Hacer cosas con objetos
Encuentro en torno a Franz Erhard Walther
Celebrada el 09 sep 2017
Como cierre de la exposición Franz Erhard Walther. Un lugar para el cuerpo, el Museo Reina Sofía organiza un encuentro con el artista Franz Erhard Walther (Fulda, 1939) en el que participarán Elena Filipovic, Christian Rattemeyer y João Fernandes. A esta conversación le acompaña una serie de activaciones realizadas por el propio Walther.
El título de esta sesión alude a How to Do Things with Words (Cómo hacer cosas con palabras), célebre libro del filósofo del lenguaje J. L. Austin publicado en 1962. En este estudio, Austin define un tipo de frase que denomina “performativa”, en la que “decir” algo implica “hacer” algo; es decir, la propia enunciación supone una acción. Esta dimensión performativa se explica desde la capacidad del lenguaje para trascender la descripción o la observación, y producir una realidad determinada. Tal reflexión ha tenido una enorme influencia en numerosos creadores contemporáneos, entre los que destaca de manera singular Franz Erhard Walther.
La práctica de este artista rompe con la idea estática y sólida asociada a la escultura, desarrollando una serie de objetos, en la mayor parte con materiales orgánicos y textiles, activados por la acción del propio espectador. La activación es un proceso que interrelaciona el cuerpo, el objeto artístico, el tiempo y el espacio para producir una obra inseparable de la noción de participación. La escultura, tradicionalmente entendida como un objeto en sí mismo, es redefinida como un evento con una dimensión pública, colectiva y temporal. Como en el texto sobre el lenguaje y la acción de J. L. Austin, en Walther el sentido de la escultura es inseparable de su uso.
Su trabajo se relaciona con diferentes episodios artísticos de las décadas de 1960 y 1970, si bien mantuvo siempre una equidistancia respecto a ellos. Por ejemplo, la investigación sobre el objeto artístico y la experiencia del público le acercan al minimalismo; su interés por los vínculos entre lenguaje y acción, al arte conceptual; el uso de materiales orgánicos y la importancia otorgada al proceso, al arte povera. Este encuentro se articula, precisamente, en torno a estas zonas de contacto, distinguiendo distintos ejes y líneas de trabajo. Por una parte, Elena Filipovic aborda la relación entre el artista, el cuerpo y la danza; Christian Rattemeyer plantea la relación entre abstracción y pintura, y, por último, João Fernandes se aproxima a la figura de Walther desde la investigación sobre el lenguaje.
Con la colaboración
The Franz Erhard Walther Foundation
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illycaffèParticipantes
Franz Erhard Walther. Artista alemán. Participó en las documenta 5, 6, 7 y 8 (1972, 1977, 1982 y 1987), su obra se ha expuesto en numerosas muestras individuales como, por ejemplo, en el MoMA de Nueva York (1970), Museo Ludwig de Colonia (1977), Kunstverein de St. Gallen (1980), Nationalgalerie de Berlín (1981), Stedelijk Van Abbenmuseum de Eindhoven (1984 y 1993), Kunsthalle de Hamburgo (1991 y 2013), Mamco de Ginebra (1994 y 1997), Fundación Gulbenkian de Lisboa (2003), Mies van der Rohe Haus de Berlín (2009), WIELS de Bruselas (2014) o The Power Plant en Toronto (2016). En 1994 obtuvo el premio Piepenbrock de escultura y en la Bienal de Venecia de 2017 fue galardonado con el León de Oro.
Elena Filipovic. Directora de la Kunsthalle de Basel. Entre 2009 y 2014 fue conservadora en el WIELS de Bruselas, donde comisarió la exposición Franz Erhard Walther: The Body Decides. Co-comisarió la V Bienal de Berlín con Adam Szymczyk, y ha organizado numerosas exposiciones con artistas emergentes y distintas retrospectivas itinerantes, incluyendo a Marcel Duchamp, Alina Szapocznikow, Mark Leckey y Teresa De Keersmaeker. Es autora de The Apparently Marginal Activities of Marcel Duchamp (2016) y de David Hammons, Bliz-aard Ball Sale (2017). Recientemente ha editado las publicaciones Felix Gonzalez-Torres: Specific Objects Without Specific Form (2016) y The Artist as Curator: An Anthology (2017).
Christian Rattemeyer. Conservador asociado en el departamento de dibujo del MoMA de Nueva York, ha organizado entre otras exposiciones Lines, Grids, Stains, Words (Museo Serralves y Museo Wiesbaden, 2007) y Alighiero Boetti (Museo Reina Sofía y Tate Modern, 2012). Ha publicado numerosos escritos sobre arte contemporáneo y editado los catálogos Exhibiting the New Art (2010) y Compass in Hand: Assessing Drawing Now (2009)
João Fernandes. Subdirector del Museo Reina Sofía y comisario de la exposición Franz Erhard Walther. Un lugar para el cuerpo.
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.
School of SUP: sesión de cine trash
Jueves 30 de abril, 2026 – 19:00 h
El disparatado plan de estudios de School of SUP, que desarrolla el equipo1821, hace pública con esta proyección su particular muestra de trabajos de clase. Durante la sesión, se comparten tres cortometrajes grabados con cámaras analógicas, escritos, montados y protagonizados de forma colectiva por el propio alumnado al más puro estilo DIY. A continuación, se presenta American SUP (2026), largometraje trash e irreverente a cargo de Soy una pringada y Dani Tezla.
American SUP (2026) es un roadtrip por el Medio Oeste de Estados Unidos, grabado con una cámara de 1997, en el que la youtuber, dj, agitadora cultural y personalidad de culto de Internet Soy una pringada y Dani Tezla dirigen y protagonizan una aventura en la que no faltan apariciones estelares y escenarios imposibles: la casa de American Football, una tienda de cadáveres, la tormenta del Rainforest Cafe, un concierto de Cannibal Corpse, un sótano en Minnesota, hoteles infectos, sillas del cornudo (cuck chairs) y un hall of fame lleno de payasos. La película es una versión lo-fi del gótico americano con tintes folk, un género practicado por cineastas como George Kuchar, Harmony Korine y Sean Price Williams.
Esta sesión, asimismo, se articula con las líneas fundamentales del programa educativo equipo1821 School of SUP. Cine, arte y nihilismo en los noventa, en el que a través del cine —fundamentalmente de la década de 1990— se profundiza en diferentes prácticas artísticas underground, las culturas urbanas, los cruces del arte con la cultura popular y una suerte de ansiedad adolescente generacional como ruido de fondo.
RECREO #3. No tocar. Materiales, escultura y cuerpos en el aula
29 ABR 2026
La nueva presentación de las Colecciones del Museo, recientemente inaugurada bajo el nombre de Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente, dedica una parte importante de sus salas a mostrar una serie de objetos que hacen desbordar la propia idea de escultura e invitan a desviar la habitual atención monodireccional en favor de experiencias más inmersivas y participativas. Así, el Itinerario II. Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales propone una sucesión de obras y prácticas artísticas con las que confrontar la manera en que reaccionan los cuerpos al encontrarse de frente con volúmenes, materiales, arquitecturas y acciones que, aunque no siempre sean entendidas, activan corporalmente.
Esta nueva sesión de RECREO, dirigida a profesorado de Primaria y Secundaria de cualquier asignatura, sitúa el foco en la relación entre cuerpo y materia en las prácticas artísticas contemporáneas. Muchas de las obras de la Colección exploran los materiales —orgánicos, industriales, arquitectónicos o cotidianos— como una extensión del cuerpo o como detonadores para sentir y repensar conceptos como la materialidad, la presencia, la fragilidad, lastransformaciones o la memoria. Desde esta perspectiva, se propone un acercamiento a estas propuestas artísticas con el fin de plantear herramientas pedagógicas que trabajen con el alumnado la percepción y reflexionen en torno a los objetos, los materiales y su relación con la dimensión corporal de la creación artística.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.