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Viernes, 6 de abril / Edificio Sabatini, Auditorio
Primera proyección
Con la presentación del cineasta
Luis Ospina
Acto de fe (Redux), 1970 / 2017
Archivo digital, b/n, 17’Todo comenzó por el fin,
Archivo digital, color, 208’ -
Sábado, 7 de abril / Edificio Sabatini, Auditorio
Segunda proyección
Con la presentación del cineasta
Luis Ospina
Acto de fe (Redux), 1970 / 2017
Archivo digital, b/n, 17’Todo comenzó por el fin,
Archivo digital, color, 208’
Luis Ospina y Carlos Mayolo en una fotografía de comienzos de 1970, incluida en Luis Ospina. Todo comenzó por el fin. Película, 2015
Fecha y hora
Celebrada el 06 abr 2018
Esta nueva edición del programa Intervalos, dedicado a películas recientes de cine de autor y experimental carentes de estreno o circulación, acoge la última y la primera obra del cineasta colombiano Luis Ospina en un doble pase con presencia del autor. Este intervalo sirve asimismo de colofón a la retrospectiva que el Museo le dedicara en 2015 y enlaza con gran parte de los temas apuntados en dicho programa. La historia del Grupo de Cali, vanguardia artística y fílmica colombiana integrada por el propio Ospina junto al escritor Andrés Caicedo, el cineasta Carlos Mayolo y los artistas Ever Astudillo, Fernell Franco y Oscar Muñoz, entre otros, es revisada en la película Todo comenzó por el fin (2015).
Este largometraje es un autorretrato del Grupo de Cali, también conocido como “Caliwood”, un grupo de cinéfilos, que en medio de la rumba y del caos histórico de la década de los 70 y 80, lograron producir un corpus fílmico que se ha convertido en una parte fundamental de la historia del cine. El Grupo de Cali va a parodiar el canon artístico occidental y utilizará la recepción cultural desde el subdesarrollo para construir un desmontaje, remontaje y apropiación de la vanguardia internacional. El cine-ojo del soviético Dziga Vertov deviene la revista crítica Ojo al cine, el cinema-verité se convierte en el estilo privilegiado por el norte para representar la miseria del sur desde la complacencia y el neorrealismo italiano se disfraza en un cine de vampiros caribeños, en el que la explotación se mezcla con la violencia, el sarcasmo y un irrefrenable impulso a disfrutar la vida. A su vez, Todo comenzó por el fin es la historia clínica del propio realizador, quien enferma gravemente durante la producción del filme y plantea la película como una biografía intelectual y personal.
Estrenado en esta doble sesión, Acto de fe (1970) es un cortometraje que adapta el cuento de Jean-Paul Sartre Eróstrato y narra cómo un hombre al borde de la desesperación decide comprar un revólver y salir a matar indiscriminadamente. Filmado en Los Ángeles, fue el primer proyecto para la escuela de cine de UCLA, con el que Ospina ganó el Primer premio del I Festival de Cine Súper 8 de Bogotá (1977). La película, como todo el cine posterior de Ospina, es una mezcla de referencias cultas (El acto surrealista más simple consiste en salir a la calle con un revólver en cada mano y, a ciegas, disparar cuanto se pueda contra la multitud, escribiría André Breton) con otras populares, como el filme Taxi Driver.
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Luis Ospina (Santiago de Cali, Colombia, 1949). Director, productor y crítico de cine. Su trayectoria artística se caracteriza por una defensa de la libertad creativa, formal y política y un sentido del humor irreverente hacia el propio cine, sus instituciones y las condiciones políticas en las que se produce. Estudió cine en la Universidad del Sur de California y formó parte del Grupo de Cali, junto con Andrés Caicedo, Carlos Mayolo y Ramiro Arbeláez. Su trabajo dio lugar a la expresión “Caliwood” para referirse a la riqueza de la cinematografía caleña, y estableció el concepto “porno-miseria”, emergido en una crítica al cine dentro del cine, al abuso de las condiciones de subdesarrollo y marginalidad de los países latinoamericanos para llamar la atención del público extranjero. Entre sus películas destacan Acto de fe (1971), Agarrando pueblo (1977), Pura sangre (1982), Soplo de vida (1999), Un tigre de papel (2007) y Todo comenzó por el fin (2015), su película más reciente. Sus obras han sido exhibidas en la Tate Gallery, el Solomon R. Guggenheim Museum, el Museo Reina Sofía, el Centro Georges Pompidou o Documenta Kassel, entre otros. Autor del libro Palabras al viento, Mis sobras completas (2007). Desde 2009 es el Director Artístico del Festival Internacional de Cine de Cali.
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.