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6 agosto / Edificio Sabatini, Auditorio
La otra Inglaterra: la atracción de la cultura popular
Karel Reisz y Toni Richardson. Momma Don’t Allow
Formato original: película 16 mm, formato de proyección: disco duro, 1956, b/n, son. 22 min.
Alain Tanner y Claude Goretta. Nice Time
Formato original: película 16 mm, formato de proyección: disco duro, 1957, b/n, 17 min.
Karel Reisz. We are the Lambeth Boys
Formato original: película 35 mm, formato de proyección: disco duro, 1958, b/n, VOSE, 53 min.La faceta menos conocida del Free Cinema británico es el documental, un género en el que, sin embargo, destacaron sus principales realizadores antes de dedicarse al cine de ficción. Dos directores de este movimiento, Karel Reisz y Tony Richardson, ofrecen dos miradas a la cultura juvenil de la época. Momma Don’t Allow es un documento sobre el club de jazz Green Wood, de Londres, al que acuden jóvenes de clase trabajadora durante la noche. Reisz ofrece un retrato colectivo de un grupo de jóvenes del barrio londinenses de Lambeth exento de sensacionalismo. Apoyados, como Reisz y Richardson, por el British Film Institute, los suizos Alain Tanner y Claude Goretta filmaron con cámara oculta la vida nocturna de Piccadilly Circus, ofreciendo una selva de signos dominada por los anuncios luminosos, las vallas publicitarias, los carteles de películas y los reclamos de espectáculos eróticos, constituyendo un contrapunto lúdico al mundo alienado del trabajo.
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7 agosto / Edificio Sabatini, Auditorio
El collage de la esfera pública
Stan Vanderbeek. Science Friction
Formato original: película 16mm, formato de proyección: película 16 mm, 1959, b/n y color, son., 9 min.
Stan Vanderbeek. A la Mode
Formato original: película 16mm, formato de proyección: película 16 mm, 1959, b/n, son., 7 min.
Bruce Conner. A Movie
Formato original: película 16mm, formato de proyección: película 16 mm, 1958, b/n, son., 10 min.
Bruce Conner. Marilyn Times Five
Formato original: película 16mm, formato de proyección: película 16 mm, 1968-1973, b/n, son., 13 min.
Arthur Lipsett. 21-87
Formato original: película 16mm, formato de proyección: película 16 mm, 1964, b/n, son., 9 min.
Arthur Lipsett. Free Fall
Formato original: película 16mm, formato de proyección: Betacam SP, 1964, b/n, son., 9 min.
Trabajando entre finales de los cincuenta y finales de los sesenta, los directores que componen esta sesión adoptaron una estrategia central del arte pop: la utilización de imagen encontrada. Bruce Conner, pionero entre ellos y quizá el autor de mayor influencia, utiliza fragmentos de documentales y películas de serie B en A Movie, un compendio de motivos visuales del cine comercial, entre los que abundan imágenes de violencia y sexo, desgajados de sus marcos narrativos. Conner incide en la sexualidad de la imagen fílmica en Marilyn Times Five, un fragmento de película erótica repetido varias veces en el que se acentúa el grano de la imagen y se desdibujan los contornos del cuerpo de la modelo, de modo que el resultado final evoca simultáneamente plenitud y pérdida del deseo. Los collages de Vanderbeek y Lipsett comentan la carga afectiva de las imágenes de la cultura de masas en tonos que van de la sátira a la reverencia ante el rostro y el gesto humanos. -
13 agosto / Edificio Sabatini, Auditorio
La cultura de la abundancia
Grupo Dziga Vertov. Schick. Anuncio de aftershave
Formato original: película 16 mm, formato de proyección: DVD, 1971, color, sonido, VOSE 1 min.
Jean-Luc Godard. La mujer casada
Formato original: película 35 mm, formato de proyección: Betacam Digital, 1964, b/n, sonido, VOSE 94 min.
Fascinado y repelido a partes iguales por la afluencia que surge tras la Segunda Guerra Mundial, Godard aborda en su primera etapa la colonización de la vida cotidiana por la moda, la publicidad, los iconos del cine y el consumo. Son famosas la escena de Pierrot le fou en la que los asistentes a una fiesta conversan citando eslógans publicitarios o las frecuentes comparaciones entre la protagonista de Dos o tres cosas que sé de ella, ama de casa y prostituta ocasional, y el objeto publicitario. La mujer casada ofrece variaciones de ambos temas: la colonización de la vida diaria por las imágenes mediáticas y la equivalencia entre personas y mercancías. La sesión se completa con un anuncio rodado por Godard y Jean-Pierre Gorin durante su colaboración en el colectivo Dziga Vertov. -
14 agosto / Edificio Sabatini, Auditorio
Estrellas, superestrellas y cotidianeidad: La Factoría de Andy Warhol
Andy Warhol. Elvis at Ferus
Formato original: película 16 mm, formato de proyección: película 16 mm, 1963, b/n, 4 min.
Marie Menken. Andy Warhol
Formato original: película 16 mm, formato de proyección: película 16 mm, 1965, col., 10 min.
Andy Warhol. Tarzan and Jane Regained . . . Sort of
Formato original: película 16 mm, formato de proyección: película 16 mm, 1963, b/n, son., VO (inglés), 81 min.
Un importante número de películas de Warhol recrean la narrativa hollywoodiense resaltando el abismo entre las imágenes idealizadas que ofrece la gran pantalla y su ramplona actualización en entornos cotidianos por parte de sus colaboradores, la mayoría de los cuales carecían de experiencia como actores. De esta manera, Warhol desmitifica la cultura de masas a la vez que eleva las personalidades de sus intérpretes al rango de superestrellas. Tarzan and Jane Regained fue rodada en un fin de semana en la casa del actor Dennis Hopper en Los Ángeles, donde Warhol viajó para instalar su exposición en la galería Ferus. Durante la estancia, Warhol conoció a Richard Hamilton y asistió, al igual que el artista inglés, a la inauguración de la influyente retrospectiva de Marcel Duchamp en el Pasadena Art Museum. El programa se completa con una breve toma de los Elvis de Warhol en la galería Ferus y con el retrato que hizo la cineasta Marie Menken del artista, presentado como una máquina de movimiento espasmódico e incesante. -
20 agosto / Edificio Sabatini, Auditorio
La recreación de la narrativa popular: los hermanos Kuchar
Mike Kuchar. Sins of the Fleshapoids
Formato original: película 16 mm, formato de proyección: película 16 mm, 1965, color, VOSE, 43 min.
George Kuchar. Corruption of the Damned
Formato original: película 16 mm, formato de proyección: película 16 mm, 1965, color, VOSE, 56 min.
Los hermanos Mike y George Kuchar comenzaron a realizar delirantes parodias del cine comercial con una cámara de 8 mm a finales de los años cincuenta, cuando aún eran adolescentes. Fueron descubiertos por Ken Jacobs y Jonas Mekas a principios de los años sesenta y desde entonces han sido importantes exponentes de la vanguardia cinematográfica estadounidense, trabajando en diversos formatos y géneros. La recreación deliberadamente amateur y excesiva del cine de serie B revela lo absurdo de las convenciones de este tipo de cine, aunque a la vez constituye un homenaje al desbordamiento afectivo y estilístico del mismo, tan apreciado luego por cineastas como John Waters o Rainer W. Fassbinder. -
21 agosto / Edificio Sabatini, Auditorio
La otra cara de la celebridad
Ira Schneider. The Rolling Stones Free Concert, 1969
Formato original: vídeo, formato de proyección: Betacam Digital, 1969-2002, b/n, VO (inglés), 19 min.
Robert Frank. Cocksucker Blues
Formato original: película 35 mm, formato de proyección: Betacam Digital, 1972, b/n y color, VO (inglés), 93 min.NOTA: Por motivos ajenos a la organización, el largometraje originalmente programado en esta sesión, Cocksucker Blues de Robert Frank (1972), ha tenido que ser sustituido por:
Jean-Luc Godard. Sympathy for the Devil
Formato original: película 35 mm, formato de proyección: DVD, 1968, color, VOSE, 95 min.
La exploración de la estrella mediática es uno de los grandes temas del pop. En la mayoría de ejemplos se plasma la cara pública de la estrella: tranquilizadora, predecible y reconocible. Las películas de esta sesión tienen mayor relación con el Bing Crosby en negativo fotográfico y envejecido que presenta Richard Hamilton en White Christmas o con los Elvis de Ray Johnson, que muestran un rostro melancólico moteado de una pintura que cobra la apariencia de gotas de sangre. Los Rolling Stones se prestaban fácilmente a un tratamiento similar. Anti-ídolos, vivían envueltos en un halo de exceso debido al suicidio de Brian Jones y al desastroso concierto de Altamont, California, en 1969, en el que, como recoge Ira Schneider, murió apuñalado un joven fan. Robert Frank realizó este retrato íntimo de su gira norteamericana de 1973. Frente al aura de la estrella, el resultado recrea momentos de un tedio prosaico. La banda quedó tan descontenta con la visión de Frank que prohibió la distribución comercial de la película, limitando además su proyección. -
27 agosto / Edificio Sabatini, Auditorio
El punk y las políticas de la música popular
Derek Jarman. Jubilee
Formato original: película 35 mm, formato de proyección: película 35 mm, 1978, color, VOSE, 100 min.
Derek Jarman. T. G. Psychic Rally in Heaven 81
Formato original: película Super-8, formato de proyección: disco duro, 1981, color, sonido, 9 min.
Jubilee es quizá la película más compleja surgida de la explosión del punk, un movimiento que, por su movilización de la imagen de masas y su feroz crítica a la cultura comercial, puede ser considerado un avatar tardío del pop más radical. Jubilee combina el interés de Jarman por las subculturas con su fascinación por la literatura renacentista. Esta doble orientación, hacia la contemporaneidad y hacia el pasado, es compartida por artistas como Richard Hamilton, quien versionaría obras históricas utilizando estrategias contemporáneas. El marco de la acción es un estado policial infestado de criminalidad y corrupción donde el bienestar social, como el futuro, ha sido liquidado y las multinacionales del espectáculo pacifican a la población a través de música punk. La ambigua visión de esta música (¿instrumento de rebelión o una mercancía más?) da a la película su complejidad. La sesión se completa con un hipnótico corto en super-8 que Jarman realizó para Throbbing Gristle, una de las bandas más inasimilables surgidas del ocaso del punk. -
28 agosto / Edificio Sabatini, Auditorio
La televisión y la mediación de la violencia
Aldo Tambellini. Black TV
Formato original: 16mm, formato de proyección: 16 mm. 1968, b/n, sonido, 9 min.
James Nares. No Japs at My Funeral
Formato original: vídeo 3/4 de pulgada, formato de proyección: Blu-ray, 1980, color, VOSE, 60 min.
La televisión va a preocupar a distintos artistas en tanto que herramienta de manipulación y vehículo para la creación de un falso consenso. Un aspecto recurrente en estas reflexiones es la vinculación del medio con la violencia: la adicción a la destrucción y la virulencia que emana de la simplificación con la que son tratadas situaciones complejas. Vinculado a la cultura experimental neoyorquina de los años sesenta, Aldo Tambellini realiza en Black TV una de sus “películas negras” (Black Films), una composición de dos pantallas basada en el montaje de imágenes filmadas de un monitor de televisión. No Japs at My Funeral de James Nares consiste en una conversación entre el director y un antiguo militante del IRA, quien explica las condiciones en que se fragua la resistencia republicana y la represión practicada por el ejército británico. El vídeo comparte las mismas circunstancias que dieron lugar a The Citizen (1983), obra de Richard Hamilton.
Seducción y resistencia. En los límites del pop
Celebrada el 06, 07, 13, 14, 20, 21, 27, 28 ago 2014
Este ciclo de cine y vídeo presenta un pop liminal y crítico, que reconoce la seducción de la cultura de consumo, pero también mantiene una distancia crítica con respecto a la misma. Estructurado de forma cronológica, presenta ocho sesiones cada miércoles y jueves de agosto, abarcando desde mediados de los años cincuenta hasta finales de los setenta, es decir, desde los años en los que se fragua el pop hasta el ocaso del punk, que podría considerarse un pop politizado.
Seducción y resistencia. En los límites del pop matiza la narrativa habitual sobre el arte pop y complica su genealogía. El relato aceptado mantiene que este movimiento surge del rechazo de la abstracción y del subjetivismo que dominaban la escena artística europea y estadounidense de posguerra. A menudo se repite que este agotamiento dio a lugar a un arte objetivo, figurativo y abierto a lo cotidiano y popular, que indagó fascinado en la iconografía de los medios de comunicación de masas. Sin embargo, tras estos mitos del pop existe una genealogía alternativa, que resulta más visible si tomamos como referencia al Reino Unido, en lugar de los Estados Unidos, y la posición de artistas como Richard Hamilton, en lugar de Roy Lichtenstein o Andy Warhol. Desde esta perspectiva, el pop surge no sólo de los vaivenes estéticos que cartografía la historia del arte, sino de una compleja trama de desarrollos sociales, intelectuales y políticos susceptibles de ser explorados desde otras perspectivas, como la historia social, las teorías de género o los estudios culturales.
La aparición de una nueva cultura juvenil y marginal que emerge al ritmo de los cuerpos en movimiento entre las ruinas de posguerra, la investigación de la dimensión perceptual y cognitiva de la imagen, la mirada a cómo el consumo cambia el espacio y las relaciones sociales o el análisis de la violencia televisiva son algunos de los temas introducidos en un ciclo en el que el pop, antes que un movimiento, es un observatorio para evaluar la cultura circundante y un taller de estrategias para intervenir en la esfera pública.
En colaboración con
Comisariado
Juan Antonio Suárez
Recursos
Programa Seducción y resistencia
![Richard Hamilton. Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? [¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?], 1956/1992. Collage. 26 x 25 cm. Colección particular. © R. Hamilton. All Rights Reserved, VEGAP, Madrid, 2014](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Exposiciones/hamilton1.jpg.webp)
Más actividades
In situ. African Guernica, de Dumile Feni
De lunes a sábados, del 1 de abril al 22 de septiembre, 2026 – Consultar horarios
In situ es un nuevo formato de mediación en sala que, en lugar de proponer una visita al uso o un itinerario, invita a una conversación cercana y pausada con el personal de Educación para compartir detalles y activar reflexiones abiertas en torno a distintas obras, artistas o salas del Museo.
En esta ocasión, la atención se centra en African Guernica [Guernica africano], una obra creada en 1967 por el artista sudafricano Dumile Feni en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. El monumental dibujo de Dumile Feni se expone por primera vez fuera de Sudáfrica y lo hace en diálogo con otro gran alegato contra la violencia y el antiautoritarismo, Guernica, la icónica obra de Pablo Picasso en la que se inspiró, pintada treinta años antes.
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I: Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
Manel Muntaner. Especial 84
28 MAR 2026
—Con la presentación y coloquio de Manel Muntaner
El ciclo de cine cierra con una distopía sobre la década de 1980, considerada una de las piezas de culto del vídeo español y, sin embargo, una de las más olvidadas hasta la fecha. En Especial 84, Manel Muntaner entremezcla pasajes clave de la novela 1984 de George Orwell con imágenes contemporáneas de vigilancia, dominación, violencia, resistencia y sometimiento. El vídeo recuerda el reverso tenebroso de los años ochenta, tiempo de giro neoconservador en políticas internacionales y de la pandemia del SIDA, a través de una cuidada selección de fragmentos de ficción y noticias reales que, narradas con una apocalíptica voz en off, parece convertir las advertencias de Orwell en una acuciante profecía.