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9 junio, 2015 / Edificio Nouvel, Centro de Estudios
Marcel Broodthaers. Seminario de investigación
Asistencia: inscripción gratuita mediante envío de correo electrónico a centrodeestudios@museoreinasofia.es indicando interés y formación. El seminario se desarrollará en inglés sin traducción simultánea. Plazas limitadas.
En 1968, Marcel Broodthaers funda el Museo de Arte Moderno. Departamento de las Águilas, un museo sin colección ni ubicación concreta, pero dividido en distintas secciones que recogían a través de reproducciones artísticas, imágenes u objetos cotidianos la iconografía del poder en su presentación más evidente. En 1970, añade la “Sección Financiera”, cuyo rol es vender el museo desestabilizando el precio del mercado. Broodthaers parece vislumbrar el reverso catastrófico del museo de arte moderno actual: una institución dedicada a exhibir y a certificar el milagro de la transformación de la nada en acumulación inimaginable de valor. ¿Es posible, a la luz del trabajo del artista belga, contraponer a este modelo el del museo como institución heredera de la esfera pública ilustrada? ¿Es posible imaginar otro museo afirmativo y crítico, que estructure y desestructure a su público y que contrarreste la lógica del museo plenamente integrado?
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10 junio, 2015 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
De Birkenau a Dresde: La memoria en las obras abstractas de Gerhard Richter
Asistencia: gratuita hasta completar aforo
El trabajo más reciente de Gerhard Richter, titulado Birkenau, se inspira en la publicación de cuatro fotografías tomadas en secreto por los reclusos de Auschwitz y posteriormente publicadas por el historiador del arte francés Georges Didi- Hubermann en su libro Imágenes pese a todo (2004). El grupo de obras abstractas de Richter, tras haber sido reelaboradas durante un año, fueron duplicadas y digitalizadas para ser instaladas esta primavera en Dresde, ciudad de origen del artista, a propósito del 70º aniversario de la liberación de Auschwitz. Conectando su ciudad con la historia del nazismo alemán, precisamente en el lugar de destrucción más notoria producida por los bombardeos aliados, Richter sitúa a sus espectadores, una vez más, frente un apogeo de desafíos mnemotécnicos, con el pasado inmanejable y una continuación de la reflexión sobre la barbarie humana en el siglo XX y en el presente.
Benjamin Buchloh
De Birkenau a Dresde: La memoria en las obras abstractas de Gerhard Richter
Celebrada el 09, 10 jun 2015
Iniciado en 2010, el programa de conferencias magistrales del Museo Reina Sofía, que buscan reconocer las tensiones metodológicas que han transformado la historia del arte en años recientes, indica el comienzo o el final de la actividad académica anual realizada en el Museo, integrada por una serie de másteres, programas de estudios, grupos de debate y residencias de investigación realizadas en colaboración con distintas universidades.
Tras las conferencias magistrales de Linda Nochlin (2010), T.J. Clark (2011), Simón Marchán Fiz (2012) y Hans Belting (2013), la edición de este año está protagonizada por Benjamin Buchloh.
En esta ocasión, la conferencia se plantea en dos sesiones dedicadas a dos artistas y dos modos de hacer que han caracterizado el trabajo del historiador alemán, situado entre la crítica y la universidad: un seminario de investigación sobre Marcel Broodthaers y una conferencia pública sobre Gerard Richter.
Programa educativo desarrollado con el mecenazgo de:
Organiza
Museo Reina Sofía
Programa educativo desarrollado con el mecenazgo de
Participantes
Benjamin Buchloh es editor de las revistas Interfunktionen (1969-1975) y October (desde 1990) y catedrático de Arte Moderno Andrew W. Mellon del departamento de Historia del Arte y Arquitectura en la Universidad de Harvard. Su labor ha recuperado con especial intensidad el legado crítico y el desafío estructural de artistas como Marcel Broodthaers, Michael Asher, Dan Graham o James Coleman. Los ensayos recogidos en Neo-Avantgarde and Culture Industry. Essays on European and American Art from 1955 to 1975 (The MIT Press, 2000) se caracterizan por analizar los retornos de la idea de vanguardia en el capitalismo cambiante de posguerra, así como por la definición crucial de la llamada crítica institucional como motor de las prácticas conceptuales frente a la cultura administrada de las instituciones culturales. Del mismo modo, la tensión entre categorías historiográficas opuestas domina tanto en Formalismo e historicidad. Modelos y métodos en el arte del siglo XX (Akal, 2004), como en Arte desde 1900. Modernidad, antimodernidad, posmodernidad (Akal, 2006, coeditado con Rosalind Krauss, Yve Alain Bois y Hal Foster). La firme convicción en el rol crítico y resistente del museo y del arte contemporáneo ante la banalización del espectáculo es uno de los rasgos identificativos e imprescindibles de la escritura y pensamiento de Benjamin Buchloh.
Más actividades
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Tras el muro, ¡la playa!
12, 19 ABR 2026
¿Dónde habita la esperanza en una guerra? Tras el muro, ¡la playa! es la visión de un mundo mejor a través de los ojos de la infancia en Palestina. Una experiencia que se aborda en este programa a través de un conjunto de películas procedentes de este país en conflicto, tanto de ficción como de animación. En la apreciación adulta, la guerra encuentra una justificación de carácter político y moral. En cambio, la mirada de la infancia derriba cualquier lógica ante la barbarie y muestra la tragedia bélica como un error sin justificación. Frente a la destrucción adulta, la infancia siempre reafirma la vida en su plenitud.
La selección de cineastas de origen palestino que se presentan, Ibrahim Handal, Tariq Rimawi, Firas Khoury, Rami Abbas, Nisreen Yaseen y Haneen Koraz, son un buen ejemplo en este sentido. Ibrahim Handal se ha erigido como una de las voces emergentes del joven cine palestino. Su obra se centra en la cotidianidad, la identidad y la resistencia con un trabajo que, aun partiendo de lo real, juega entre el documental de creación y la ficción. Por su parte, Firas Khoury es un reconocido director palestino que ha contribuido a expresar cómo sería la vida normalizada de la niñez en Palestina, al mostrar la realidad de cualquier infancia. Ambos cineastas consiguen quitar el velo del prejuicio al igualar la vida de un menor palestino a la de cualquier otro en un país en paz.
La presentación del ciclo cuenta con la presencia de Rami Abbas, cineasta de origen palestino con formación en Siria y actualmente residente en Madrid. Su trabajo es un ejemplo más de la diáspora, pero de igual forma, de la memoria y la resistencia. Hide & Seek (2024) refleja esa dimensión del éxodo y, sobre dicha experiencia, la protección a los seres más vulnerables.
A su vez, Nisreen Yaseen transmite una visión del tránsito de la infancia a la adolescencia en la que se diluye el ruido de la guerra, mientras que el galardonado corto animado Zoo (2022), de Tariq Rimawi, es una obra estética de enorme calado simbólico que expone la oposición entre la opresión y la libertad.
Por último, Haneen Koraz ha llevado a cabo todo su trabajo desde los campos de refugiados en la franja de Gaza. Esta realizadora ha dado voz, a través de talleres de cine de animación, a menores, madres y familias. A day in the Tent [Un día en la tienda de campaña, 2024] es una muestra cinematográfica de resiliencia y verdad que permite al pueblo gazatí transmitir al mundo lo que supone vivir bajo las bombas. Y es solo a través de la mirada de la infancia, de sus dibujos, como se muestra esta realidad sin prejuicios.
Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Miércoles 15 de abril, 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I. Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.