![Oskar Fischinger, Komposition in Blau [Composición en azul], película, 1938. Cortesía del Center for Visual Music](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/large_landscape/public/Actividades/proyector5_1.jpg.webp)
Oskar Fischinger, Komposition in Blau [Composición en azul], película, 1938. Cortesía del Center for Visual Music
Celebrada el 01, 15 jun 2025
Proyector de luna es el programa regular de cine del Museo Reina Sofía para público infantil. Cada domingo, cuenta con sesiones matinales de iniciación al cine y a las artes audiovisuales para los más jóvenes. Un fascinante viaje, repleto de imaginación y conocimiento, desde los inicios del lenguaje cinematográfico hasta las obras más creativas y originales de la actualidad, pensado para las generaciones futuras. El nombre del programa se inspira en la obra del poeta Federico García Lorca, un Proyector de luna donde reverberan los sueños y la imaginación primera, y la fantasía de los niños emerge de la contemplación de la luz proyectada.
Formas que bailan nos adentra en los comienzos de la animación, en el fascinante mundo de los primeros metrajes en movimiento de formas y colores en una película. Estos principios supusieron la primera experiencia fílmica de cine animado, en este caso a través de las formas básicas del arte que inspiraron la creación experimental, pero también un acercamiento al imaginario primitivo. Esta experiencia visual y sonora busca explorar el mundo de las sensaciones en la contemplación infantil. Un viaje de formas, colores, sonidos y músicas que atrapen la mirada curiosa de los más pequeños. Un mundo nuevo sin figuras identitarias ni narraciones predecibles, donde los más pequeños puedan experimentar de forma directa con formas y colores en movimiento.
Entre los artistas y cineastas que nos acompañan en este viaje se encuentran algunos de los pioneros de las vanguardias históricas y artistas clave de mediados del siglo XX. La sesión está conformada por Oskar Fischinger (Alemania,1900-Estados Unidos,1967), uno de los grandes maestros de la animación a través del montaje experimental de sonidos e imágenes; Len Lye (Nueva Zelanda, 1901-Estados Unidos, 1980), referente de la animación experimental en la primera mitad del siglo XX desde la fusión innovadora de sonidos, como los ritmos latinos, el mambo y el swing, y formas abstractas; Mary Ellen Bute (Estados Unidos,1906-1983), una de las primeras mujeres cineastas experimentales con una obra que versa sobre la sinestesia, la transformación de la música en imágenes; y Norman McLaren (Escocia, 1914-Canadá, 1987), sin duda uno de los artistas más relevantes en la creación de animaciones gráfico-sonoras de todos los tiempos. Por último, Faith Hubley (Nueva York, 1924-2001), autora de evocadores filmes abstractos que evolucionan desde las formas primitivistas a la figuración narrativa.
Organiza
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Actividad accesible
Esta actividad cuenta con una plaza para personas con movilidad reducida
Programa
Oskar Fischinger. Studie Nr. 7 [Estudio n.º 7]
Alemania, 1931, archivo digital, blanco y negro, sonido, 3’. Cortesía del Center for Visual Music
Trazos blancos se presentan sobre un fondo negro para moverse al ritmo de la quinta danza húngara de Brahms.
Oskar Fischinger. Komposition in Blau [Composición en azul]
Alemania, 1938, archivo digital, color, sonido, 4’
Cortesía del Center for Visual Music
Varios cubos se mueven sincrónicamente bajo el ritmo de la música que los transforma en figuras circulares desapareciendo en un falso azul que torna a rojo.
Len Lye. Kaleidoscope [Kaleidoscopio]
Reino Unido, 1935, DCP, color, sonido, 4’
Con la música de un alegre mambo, las geometrías típicas de los caleidoscopios se mueven y rompen al ritmo de las notas.
Len Lye. Colour Flight [Vuelo de color]
Reino Unido, 1938, DCP, color, sonido, 4’
Formas y líneas danzan bajo las notas alegres del mambo y del swing
Mary Ellen Bute. Tarantella [Tarantela]
Estado Unidos, 1940, DCP, color, sonido, 4’35”
Bajo las notas del compositor Edwin Gerschefski, diferentes formas y líneas se metamorfosean en otros elementos sorpresivos y armónicos.
Norman McLaren. Blinkity Blank [Parpadeo en blanco]
Canadá, 1955, DCP, color, sonido, 5’
Sobre un fondo negro aparecen destellos como fuegos de artificio, bajo la pauta de sonidos libres.
Norman McLaren. Le merle [El mirlo]
Canadá, 1958, DCP, color, sonido, 5’
Reinterpretando el ritmo de una canción popular francocanadiense varias líneas y círculos se transforman en un pájaro en movimiento.
Faith Hubley. Tall Time Tales [Fábulas del tiempo]
Estados Unidos, 1992, archivo digital desde 16 mm, color, sonido, 8’
Elementos básicos de la naturaleza van conformando figuras primitivas al son de las notas de ritmos africanos y tántricos. El biomorfismo juega con la figuración para contarnos la historia de la vida.
![Oskar Fischinger, Studie Nr. 7 [Estudio n7], película, 1931. Cortesía del Center for Visual Music](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/large_landscape/public/Actividades/proyector5_2.jpg.webp)
![Len Lye, Kaleidoscope [Kaleidoscopio], película, 1935](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/large_landscape/public/Actividades/proyector5_3.jpg.webp)
![Len Lye, Colour Flight [Vuelo de color], película, 1938](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/large_landscape/public/Actividades/proyector5_4.jpg.webp)
![Mary Ellen Bute, Tarantella [Tarantela], película, 1940](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/large_landscape/public/Actividades/proyector5_5.jpg.webp)
![Norman McLaren, Blinkity Blank [Parpadeo en blanco], película, 1955. Cortesía del National Film Board de Canadá. Todos los derechos reservados](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/large_landscape/public/Actividades/proyector5_6.jpg.webp)
![Norman McLaren, Le merle [El mirlo], película, 1958. Cortesía del National Film Board de Canadá. Todos los derechos reservados](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/large_landscape/public/Actividades/proyector5_7.jpg.webp)
Más actividades
Mi.Mu. Soy un mundo
Todos los viernes, del 17 de octubre de 2025 al 19 de junio de 2026 - 10:30 h
Mi.Mu. Soy un mundo es un recorrido dirigido a grupos de Educación Infantil que parte de los aprendizajes derivados del proyecto MICA (museo, infancia, cuerpo y aula), desarrollado por el colectivo La Parcería Infancia y Familia. En esta actividad se investiga cómo poner en valor los espacios de aprendizaje artístico que permiten la expresión libre en la infancia mediante la observación y el respeto del tiempo y los procesos vitales que transcurren en ella, así como la forma de trazar un acercamiento a la institución como el mejor lugar social posible para la experimentación y creación.
Esta visita parte de la estructura pedagógica de los sentidos estudiada desde la antroposofía, que nos acerca a diferentes estadios de desarrollo del ser humano —el conocimiento del yo, del entorno y del otro—, y propone un recorrido lúdico por obras específicas de la Colección y por los diferentes espacios del Edificio Sabatini para potenciar las relaciones entre cuerpo y espacio. Teniendo en cuenta que la infancia está profundamente definida por el movimiento y por el cuerpo como algo presente, activo y en continuo cambio, se busca involucrar corporal, performática y sensorialmente a nuestr+s pequeñ+s visitantes y sus acompañantes, con la intención de crear memorias corporales y afectivas de esta experiencia.
Diseñado en colaboración con Nur Banzi y La Parcería Infancia y Familia, en este recorrido se explora el Museo como un espacio de aprendizaje activo y un tablero expandido de juego en el que experimentar con la observación, despertar la curiosidad y establecer una relación con el arte y sus espacios a partir del disfrute, lo lúdico y las relaciones socioafectivas. Mi.Mu. Soy un mundo toma como referencia la obra Un mundo (1929), de Ángeles Santos, para hacer un recorrido que invita a cada niñ+ a observarse a sí mism+ y a entenderse como un mundo personal cargado de ideas, gustos, expresiones, deseos y necesidades y que coexiste con otros diferentes que lo reflejan y acompañan. Un pequeño mundo entre otros mundos.
Voces situadas 36
Jueves 16 de octubre, 2025 - 19:00 h
Territorio Doméstico es un colectivo feminista compuesto por empleadas del hogar y cuidados afincadas en la Comunidad de Madrid. Conforman un espacio transfronterizo que responde a varios problemas urgentes: la defensa del derecho laboral de parte de las trabajadoras del hogar y la exigencia de la regularización de las personas migradas trabajadoras, así como de su derecho a la reagrupación familiar, el reconocimiento social y la reparación de la deuda de cuidados por parte de las instituciones.
Acompañan este encuentro proponiendo una mesa intersectorial en torno a las enfermedades profesionales que sufren determinados colectivos de trabajadoras con empleos con un marcado componente físico, como las trabajadoras del hogar y cuidados o las de la agricultura. El objetivo de esta mesa es visibilizar las consecuencias físicas y psicológicas que los trabajos de cuerpo suponen para quienes los realizan, así como el poco reconocimiento social, legal y sanitario que reciben.
Las enfermedades profesionales de las mujeres a menudo no son reconocidas como tales, siendo diagnosticadas como enfermedades comunes con todo lo que ello supone a nivel legal y administrativo. Por otra parte, obtener una baja laboral puede convertirse en toda una lucha, incumpliéndose así sus derechos laborales.
La asamblea de Museo Situado convoca a conversar sobre esta realidad, dándole el espacio que se merece para poder reivindicar soluciones de forma colectiva y que se cumplan con los derechos de todas las trabajadoras.
Conferencia de Alejandra Zanetta. Maruja Mallo en el exilio americano
Jueves 16 de octubre, 2025 - 19:00 h
En el marco de la exposición retrospectiva que el Museo Reina Sofía dedica a Maruja Mallo, Alejandra Zanetta imparte una conferencia sobre el significado del exilio americano en la obra de la artista gallega.
Comprometida con los valores de progreso y renovación de la Segunda República, Maruja Mallo se ve obligada a exiliarse en Argentina con el estallido de la Guerra Civil. La integración de la pintora en los ambientes intelectuales latinoamericanos influirá notablemente en su obra, absorbiendo las corrientes artísticas y de pensamiento del nuevo continente y enriqueciendo su perspectiva creativa.
Es durante este exilio, que es también olvido, cuando la artista inicia un viaje personal hacia la cosmografía y el universo. Mallo mostrará un gran interés por la geometría cósmica, buscando reflejar el orden del universo a partir de las leyes armónicas de los números y los trazos regulares del compás en sus conocidas Naturalezas vivas. Otro elemento clave de este período es su observación del sincretismo religioso americano y de su diversidad racial, reflejados en las diferentes interpretaciones de la máscara y en las monumentales cabezas que aparecen en la serie Retratos bidimensionales.
Esta etapa americana, de casi tres décadas, concluye con el regreso definitivo a España de Maruja Mallo en 1965. Un viaje de vuelta que acaba por convertirse en una suerte de segundo exilio para la artista.
Esta conferencia forma parte del ciclo Arte y Exilio, que pretende profundizar sobre uno de los aspectos definitorios de la vida y obra de Maruja Mallo: la experiencia del exilio. Una experiencia que, en su caso, es doble, ya que abarca no solo la vivencia americana, sino también el complejo regreso a España.
Sven Lütticken
Viernes 10 de octubre, 2025 – 19:00 h
Las disciplinas académicas son, en efecto, disciplinarias. Imponen hábitos de pensamiento, parámetros ideológicos y a priori metodológicos a quienes se han formado en ellas. ¿Qué significa haber sido disciplinado por la historia del arte? ¿Qué nos ha hecho la historia del arte? Pero también, ¿qué podemos seguir haciendo con ella? La Cátedra Juan Antonio Ramírez, la cita anual del Museo Reina Sofía dedicada a reflexionar sobre la historia y la historiografía del arte, sus límites y sus puntos de fuga, invita a Sven Lütticken a examinar estas cuestiones a la luz de diversos casos seleccionados por el autor y de su propia práctica.
Su trabajo, enmarcado en la historia y la teoría del arte, siempre ha abogado por expandir, interpelar o cuestionar los límites de la disciplina hasta el punto de que esta se vuelva teórica y (auto)crítica. A lo largo de su trayectoria, Lütticken ha dirigido su interés fundamentalmente a la investigación histórica, crítica y teórica sobre la autonomía. Un hito importante en esta línea de trabajo es su participación en The Autonomy Project, iniciativa del Van Abbemuseum de Eindhoven junto con varias escuelas de arte y departamentos universitarios que desembocó en la publicación del volumen Art and Autonomy (Afterall, 2022). Una segunda línea está constituida por el proyecto a largo plazo Forms of Abstraction, que analiza prácticas artísticas contemporáneas como intervenciones en formas de «abstracción real», como la forma-valor, tal y como la teorizó Marx.
Desde septiembre de 2025, Sven Lütticken es residente de Constelación de Estudios, el programa de pensamiento anual del Museo Reina Sofía, en el que desarrolla el proyecto de investigación Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal.
Warhol-Vijande. Más que pistolas, cuchillos y cruces
Viernes 10 de octubre, 2025 – 19:00h
El Museo Reina Sofía preestrena el documental Warhol-Vijande. Más que Pistolas, Cuchillos y Cruces (2025), un proyecto de la Colección Suñol Soler, dirigido por el realizador Sebastián Galán. El Museo se hace eco así de la memoria del galerista Fernando Vijande (Barcelona, 1930 – Madrid, 1986) y de su relevancia como actor principal de la modernidad cultural y artística española. La película ilustra el rol central de este marchante de arte examinando el hito que supuso la exposición producida por Andy Warhol en la Galería Vijande en 1983, su histórica visita a España y los puentes entre la movida madrileña y las corrientes artísticas de Nueva York.
Fernando Vijande, considerado el galerista de arte de la movida, fue el promotor de una revolución artística que llevó a Madrid y a España a coger el tren de la contemporaneidad, gracias al apoyo de Andy Warhol, figura emblemática de la posmodernidad artística de finales del siglo XX. La elección de Warhol de la ciudad de Madrid y, concretamente, de la Galería Vijande para celebrar una exposición creada exprofeso para este espacio refleja cómo la ciudad y su incipiente escena cultural se convirtieron en un eje artístico de primer orden.
El documental es guiado por la cantante Alaska, personaje central de la movida, y muestra cómo aquel Madrid innovador, colorista y provocador que despertaba a golpe de arte y fiesta supuso el acicate creativo para Warhol, que sintió en la movida de la década de 1980 la rebeldía creativa del Nueva York de las décadas de 1960 y 1970. Una nueva «Factory» emergía en medio de las calles que se llenaban de tribus urbanas, sacudiéndose la letanía franquista. Aquello no supuso solo un evento, fue la cristalización de un cambio. Como asegura en el filme el gestor cultural Martín Moniche: «En los eventos de Fernando se produce lo que este país necesitaba: ¡divertirse!, porque había estado cuarenta años sin diversión. El cambio político no podía venir por un cambio radical. Entonces, ¿por dónde iba a venir el cambio? Por la cultura».