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Viernes 9 de septiembre, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: sábado 24 de septiembre, 2022 / Edificio Sabatini, Auditorio
Gonzalo García-Pelayo. Así se rodó Carne quebrada
España, 2021, color, VO en español, archivo digital, 70’
—Presentación y coloquio de Gonzalo García-Pelayo y el equipo de la película en ambos pases
Así se rodó Carne quebrada se basa en el making of del rodaje de una película cuyo argumento se entrecruza y se confunde con la historia real que transcurre durante la filmación. En Carne quebrada, la película que se está rodando, un grupo de amigos se reúne regularmente para experimentar con el sexo y con las relaciones de pareja. El director, un afamado cineasta underground, quiere plasmar en su nueva película dos de sus obsesiones: los viajes como experiencia vital, estética y reveladora y el sexo como principal motor del deseo y de la evolución humana.
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Sábado 10 de septiembre, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: jueves 29 de septiembre, 2022 / Edificio Sabatini, Auditorio
Gonzalo García-Pelayo. Tu coño
España, 2022, color, VO en español, archivo digital, 70’
—Presentación y coloquio de Gonzalo García-Pelayo y el equipo de la película en ambos pases
Pareja joven de recién casados en la que él, un joven artista, solo piensa en tener sexo a todas horas y en cualquier lugar de su nueva casa con ella, su única modelo para vídeos y esculturas. La película, que bordea la clasificación X por filmar el sexo de manera explícita, se aleja sin embargo de cualquier convención asociada al género pornográfico.
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Viernes 23 de septiembre, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: viernes 30 de septiembre, 2022 / Edificio Sabatini, Auditorio
Gonzalo García-Pelayo. Alma quebrada
España, 2021, color, VO en español, archivo digital, 74’
—Presentación y coloquio de Gonzalo García-Pelayo y el equipo de la película en ambos pases
Una directora de cine emprende un viaje para buscar localizaciones para su próxima película. Admiradora de Alain Resnais y del cine experimental, intenta crear una historia en la que se mezclan su propia biografía con la de un cantaor con quien tuvo una relación en el pasado. Entre citas de la literatura mística española, de san Juan de la Cruz o de santa Teresa de Jesús, García-Pelayo vuelve al viaje creativo como elemento de salvación, cuestión que vertebra el proyecto de las 10+1 películas.
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Sábado 12 de noviembre, 2022 / Edificio Sabatini, Auditorio
Pedro G. Romero y Gonzalo García-Pelayo. Siete jereles
España, 2022, color, VO en español, archivo digital, 75’
—Presentación y coloquio de Pedro G. Romero y Gonzalo García-Pelayo. Concierto flamenco de clausura a cargo de José de los Camarones
Pase único de esta película que continúa la colaboración entre Pedro G. Romero y Gonzalo García-Pelayo, iniciada en el filme Nueve Sevillas (2020), en la que exploran el flamenco como psicogeografía de la historia, las gentes y los lugares de la ciudad. Los distintos personajes son vividos y atravesados por la fuerza superior de la cultura y la historia flamenca, concebida como un espacio que concentra lo marginal, subalterno y racial de la historia de España. Una estampida de caballos recorre el centro de Jerez y pasa por siete lugares míticos de la fiesta y de la noche. En ellos se desarrollan siete planos-secuencia que muestran tres actuaciones donde se aúna el flamenco, la historia y la vanguardia. La proyección se abre y cierra con un concierto de música flamenca que clausura el ciclo.

Celebrada el 09, 10, 23, 24, 29, 30 sep, 06, 07, 08, 13, 14, 15, 20, 21, 22, 27, 28, 29 oct, 03, 04, 05, 10, 11, 12 nov 2022
El Museo Reina Sofía y Cineteca Madrid organizan la segunda parte y cierre de la retrospectiva dedicada al cine de Gonzalo García-Pelayo (Madrid, 1947) con el estreno, a nivel internacional, de uno de los proyectos más ambiciosos del cine contemporáneo: la realización de once largometrajes en doce meses, que realizó el director entre 2021 y 2022.
Gonzalo García-Pelayo es un autor de culto en el mapa de los nuevos cines europeos, comparado tras sus retrospectivas en Viennale (2013) y Jeu-de-Paume (2014), y sus estrenos en BAFICI (2022) con el espíritu del primer Jean-Luc Godard y con elementos de Michelangelo Antonioni e Ingmar Bergman. Las manifestaciones de la contracultura, la experimentación con el lenguaje fílmico, la indistinción entre ficción y documental y el deseo de contar una sociedad emergente tras la dictadura en España son los elementos característicos del cine de García-Pelayo entre 1975 y 1986, que fue objeto de la primera parte de esta retrospectiva titulada Dejen de prohibir que no alcanzo a desobedecer todo. El cine de Gonzalo García-Pelayo. Tras un largo paréntesis en el que abandona el cine y se dedica a la producción musical, a la actividad editorial y a la especulación matemática de los juegos de azar y del sistema financiero, el cineasta a contracorriente vuelve afirmando el exceso y la ruptura de cualquier convención.
El año de las 10+1 películas es un proyecto que poco tiene que ver con el diario filmado o con el cine de la vida cotidiana, sino que mantiene la coherencia temática y la estructura conceptual de la obra original de García-Pelayo. Estas once películas —una de ellas realizada en colaboración con Pedro G. Romero y otra firmada por Paco Campano—, están atravesadas por ideas y elementos comunes que otorgan a la serie una identidad singular. Una de ellas es la visión del cine como una suerte de geografía emocional. Las películas transcurren en lugares previamente visitados por el cineasta (Kerala, Tamil Nadu, Kazajistán, Tierra de Fuego, Andalucía, el Alentejo, etc.) y los personajes, al igual que ocurre en el cine de Jean-Marie Straub y Danièlle Huillet, resuenan y vibran con los lugares recogiendo las historias y sensaciones despertadas por estos. Por otro lado, García-Pelayo cuenta con un mismo elenco de actores que se reparten los roles de las once películas —una técnica propia del antiteatro de Fassbinder que inaugura una noción anti-actoral de la interpretación— y que comparten, asimismo, un elemento metafílmico, el cine dentro del cine, un rasgo constante en el autor desde Vivir en Sevilla (1978). Otras ideas comunes a estos largometrajes son la música (en su amplitud de géneros) como expresión del propio argumento, la conversación filosófica entre los personajes, y el sexo como fuerza torrencial que alude, siguiendo el paradigma del amor loco surrealista, al triunfo del instinto sobre la cultura.
El colofón a las 10+1 películas es un cálculo numérico que obedece a un principio básico: acelerar la media del rodaje habitual del cine español (tres años para una película) hasta 33 veces, la velocidad más usada para grabar vinilos. Con ello, García-Pelayo regresa con un corpus fílmico sin parangón que demuestra que el cine, antes que una industria o un oficio, es una manera de vivir.
Las proyecciones de las once películas se realizan de manera compartida entre el Museo Reina Sofía y Cineteca Madrid.
Organizan
Museo Reina Sofía y Cineteca Madrid
Comisariado
Chema González (Museo Reina Sofía) y Luis E. Parés (Cineteca Madrid)
Más actividades

Dominga Sotomayor. Debajo y Thais Fujinaga. A Felicidade das Coisas
Viernes 14 de agosto, 2026
Dos joyas procedentes de las nuevas voces del cine latinoamericano que basculan entre familias, piscinas, reencuentros y estatus. En Debajo, cortometraje de juventud de la chilena Dominga Sotomayor, conviven el abstracto y contundente plano cenital de una piscina con las relaciones que esta concita en una familia en crisis, reunida para contemplar un eclipse. Este cine de cuidados y afectos tan propio de Sotomayor se halla cercano al naturalismo cotidiano de Thais Fujinaga en A Felicidade das Coisas. En este primer largometraje de la autora, la piscina no es una pileta horizontal para la inmersión de bañistas, sino un gran monolito vertical, a modo de antimonumento, anclado en el jardín de una familia de clase media. La película cuenta el empeño y los desafíos de una madre con dos hijos por construir una piscina en su humilde casa de veraneo, sola frente a un mundo hipermasculinizado. Al mismo tempo, este filme habla del amor familiar, pero también de la búsqueda de estatus, con la piscina como tótem de la languideciente clase media brasileña durante los años del bolsonarismo.
![Blake Edwards, The Party [El guateque], 1968, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-14.jpg.webp)
Blake Edwards. El guateque
Sábado 15 de agosto, 2026
En El guateque el actor extra hindú Hrundi V. Bakshi (Peter Sellers) es invitado por error a una lujosa fiesta en Hollywood. Su curiosidad y torpeza desencadenan constantes y divertidos desastres. Durante la velada consuela a Michèle, una joven actriz que ha sido despedida por su productor. El caos se intensifica cuando Bakshi abre accidentalmente el suelo móvil, haciendo que los invitados caigan a la piscina. Un pequeño elefante pintado a la moda hippie irrumpe en la fiesta traído por un grupo de jóvenes, al que Bakshi pide que laven por ser un animal sagrado en su país. La casa se inunda de pompas de jabón, culminando la velada en un hilarante caos.
Cuando un día le preguntaron a Stanley Kubrick quién era Peter Sellers, este respondió: «No existe tal persona como Peter Sellers». El guateque es una de las comedias más reconocidas de la historia del cine. Su director Blake Edwards y el actor inglés realizaron una divertida crítica a una sociedad conservadora que desaparecía. Las revoluciones culturales de los años sesenta cabían en el contenedor de una piscina revuelta: gente de la alta sociedad, un elefante, un ballet ruso, los camareros, unos jóvenes beatniks..., de igual forma que la propia identidad de Sellers —un recipiente vacío que podías rellenar—. Edwards utilizó la innata improvisación del genial actor y la piscina como continente para hacer la revolución.

Lucrecia Martel. La ciénaga
Viernes 21 de agosto, 2026
Un par de familias pasa los días de verano en una casa de campo. La relación entre ellas deja ver una profunda crisis. El alcoholismo de Mecha (Graciela Borges) y Gregorio (Martín Adjemián) se hace evidente, afectando a la deriva en la educación de sus descendientes y su impacto en las relaciones de respeto y afecto. El hastío se denota en la propia dejadez del entorno.
Lucrecia Martel aborda en La ciénaga la decadencia de una familia de clase media argentina. La pileta con el agua estancada y sucia es el reflejo del colapso económico y social de todo un país. Pero no solo es el reflejo de la crisis económica, también se convierte en un pozo oscuro que se va alimentando por el propio dolor de quienes habitan la casa. Antiguo espacio de alegrías, la piscina se transforma en el reflejo de la propia depresión de los adultos, cuya consecuencia es la apatía. Y los hijos, pero sobre todo las hijas, parecen ser las únicas personas despiertas en esta deriva. Exceptuando algún conato de inconsciencia, la juventud se moja en el agua de la lluvia o el río, agua que fluye, pero se cuida de acercarse demasiado a la piscina.
![Yorgos Lanthimos, Kynodontas [Canino], 2009, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-16_00.jpg.webp)
Yorgos Lanthimos. Canino
Sábado 22 de agosto, 2026
Un matrimonio con tres hijos adultos vive en una moderna casa de campo. Una gran piscina preside el lugar central de un amplio jardín. La propiedad está rodeada por una extensa valla que no permite ver lo que hay fuera. El padre ha educado a sus hijos sin contacto con el exterior, manteniéndolos en la creencia de un mundo falso: los aviones caen al jardín como si fueran juguetes y deben comportarse como perros para defenderse de la ferocidad de los gatos que rodean la casa. La promesa de salir al mundo cuando pierdan el diente canino es su prueba de madurez.
Lanthimos construye un mundo surrealista, cómico y atroz. La piscina es el elemento central de la casa, un espacio limitado y controlado que se asimila al propio mar, pero bajo la supervisión del padre. Es un espacio de imaginación, pero con objetivos funestos: los hijos son adoctrinados bajo las aguas en la creencia de un mundo mejor, ajeno a la realidad. Los límites de la piscina son los propios límites de su libertad, un falso estado de bienestar que se expresa en sus cuerpos ingrávidos dentro del agua. El líquido elemento es un magma analgésico donde poder educar a la prole bajo el miedo latente de la dentellada de un tiburón.
![Binka Zhelyazkova, Baseynat [La piscina], 1977, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-17_00.png.webp)
Binka Zheliazkova. La piscina
Viernes 28 de agosto, 2026
La joven e inteligente Bella (Yanina Kasheva), tras un inesperado desengaño amoroso en su fiesta de graduación, conoce a Apostol (Kosta Tsonev), un arquitecto reservado, y a Boyan (Kliment Denchev), un actor cómico descreído con el país. Los tres personajes se encaraman en lo alto del trampolín de una piscina pública y entablan una extraña relación de amistad, amor y desesperanza que refleja el choque entre generaciones.
Binka Zheliazkova, la gran enfant terrible del cine de Europa del Este, crítica con el sistema comunista y cineasta enormemente reconocida fuera de sus fronteras, llevó a cabo en La piscina una magistral metáfora de un país en decadencia. La piscina pública simboliza un coto cerrado e inmóvil donde la sociedad está estancada. Desde la altura de un trampolín visualiza, a modo de panóptico, a las distintas generaciones que viven bajo un espacio limitado. Por un lado, las personas mayores intentan conservar el antiguo espíritu revolucionario con constantes ejercicios natatorios colectivos, mientras que, por otro, las jóvenes no ocultan un deseo de libertad que no es satisfecho. Existe un choque ideológico en cómo actúan y se mueven en el recinto, dejando ver la enorme hipocresía de los ideales perdidos del socialismo, que se refleja en la apatía total de la juventud. Así, La piscina es para Zheliazkova un reflejo del desencanto y del vacío existencial de todo un país y de un sistema.
