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Jueves, 12 de abril / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Un teatro del presente
Sesión 1
Presentación - 16:30 h
Participantes: Ruth Estévez, Ana Longoni, Isabel de Naverán y José A. Sánchez con la intervención de Javier del Olmo (Fundación León Ferrari)Palabras ajenas: relato de una investigación - 16:45 h
Conferencia de Ruth Estévez
En 2013, Ruth Estévez comenzó una investigación, que duraría cuatro años, dedicada a los collages literarios de León Ferrari, centrándose en la obra Palabras ajenas, y su relevancia como fuentes de recursos para el resto de su obra visual. Estos collages denunciaban la hipocresía de la retórica política y ponían sobre la mesa la complicidad existente entre los diferentes órganos de poder militares, políticos y religiosos. En su intervención, Estévez presenta un recorrido por este trabajocon el fin de entender las claves del pensamiento político y la mirada crítica de Ferrari.Arte/política en León Ferrari y la vanguardia argentina de los sesenta – 17:30 h
Conferencia de Ana Longoni
La práctica artística de León Ferrari se transforma de manera definitiva a partir del profundo impacto que producen en él —y en muchos otros— sucesos como la Guerra de Vietnam y la invasión norteamericana de Santo Domingo. Desde 1965 y hasta el final de su vida, uno de los ejes que atravesó su trabajo fue el señalamiento de la complicidad entre la iglesia católica y el imperialismo. Cuando algunas voces críticas defenestraron “la civilización occidental y cristiana” como panfletaria, Ferrari respondió: “Es lo que tengo que decir y lo digo con las herramientas que tengo a mi alcance”. El arte experimental concebido como toma de posición política puede resultar una clave de lectura para abordar experimentos como Palabras ajenas y entender el curso colectivo de radicalización tanto artística como política que emprende la vanguardia argentina entonces.Puesta en común – 18:15 h
Participantes: Ruth Estévez y Ana Longoni
Con la moderación de: Isabel de NaveránTorre de Babel – 19:30 h
Conferencia performativa de José A. Sánchez con artistas e investigadores vinculados a ARTEA
Participantes: Ignacio de Antonio Antón, Amaia Bono Jiménez, Janaína Carrer, Cristina Cejas, Gisela Cortés, Andrea Dunia, Juan Pablo Fuentes Villarroel, Ksenia Guinea, David Hernández Vargas, Jessica Huerta, Katty López Soto, Ana Luiza Fortes , Fernando Mena, Eliana Murgia, Noemí Oncala, Laila Tafur Santamaría.En 2017, tras poner en escena en el REDCAT de Los Ángeles Palabras ajenas el mismo equipo curatorial recurrió a la apropiación del método Ferrari para hablar de lo que hoy nos afecta. Ahí apareció el “babelismo”. Torre de Babel (1963) es una escultura de alambre realizada por Ferrari dos años antes de Palabras ajenas que hacía referencia a la idea de: “hacer una cosa sin unidad, con diferentes sensibilidades […] o hacerla entre varios”. Este premisa les llevó a pensar que el autor compuso Palabras ajenas en solitario porque lo movilizaba la urgencia de la guerra, la violencia y las torturas, y no podía esperar a convertirse en productor. Con un poco más de tiempo, habría optado, como de hecho hizo, por el babelismo. Y si comenzara hoy a idear esa “Torre de Babel”, ¿cuáles serían las guerras del presente?
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Viernes, 13 de abril / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Un teatro del presente
Sesión 2
Politicidad de los afectos – 16:30 h
Conferencia de Ileana Diéguez
¿Cómo pensar o hablar de lo que nos duele? ¿Qué puede hacer el arte para sostener un corpus herido? ¿Dónde suceden las acciones, si ya no hay multitudes? Cuando el ejercicio de cierta política cercena los afectos, las experiencias artísticas intentan propiciar formas de politicidad en las que sobrevivan esas afectividades perdidas. En tales circunstancias el arte político necesita producir algo más que subversión. No es solo lo que nos puede levantar, es quizás una contribución menos épica: sostenerse para continuar.Teatro y política - 17:15 h
Conferencia de Akira Takayama
En 2011, el mayor terremoto de la historia de Japón asoló la región de Tohoku. La fuerza de su magnitud causó un tsunami con olas de hasta 41 metros de altura, provocando la destrucción de muchos pueblos y ciudades, así como un fallo en los sistemas de refrigeración de la central nuclear de Fukushima. Decretado el estado de emergencia, una detonación en la central generó una ola expansiva de radiación de 20 kilómetros a la redonda. Ante estos acontecimientos, el director de teatro Akira Takayama creó una serie de obras e iniciativas, tales como Referendum Project, Kein Licht II o Tokyo Heterotopia con las que abordaba el tratamiento de los traumas sociales, la acción política y los afectos de una comunidad marcada por la supervivencia en su cotidianidad. Esta conferencia es un recorrido por estos proyectos.Puesta en común – 18:00 h
Participantes: Rolf Abderhalden, Ileana Diéguez y Akira Takayama
Con la moderación de: José A. SánchezLa retórica de los medios. Posverdad, fakenews, populismo, neocensura y redes sociales – 19:30 h
Mesa redonda
Participantes: Germán Cano, Lucía Méndez y Marta Peirano
Con la moderación de: Miguel Álvarez Peralta
En Palabras Ajenas León Ferrari reflexiona sobre las lógicas político-mediáticas y la relación de la retórica periodística con la verdad y el enmascaramiento, como factores determinantes en los conflictos políticos del momento. Recientemente, el término posverdad ha sido oficializado por la RAE y declarado palabra del año por el Oxford English Dictionary (OED). Ello evidencia la vigencia, cuarenta años después, de las preocupaciones de Ferrari en torno a la retórica informativa, la política y los derechos humanos. Esta mesa redonda se ocupa del papel de los medios de comunicación en la esfera pública contemporánea, hoy ya digitalizada y globalizada, recorriendo algunos de los focos de interés que motivaron a Ferrari y que hoy reconocemos en polémicas como la de las fakenews, que introducen nuevos condicionantes en las relaciones políticas y de poder de las sociedades actuales.
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Sábado, 14 de abril / Edificio Nouvel, Auditorio 400
Palabras ajenas
Un collage literario de León Ferrari
El Museo Reina Sofía presenta Palabras ajenas de León Ferrari, por primera vez de manera íntegra en español —con una duración de siete horas—. La pieza condensa la historia de la violencia ejercida por y en Occidente fruto de la complicidad entre el poder político y el religioso; tema sobre el que Ferrari trabajó a lo largo de toda su trayectoria. La obra visualiza, a través de palabras, escenarios tan diversos como los castigos y redenciones de la doctrina judeocristiana y los horrores de la Segunda Guerra Mundial —la Alemania nazi, los campos de exterminio y los juicios de Núremberg— hasta contextos más cercanos y coetáneos del artista, como la Guerra de Vietnam y la expansión imperialista estadounidense durante la Guerra Fría. El artista elabora un extenso diálogo entre diversos personajes como Adolf Hitler, el papa Paulo VI, Dios y el presidente norteamericano Lyndon B. Johnson, que actúan como protagonistas estelares acompañados por las voces de corresponsales de guerra, periodistas locales e internacionales, militares, profetas y asesores políticos. Todos ellos son puestos a conversar a partir de citas entresacadas de libros de historia y de literatura, la Biblia y, fundamentalmente, la prensa escrita, revistas y periódicos nacionales, así como cables de agencias extranjeras.
Con esta presentación se pretende dar a conocer una pieza esencial dentro del cuerpo artístico de León Ferrari, así como rendir un homenaje a su figura. Asimismo, se plantea como un gesto en defensa de la cultura, la democracia y los derechos humanos, cuestiones e imperativos clave para este autor.

Celebrada el 12, 13, 14 abr 2018
León Ferrari (Buenos Aires, 1920 - 2013) realizó el collage literario Palabras ajenas entre 1965 y 1967, urgido por la violencia y la inhumanidad extremas que en ese momento transmitían las noticias llegadas de la Guerra de Vietnam. Con ellas se anunciaba un modo de ejercer el poder que en breve se impondría en gran parte de América Latina. Esta violencia del poder contrastaba, sin embargo, con la retórica de las buenas intenciones y la frivolidad de los “espectáculos” protagonizados por los líderes políticos, quienes justificaban con cinismo la violación de los derechos fundamentales. El método del collage literario le permitió poner en escena también la falsa neutralidad de los medios de comunicación, desenmascarar la fabricación de relatos y evidenciar la continuidad entre la propaganda del pasado (la Biblia, el fascismo) y la actual.
Palabras ajenas sigue siendo un teatro del presente en tanto que los argumentos y los modos denunciados se repiten, de igual manera que se repite la deriva autoritaria y la desigualdad y la segregación como formas de dominación. No es gratuito que el artista, hasta entonces centrado en la cerámica, la escultura y el dibujo, acabara produciendo un collage teatral para intervenir su presente: la confrontación en vivo con el público resultaba la forma más eficaz para una práctica que asumía la necesidad de implicarse en lo político. Sin importar que pudiera ser calificada como no teatral o no artística, la propuesta de Ferrari mostró cómo el arte y el teatro podían ejercer una acción de compromiso y denuncia en una sociedad en que la guerra, la economía y la política eran ya espectáculo.
La primera jornada de este seminario examina la singularidad de Palabras ajenas y su importancia en la evolución del pensamiento y la práctica de su autor. Asimismo, se propone también inscribir esta obra y otras de Ferrari en el contexto histórico y político de los años sesenta, con especial atención al ámbito latinoamericano y en particular al argentino. La segunda jornada se ocupa de las resonancias de la pieza en el presente. Con este propósito, se revisan las prácticas de distintos artistas actuales que se sitúan en ese arriesgado cruce con la acción política, reeditando modos de compromiso similares a los que Ferrari mantuvo a lo largo de su vida. Por otra parte y acompañando estas reflexiones, se analiza la retórica de los medios de comunicación hoy: la función de la “posverdad” y las posibles alternativas críticas.
El seminario concluye con la presentación de Palabras ajenas, en su versión completa, con una duración de siete horas.
Agradecimientos
Palabras ajenas fue producido originalmente por el REDCAT/CalArts con el apoyo de la Getty Foundation. El performance formó parte del Pacific Standard Time: LA/LA de Los Angeles. Un agradecimiento especial a la Fundación Augusto y León Ferrari. Arte y Acervo (FALFAA)
En el marco del proyecto de investigación
Teatralidades Expandidas (MINECO. HAR2015-63984-P), del grupo de investigación ARTEA
Actividad dentro del programa
Organiza
Museo Reina Sofía y ARTEA
Participantes
Miguel Álvarez Peralta. Profesor de Comunicación Política y Sistema Global de Medios en la Universidad de Castilla la Mancha (UCLM) y doctor cum laude en Comunicación de Masas por la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Anteriormente ha trabajado como coordinador de la Unidad de Cultura Científica en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) y como investigador visitante en las universidades de Harvard (EE. UU.) y Bolonia (Italia). En la actualidad investiga la emergencia de nuevas narrativas e identidades políticas como miembro de varios proyectos de I+D nacionales, como el del Grupo CAPEP sobre Construcción de Asuntos en la Esfera Pública.
Germán Cano. Profesor titular de Filosofía en la Universidad de Alcalá de Henares, traductor y analista interesado en los movimientos sociales. Es autor, entre otros libros, de Como un ángel frío (2000), Nietzsche y la crítica de la modernidad (2001); Hacer morir, dejar vivir. Biopolítica y capitalismo (2010) y Adoquines bajo la playa. Escenografías biopolíticas del 68 (2011). Actualmente también colabora con la “Cuarta Página” del diario El País.
Ileana Diéguez. Profesora investigadora en el Departamento de Humanidades de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM)-Cuajimalpa de Ciudad de México y coordinadora del programa Cartografías Críticas. Su trabajo se centra en las reflexiones en torno a los desmontajes de procesos artísticos, duelo y memoria, y necroteatro. Entre sus últimas publicaciones destacan: Cuerpos sin duelo. Iconografías y teatralidades del dolor (2013) y Escenarios liminales. Teatralidades, performatividades, políticas (2014), entre otros.
Ruth Estévez. Comisaria, escritora y escenógrafa, licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU) y Máster en Historia del Arte por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM ). Desde 2012, es directora y curadora jefe del RedCat/California Institute of the Arts (CalArts), centro multidisciplinar enfocado a las artes visuales y escénicas ubicado en el centro de Los Ángeles (EE. UU.). Como comisaria independiente ha desarrollado proyectos en la Graham Foundation for Advanced Studies in Art and Architecture, en Chicago; la Bienal de arte público de Los Ángeles; Solo Projects en ARCO, Madrid, o el Palaix des Beaux Arts de Bruselas.
Ana Longoni. Investigadora, miembro de la Red de Conceptualismos del Sur y actual directora de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía. Doctora en Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA), es especialista en los cruces entre arte y política en Argentina y América Latina desde mediados del siglo XX hasta la actualidad. Entre sus publicaciones destacan: Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe (2011), Leandro Katz (2013) y Vanguardia y revolución (2014). Entre sus últimos comisariados, sobresalen las exposiciones: Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe (Museo Reina Sofía, 2011) y Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina (Museo Reina Sofía, 2012/ Museo de Arte de Lima (MALI), 2013 / Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF), 2014).
Lucía Méndez. Licenciada en Ciencias de la Información por la UCM. Redactora jefe y columnista de El Mundo, periódico en el que trabaja desde su fundación. Previamente ha estado vinculada a El Norte de Castilla, la cadena SER y Diario 16. Colaboradora y analista de Hoy por Hoy de la cadena SER, Los desayunos de TVE de Televisión Española y de varios programas informativos de La Sexta. Es autora de Duelo de titanes (2008) y Morder la bala. Relato íntimo del gobierno del PP (2012), y editora del libro de Cristina Alberdi El poder es cosa de hombres (2001).
Isabel de Naverán. Investigadora en artes escénicas. Doctora en Bellas Artes por la UPV/EHU. Es integrante de la oficina de arte y conocimiento Bulegoa z/b (Bilbao). Forma parte de ARTEA y es profesora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM y Museo Reina Sofía), y del Máster Investigación y Creación en Arte (UPV/EHU). Ha editado los libros Hacer historia. Reflexiones desde la práctica de la danza (2010) y Lecturas sobre danza y coreografía (2013), entre otros. Desde 2016 coordina el ciclo de danza Elipsiak en AZ (Bilbao) y es asesora de danza para el Museo Reina Sofía de Madrid.
Marta Peirano. Adjunta al director de Eldiario.es. Fundadora de CryptoParty Berlin y Elástico, colectivos multidisciplinares con los que co-dirigió el proyecto COPYFIGHt sobre cultura libre. Las temáticas de sus publicaciones se centran en el arte digital, la vigilancia, los autómatas y el futurismo tecnológico. Su última publicación, El Pequeño libro rojo del activista en red (2015), prologada por Edward Snowden, es una introducción a la criptografía para periodistas, fuentes y medios de comunicación.
José A. Sánchez. Investigador, docente y autor de libros y textos relacionados con la práctica artística contemporánea en el ámbito escénico, cinematográfico y literario. Profesor en la Facultad de Bellas Artes de la UCLM, editor del Archivo Virtual de las Artes Escénicas y director del grupo de investigación ARTEA. Ha editado y participado, entre otros, en los libros: Isadora Duncan. El arte de la danza y otros escritos (2003), Cuerpos sobre blanco (2003), Situaciones: un proyecto multidisciplinar en Cuenca (2003), Práctica artística y políticas culturales. Algunas propuestas desde la Universidad (2003), Artes de la escena y de la acción en España: 1978-2002 (2006), No hay más poesía que la acción. Teatralidades expandidas y repertorios disidentes (2015).
Akira Takayama. Director de teatro y fundador en 2002 del proyecto Unit Port B, espacio para la creación de las llamadas site-specific performances. Su trabajo está marcado por este género, un híbrido entre el teatro y la perfomance en el que la interacción con el público constituye parte de la puesta en escena. De sus obras más recientes destacan: The complete manual of evacuation (2010), Referendum project (2011), Kein Licth II (2012) o Tokyo Heterotopia (2013).
Más actividades

RECREO #4. Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo
Miércoles 20 de mayo, 2026 - 17:30 h
La cuarta sesión del programa RECREO se centra en Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede, el Itinerario III de la nueva presentación de las Colecciones del Museo, recientemente inaugurada, Colección. Arte Contemporáneo: 1975-Presente. De las múltiples derivas que el itinerario propone, el curso se centra en el cuerpo como herramienta de acción y expresión, para poner de relieve su potencial como recurso educativo en el aula. A través de obras vinculadas a la performance, el vídeo o la documentación de acciones sobre las propias obras artísticas, se analiza cómo el cuerpo se convierte en un espacio de experimentación, resistencia y comunicación.
Las obras presentes en este itinerario muestran cómo, desde finales del siglo XX hasta hoy, un gran número de artistas ha utilizado la acción para cuestionar normas sociales, explorar los límites del cuerpo o activar la implicación del público. Desde este prisma, RECREO #4 Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo propone pensar el arte como experiencia viva y ofrece claves para incorporar en el aula dinámicas basadas en el movimiento, la acción y la interacción.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.

Gerardo Mosquera: pensador insular, curador global
19 MAY 2026
Este encuentro rinde homenaje a Gerardo Mosquera (La Habana, 1945), curador de referencia, ensayista que ha participado en debates cruciales sobre la descolonización o las derivas de la globalización, comunicador y, principalmente, un crítico de arte que ha sido capaz de situar radicalmente los discursos y las prácticas, sin dejar de asumirriesgos y manteniendo siempre posiciones éticas comprometidas.
Mosquera es uno de los curadores más reconocidos internacionalmente. Implicado en la Bienal de la Habana desde su fundación en 1984 hasta 1989, ha realizado exposicionesfundamentales en museos y centros de arte de distintas partes del mundo. Entre los proyectos que ha liderado, pueden destacarse su actividad como curador adjunto del New Museum (Nueva York, 1995-2009), la Bienal de Liverpool (2006) o la exposición No es solo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo (Museo Reina Sofía, 2000).
La mesa redonda, que cuenta con la participación del propio Gerardo Mosquera y de un conjunto de críticos de arte, pensadores y artistas como Fernando Castro Flórez, Diana Cuéllar, Lillebit Fadraga y René Francisco Rodríguez, plantea una aproximación a la actividad poliédrica y extraordinariamente fecunda de Mosquera como un maestro curatorial consagrado.

Conversación entre Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía
18 MAY 2026
Los directores del Museo del Prado y del Museo Reina Sofía, Miguel Falomir y Manuel Segade, conversan el lunes 18 de mayo en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía con motivo de la celebración del Día Internacional de los Museos, que este año se celebra bajo el lema «Museos uniendo un mundo dividido». En la charla, moderada por el periodista y poeta Antonio Lucas, los máximos responsables de estas dos grandes instituciones culturales comparten sus reflexiones sobre el papel que desempeñan en la sociedad actual.
Además de abordar la gestión artística, la conversación pretende profundizar en el potencial de los museos como puntos de encuentro ante las tensiones sociales actuales, cumpliendo así con el mandato internacional de la efeméride de este año.
La actividad puede seguirse en directo a través de este enlace.

Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.

Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?


