en diálogo con otro gran alegato contra la violencia y el antiautoritarismo, Guernica, la icónica obra de Pablo Picasso en la que se inspiró, pintada treinta años antes.
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I: Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
Manel Muntaner. Especial 84
28 MAR 2026
—Con la presentación y coloquio de Manel Muntaner
El ciclo de cine cierra con una distopía sobre la década de 1980, considerada una de las piezas de culto del vídeo español y, sin embargo, una de las más olvidadas hasta la fecha. En Especial 84, Manel Muntaner entremezcla pasajes clave de la novela 1984 de George Orwell con imágenes contemporáneas de vigilancia, dominación, violencia, resistencia y sometimiento. El vídeo recuerda el reverso tenebroso de los años ochenta, tiempo de giro neoconservador en políticas internacionales y de la pandemia del SIDA, a través de una cuidada selección de fragmentos de ficción y noticias reales que, narradas con una apocalíptica voz en off, parece convertir las advertencias de Orwell en una acuciante profecía.