-
Jueves, 12 de abril / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Un teatro del presente
Sesión 1
Presentación - 16:30 h
Participantes: Ruth Estévez, Ana Longoni, Isabel de Naverán y José A. Sánchez con la intervención de Javier del Olmo (Fundación León Ferrari)Palabras ajenas: relato de una investigación - 16:45 h
Conferencia de Ruth Estévez
En 2013, Ruth Estévez comenzó una investigación, que duraría cuatro años, dedicada a los collages literarios de León Ferrari, centrándose en la obra Palabras ajenas, y su relevancia como fuentes de recursos para el resto de su obra visual. Estos collages denunciaban la hipocresía de la retórica política y ponían sobre la mesa la complicidad existente entre los diferentes órganos de poder militares, políticos y religiosos. En su intervención, Estévez presenta un recorrido por este trabajocon el fin de entender las claves del pensamiento político y la mirada crítica de Ferrari.Arte/política en León Ferrari y la vanguardia argentina de los sesenta – 17:30 h
Conferencia de Ana Longoni
La práctica artística de León Ferrari se transforma de manera definitiva a partir del profundo impacto que producen en él —y en muchos otros— sucesos como la Guerra de Vietnam y la invasión norteamericana de Santo Domingo. Desde 1965 y hasta el final de su vida, uno de los ejes que atravesó su trabajo fue el señalamiento de la complicidad entre la iglesia católica y el imperialismo. Cuando algunas voces críticas defenestraron “la civilización occidental y cristiana” como panfletaria, Ferrari respondió: “Es lo que tengo que decir y lo digo con las herramientas que tengo a mi alcance”. El arte experimental concebido como toma de posición política puede resultar una clave de lectura para abordar experimentos como Palabras ajenas y entender el curso colectivo de radicalización tanto artística como política que emprende la vanguardia argentina entonces.Puesta en común – 18:15 h
Participantes: Ruth Estévez y Ana Longoni
Con la moderación de: Isabel de NaveránTorre de Babel – 19:30 h
Conferencia performativa de José A. Sánchez con artistas e investigadores vinculados a ARTEA
Participantes: Ignacio de Antonio Antón, Amaia Bono Jiménez, Janaína Carrer, Cristina Cejas, Gisela Cortés, Andrea Dunia, Juan Pablo Fuentes Villarroel, Ksenia Guinea, David Hernández Vargas, Jessica Huerta, Katty López Soto, Ana Luiza Fortes , Fernando Mena, Eliana Murgia, Noemí Oncala, Laila Tafur Santamaría.En 2017, tras poner en escena en el REDCAT de Los Ángeles Palabras ajenas el mismo equipo curatorial recurrió a la apropiación del método Ferrari para hablar de lo que hoy nos afecta. Ahí apareció el “babelismo”. Torre de Babel (1963) es una escultura de alambre realizada por Ferrari dos años antes de Palabras ajenas que hacía referencia a la idea de: “hacer una cosa sin unidad, con diferentes sensibilidades […] o hacerla entre varios”. Este premisa les llevó a pensar que el autor compuso Palabras ajenas en solitario porque lo movilizaba la urgencia de la guerra, la violencia y las torturas, y no podía esperar a convertirse en productor. Con un poco más de tiempo, habría optado, como de hecho hizo, por el babelismo. Y si comenzara hoy a idear esa “Torre de Babel”, ¿cuáles serían las guerras del presente?
-
Viernes, 13 de abril / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Un teatro del presente
Sesión 2
Politicidad de los afectos – 16:30 h
Conferencia de Ileana Diéguez
¿Cómo pensar o hablar de lo que nos duele? ¿Qué puede hacer el arte para sostener un corpus herido? ¿Dónde suceden las acciones, si ya no hay multitudes? Cuando el ejercicio de cierta política cercena los afectos, las experiencias artísticas intentan propiciar formas de politicidad en las que sobrevivan esas afectividades perdidas. En tales circunstancias el arte político necesita producir algo más que subversión. No es solo lo que nos puede levantar, es quizás una contribución menos épica: sostenerse para continuar.Teatro y política - 17:15 h
Conferencia de Akira Takayama
En 2011, el mayor terremoto de la historia de Japón asoló la región de Tohoku. La fuerza de su magnitud causó un tsunami con olas de hasta 41 metros de altura, provocando la destrucción de muchos pueblos y ciudades, así como un fallo en los sistemas de refrigeración de la central nuclear de Fukushima. Decretado el estado de emergencia, una detonación en la central generó una ola expansiva de radiación de 20 kilómetros a la redonda. Ante estos acontecimientos, el director de teatro Akira Takayama creó una serie de obras e iniciativas, tales como Referendum Project, Kein Licht II o Tokyo Heterotopia con las que abordaba el tratamiento de los traumas sociales, la acción política y los afectos de una comunidad marcada por la supervivencia en su cotidianidad. Esta conferencia es un recorrido por estos proyectos.Puesta en común – 18:00 h
Participantes: Rolf Abderhalden, Ileana Diéguez y Akira Takayama
Con la moderación de: José A. SánchezLa retórica de los medios. Posverdad, fakenews, populismo, neocensura y redes sociales – 19:30 h
Mesa redonda
Participantes: Germán Cano, Lucía Méndez y Marta Peirano
Con la moderación de: Miguel Álvarez Peralta
En Palabras Ajenas León Ferrari reflexiona sobre las lógicas político-mediáticas y la relación de la retórica periodística con la verdad y el enmascaramiento, como factores determinantes en los conflictos políticos del momento. Recientemente, el término posverdad ha sido oficializado por la RAE y declarado palabra del año por el Oxford English Dictionary (OED). Ello evidencia la vigencia, cuarenta años después, de las preocupaciones de Ferrari en torno a la retórica informativa, la política y los derechos humanos. Esta mesa redonda se ocupa del papel de los medios de comunicación en la esfera pública contemporánea, hoy ya digitalizada y globalizada, recorriendo algunos de los focos de interés que motivaron a Ferrari y que hoy reconocemos en polémicas como la de las fakenews, que introducen nuevos condicionantes en las relaciones políticas y de poder de las sociedades actuales.
-
Sábado, 14 de abril / Edificio Nouvel, Auditorio 400
Palabras ajenas
Un collage literario de León Ferrari
El Museo Reina Sofía presenta Palabras ajenas de León Ferrari, por primera vez de manera íntegra en español —con una duración de siete horas—. La pieza condensa la historia de la violencia ejercida por y en Occidente fruto de la complicidad entre el poder político y el religioso; tema sobre el que Ferrari trabajó a lo largo de toda su trayectoria. La obra visualiza, a través de palabras, escenarios tan diversos como los castigos y redenciones de la doctrina judeocristiana y los horrores de la Segunda Guerra Mundial —la Alemania nazi, los campos de exterminio y los juicios de Núremberg— hasta contextos más cercanos y coetáneos del artista, como la Guerra de Vietnam y la expansión imperialista estadounidense durante la Guerra Fría. El artista elabora un extenso diálogo entre diversos personajes como Adolf Hitler, el papa Paulo VI, Dios y el presidente norteamericano Lyndon B. Johnson, que actúan como protagonistas estelares acompañados por las voces de corresponsales de guerra, periodistas locales e internacionales, militares, profetas y asesores políticos. Todos ellos son puestos a conversar a partir de citas entresacadas de libros de historia y de literatura, la Biblia y, fundamentalmente, la prensa escrita, revistas y periódicos nacionales, así como cables de agencias extranjeras.
Con esta presentación se pretende dar a conocer una pieza esencial dentro del cuerpo artístico de León Ferrari, así como rendir un homenaje a su figura. Asimismo, se plantea como un gesto en defensa de la cultura, la democracia y los derechos humanos, cuestiones e imperativos clave para este autor.

Celebrada el 12, 13, 14 abr 2018
León Ferrari (Buenos Aires, 1920 - 2013) realizó el collage literario Palabras ajenas entre 1965 y 1967, urgido por la violencia y la inhumanidad extremas que en ese momento transmitían las noticias llegadas de la Guerra de Vietnam. Con ellas se anunciaba un modo de ejercer el poder que en breve se impondría en gran parte de América Latina. Esta violencia del poder contrastaba, sin embargo, con la retórica de las buenas intenciones y la frivolidad de los “espectáculos” protagonizados por los líderes políticos, quienes justificaban con cinismo la violación de los derechos fundamentales. El método del collage literario le permitió poner en escena también la falsa neutralidad de los medios de comunicación, desenmascarar la fabricación de relatos y evidenciar la continuidad entre la propaganda del pasado (la Biblia, el fascismo) y la actual.
Palabras ajenas sigue siendo un teatro del presente en tanto que los argumentos y los modos denunciados se repiten, de igual manera que se repite la deriva autoritaria y la desigualdad y la segregación como formas de dominación. No es gratuito que el artista, hasta entonces centrado en la cerámica, la escultura y el dibujo, acabara produciendo un collage teatral para intervenir su presente: la confrontación en vivo con el público resultaba la forma más eficaz para una práctica que asumía la necesidad de implicarse en lo político. Sin importar que pudiera ser calificada como no teatral o no artística, la propuesta de Ferrari mostró cómo el arte y el teatro podían ejercer una acción de compromiso y denuncia en una sociedad en que la guerra, la economía y la política eran ya espectáculo.
La primera jornada de este seminario examina la singularidad de Palabras ajenas y su importancia en la evolución del pensamiento y la práctica de su autor. Asimismo, se propone también inscribir esta obra y otras de Ferrari en el contexto histórico y político de los años sesenta, con especial atención al ámbito latinoamericano y en particular al argentino. La segunda jornada se ocupa de las resonancias de la pieza en el presente. Con este propósito, se revisan las prácticas de distintos artistas actuales que se sitúan en ese arriesgado cruce con la acción política, reeditando modos de compromiso similares a los que Ferrari mantuvo a lo largo de su vida. Por otra parte y acompañando estas reflexiones, se analiza la retórica de los medios de comunicación hoy: la función de la “posverdad” y las posibles alternativas críticas.
El seminario concluye con la presentación de Palabras ajenas, en su versión completa, con una duración de siete horas.
Agradecimientos
Palabras ajenas fue producido originalmente por el REDCAT/CalArts con el apoyo de la Getty Foundation. El performance formó parte del Pacific Standard Time: LA/LA de Los Angeles. Un agradecimiento especial a la Fundación Augusto y León Ferrari. Arte y Acervo (FALFAA)
En el marco del proyecto de investigación
Teatralidades Expandidas (MINECO. HAR2015-63984-P), del grupo de investigación ARTEA
Actividad dentro del programa
Organiza
Museo Reina Sofía y ARTEA
Participantes
Miguel Álvarez Peralta. Profesor de Comunicación Política y Sistema Global de Medios en la Universidad de Castilla la Mancha (UCLM) y doctor cum laude en Comunicación de Masas por la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Anteriormente ha trabajado como coordinador de la Unidad de Cultura Científica en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) y como investigador visitante en las universidades de Harvard (EE. UU.) y Bolonia (Italia). En la actualidad investiga la emergencia de nuevas narrativas e identidades políticas como miembro de varios proyectos de I+D nacionales, como el del Grupo CAPEP sobre Construcción de Asuntos en la Esfera Pública.
Germán Cano. Profesor titular de Filosofía en la Universidad de Alcalá de Henares, traductor y analista interesado en los movimientos sociales. Es autor, entre otros libros, de Como un ángel frío (2000), Nietzsche y la crítica de la modernidad (2001); Hacer morir, dejar vivir. Biopolítica y capitalismo (2010) y Adoquines bajo la playa. Escenografías biopolíticas del 68 (2011). Actualmente también colabora con la “Cuarta Página” del diario El País.
Ileana Diéguez. Profesora investigadora en el Departamento de Humanidades de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM)-Cuajimalpa de Ciudad de México y coordinadora del programa Cartografías Críticas. Su trabajo se centra en las reflexiones en torno a los desmontajes de procesos artísticos, duelo y memoria, y necroteatro. Entre sus últimas publicaciones destacan: Cuerpos sin duelo. Iconografías y teatralidades del dolor (2013) y Escenarios liminales. Teatralidades, performatividades, políticas (2014), entre otros.
Ruth Estévez. Comisaria, escritora y escenógrafa, licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU) y Máster en Historia del Arte por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM ). Desde 2012, es directora y curadora jefe del RedCat/California Institute of the Arts (CalArts), centro multidisciplinar enfocado a las artes visuales y escénicas ubicado en el centro de Los Ángeles (EE. UU.). Como comisaria independiente ha desarrollado proyectos en la Graham Foundation for Advanced Studies in Art and Architecture, en Chicago; la Bienal de arte público de Los Ángeles; Solo Projects en ARCO, Madrid, o el Palaix des Beaux Arts de Bruselas.
Ana Longoni. Investigadora, miembro de la Red de Conceptualismos del Sur y actual directora de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía. Doctora en Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA), es especialista en los cruces entre arte y política en Argentina y América Latina desde mediados del siglo XX hasta la actualidad. Entre sus publicaciones destacan: Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe (2011), Leandro Katz (2013) y Vanguardia y revolución (2014). Entre sus últimos comisariados, sobresalen las exposiciones: Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe (Museo Reina Sofía, 2011) y Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina (Museo Reina Sofía, 2012/ Museo de Arte de Lima (MALI), 2013 / Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF), 2014).
Lucía Méndez. Licenciada en Ciencias de la Información por la UCM. Redactora jefe y columnista de El Mundo, periódico en el que trabaja desde su fundación. Previamente ha estado vinculada a El Norte de Castilla, la cadena SER y Diario 16. Colaboradora y analista de Hoy por Hoy de la cadena SER, Los desayunos de TVE de Televisión Española y de varios programas informativos de La Sexta. Es autora de Duelo de titanes (2008) y Morder la bala. Relato íntimo del gobierno del PP (2012), y editora del libro de Cristina Alberdi El poder es cosa de hombres (2001).
Isabel de Naverán. Investigadora en artes escénicas. Doctora en Bellas Artes por la UPV/EHU. Es integrante de la oficina de arte y conocimiento Bulegoa z/b (Bilbao). Forma parte de ARTEA y es profesora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM y Museo Reina Sofía), y del Máster Investigación y Creación en Arte (UPV/EHU). Ha editado los libros Hacer historia. Reflexiones desde la práctica de la danza (2010) y Lecturas sobre danza y coreografía (2013), entre otros. Desde 2016 coordina el ciclo de danza Elipsiak en AZ (Bilbao) y es asesora de danza para el Museo Reina Sofía de Madrid.
Marta Peirano. Adjunta al director de Eldiario.es. Fundadora de CryptoParty Berlin y Elástico, colectivos multidisciplinares con los que co-dirigió el proyecto COPYFIGHt sobre cultura libre. Las temáticas de sus publicaciones se centran en el arte digital, la vigilancia, los autómatas y el futurismo tecnológico. Su última publicación, El Pequeño libro rojo del activista en red (2015), prologada por Edward Snowden, es una introducción a la criptografía para periodistas, fuentes y medios de comunicación.
José A. Sánchez. Investigador, docente y autor de libros y textos relacionados con la práctica artística contemporánea en el ámbito escénico, cinematográfico y literario. Profesor en la Facultad de Bellas Artes de la UCLM, editor del Archivo Virtual de las Artes Escénicas y director del grupo de investigación ARTEA. Ha editado y participado, entre otros, en los libros: Isadora Duncan. El arte de la danza y otros escritos (2003), Cuerpos sobre blanco (2003), Situaciones: un proyecto multidisciplinar en Cuenca (2003), Práctica artística y políticas culturales. Algunas propuestas desde la Universidad (2003), Artes de la escena y de la acción en España: 1978-2002 (2006), No hay más poesía que la acción. Teatralidades expandidas y repertorios disidentes (2015).
Akira Takayama. Director de teatro y fundador en 2002 del proyecto Unit Port B, espacio para la creación de las llamadas site-specific performances. Su trabajo está marcado por este género, un híbrido entre el teatro y la perfomance en el que la interacción con el público constituye parte de la puesta en escena. De sus obras más recientes destacan: The complete manual of evacuation (2010), Referendum project (2011), Kein Licth II (2012) o Tokyo Heterotopia (2013).
Más actividades
![Binka Zhelyazkova, Baseynat [La piscina], 1977, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-17_00.png.webp)
Binka Zheliazkova. La piscina
Viernes 28 de agosto, 2026
La joven e inteligente Bella (Yanina Kasheva), tras un inesperado desengaño amoroso en su fiesta de graduación, conoce a Apostol (Kosta Tsonev), un arquitecto reservado, y a Boyan (Kliment Denchev), un actor cómico descreído con el país. Los tres personajes se encaraman en lo alto del trampolín de una piscina pública y entablan una extraña relación de amistad, amor y desesperanza que refleja el choque entre generaciones.
Binka Zheliazkova, la gran enfant terrible del cine de Europa del Este, crítica con el sistema comunista y cineasta enormemente reconocida fuera de sus fronteras, llevó a cabo en La piscina una magistral metáfora de un país en decadencia. La piscina pública simboliza un coto cerrado e inmóvil donde la sociedad está estancada. Desde la altura de un trampolín visualiza, a modo de panóptico, a las distintas generaciones que viven bajo un espacio limitado. Por un lado, las personas mayores intentan conservar el antiguo espíritu revolucionario con constantes ejercicios natatorios colectivos, mientras que, por otro, las jóvenes no ocultan un deseo de libertad que no es satisfecho. Existe un choque ideológico en cómo actúan y se mueven en el recinto, dejando ver la enorme hipocresía de los ideales perdidos del socialismo, que se refleja en la apatía total de la juventud. Así, La piscina es para Zheliazkova un reflejo del desencanto y del vacío existencial de todo un país y de un sistema.
![Jacques Deray, La piscine [La piscina], 1969, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-18.jpg.webp)
Jacques Deray. La piscina
Sábado 29 de agosto, 2026
Los personajes interpretados por Alain Delon (Jean-Paul) y Romy Schneider (Marianne) viven su amor en un aparente esplendor. Una casa bañada por el sol, una exultante piscina, cuerpos bellos, una sexualidad rebosante. La visita de Harry (Maurice Ronet), músico de éxito, amigo de Jean-Paul y antiguo amante de Marianne, acompañado por su joven y hermosa hija Penélope (Jane Birkin), hace tambalear la relación, sacando a la luz los celos e inseguridades de cada uno en un oscuro juego de posesión y rivalidad masculina.
Si hubiera una definición del luminoso estanque azul de este thriller sexual, ser ía el paraíso de Adán y Eva, representado por los instantes de felicidad de Romy Schneider y Alain Delon en esa piscina de la Costa Azul francesa. La aparición de esas dos hermosas criaturas besándose semidesnudas en el límite del agua es una de las imágenes más plenas del cine. Ese paraíso no podía ser quebrado de ninguna manera, ni siquiera por la muerte. Al igual que en el cruce del Tigris y el Éufrates, donde los dos primeros amantes de la humanidad se bañaban desnudos en el agua, inocentes ante el final que les acontecería, el reflejo de las aguas cristalinas de La piscina muestra ese juego, pero también los profundos traumas que bajo ese manto esconden las relaciones amorosas y los límites que solo el amor es capaz de romper para salvarlo.
En esta sesión se proyectan los dos finales de esta película: la versión original, abierta y simbólica, y la versión española, motivada por la censura del franquismo, con una nueva secuencia para estrenar en España con una visión tópica y reduccionista que reflejaba la condición sociológica del país.

Perspectivas transnacionales sobre Aurèlia Muñoz y el arte de fibra
2 SEP 2026
Con motivo del fin de la exposición Aurèlia Muñoz. Entes, esta jornada de estudio reúne a voces expertas del panorama internacional para explorar las conexiones y afinidades entre los diversos movimientos que renovaron los lenguajes del arte textil contemporáneo a partir de finales de la década de 1960. Movimientos como la nouvelle tapisserie o el emergente Fiber Art o «arte de fibra» encontraron, desde esa década en adelante, epicentros en lugares tan diversos como Lausana, Varsovia, Nueva York, São Paulo o Barcelona. Sus figuras clave, entre las que se encontraba la propia Aurèlia Muñoz, encarnaron una comunidad de artistas en constante diálogo y evolución formal.
De la mano de figuras expertas y el equipo curatorial de la exposición, la jornada de estudio Perspectivas transnacionales sobre Aurèlia Muñoz y el arte de fibra ofrece claves para situar la obra de la artista en un marco atravesado por grandes debates tanto ecopolíticos como estéticos, que encuentran fuertes resonancias con las dinámicas artísticas actuales.

Microcredencial universitaria en Mediación intercultural y plurilingüe en contextos artísticos
Miércoles, del 12 de septiembre al 16 de diciembre, 2026
Las microcredenciales son experiencias de aprendizaje breves (hasta 150 horas/15 ECTS) certificadas a nivel europeo. Están orientadas a la certificación de competencias clave para el aprendizaje a lo largo de la vida mediante propuestas eminentemente prácticas y con un enfoque metodológico activo.
La microcredencial universitaria en Mediación intercultural y plurilingüe en contextos artísticos, organizada por la Universidad Autónoma de Madrid (UAM) en colaboración con el Museo Reina Sofía, tiene como objetivo desarrollar conocimientos en torno a la mediación intercultural para su práctica en contextos museísticos o artísticos, desde una perspectiva que incorpore la diversidad lingüística para contribuir a una experiencia más justa, diversa y plural del arte contemporáneo y la cultura. La microcredencial conduce a la obtención de un título universitario propio expedido por la UAM.
Esta iniciativa es fruto de una trayectoria de investigación compartida en torno a la justicia lingüística entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el Centro de Investigación en Multilingüismo, Discurso y Comunicación (MIRCo) de la Universidad Autónoma de Madrid. Tras más de 20 años de experiencia como grupo de investigación, MIRCo se consolida en 2021como espacio de ciencia abierta y ciudadana que impulsa la investigación sobre prácticas multilingües, habla y hablantes en la diáspora, interrelaciones entre discurso y poder, comunicación intercultural y transformación del espacio a través de prácticas comunicativas y lingüísticas.
Este interés común se materializa a través de ReDes_Ling, un proyecto de investigación y acción interdisciplinar que estudia la lengua como vector de reproducción de la desigualdad social que persigue diseñar acciones que mitiguen sus efectos en la sociedad. La creación de esta microcredencial constituye precisamente una de esas acciones.
El programa se asienta, además, en la experiencia de la Escuela de mediación situada Aissatou Ndiaye, impulsada desde 2022 por Museo Situado en colaboración con los equipos de Museo Tentacular y Educación del Museo Reina Sofía. A partir del contacto con las obras que conserva el Museo y con diversos profesionales de la cultura y activistas sociales, las mediadoras de esta escuela elaboran sus propios recorridos en idiomas como español, wolof, bengalí, dariya, árabe, tagalo y francés, contribuyendo a enriquecer los relatos de las Colecciones del Reina Sofía. La escuela se inserta así en una reflexión y trabajo continuados con la mediación cultural, con el objetivo de diluir las barreras de todo tipo que se interponen entre las prácticas, los discursos y las obras del arte contemporáneo y las personas de cualquier edad y condición.
La convergencia de estas experiencias hace de la microcredencial un espacio de formación que combina la reflexión académica, la práctica profesional y el compromiso con la justicia lingüística y los derechos culturales.
![Skip Norman, On Africa [Sobre África], 1970, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/1_1_0-espectros-tacticos.jpeg.webp)
Fantasmas se ciernen sobre Europa
Jueves 10 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Digitalizado en 2021 por el Arsenal Filminstitut en colaboración con el Harun Farocki Institut tras un largo período de invisibilización, On Africa fue realizada por el cineasta, antropólogo visual y pedagogo estadounidense Skip Norman en 1970, tras su graduación en la Academia Alemana de Cine y Televisión de Berlín, de cuya primera promoción formó parte, junto a figuras como Harun Farocki, Hartmut Bitomsky y Holger Meins.
On Africa es, por diferentes razones, una película de sustitución. Norman pretendía documentar la lucha de liberación contra el colonialismo portugués en Angola. Sin embargo, como las autoridades coloniales le impidieron desembarcar en Luanda —por carecer de permiso de rodaje, como todo parece indicar — el equipo grabó y montó la película en Berlín Occidental. La intrincada historia material del rodaje contribuye de alguna manera a explicar el complejo tejido formal de On Africa y su alto nivel de reflexividad. Dos vectores estructuran dialécticamente la película, en línea y en ruptura respectivamente con el canon del cine anticolonial de aquel período histórico. Un vector didáctico, desarrollado a través del reempleo y montaje de fotografías de archivo coloniales y anticoloniales acompañadas de un coro de voces en off que comienza por dilucidar los engranajes del colonialismo para luego presentar, enumerándolos, los movimientos de liberación anticoloniales africanos. Por otro lado, un vector experimental, desarrollado en dos segmentos narrativos destacados por su elevado grado de experimentación y su dimensión contraetnográfica. Así, los travellings sobre la Kurfürstendamm, una de las principales arterias de la antigua Berlín Occidental —filmados en 16mm y blanco y negro y formalizando un movimiento de rotación de la mirada— son negativizados para hacer visible la dimensión espectral de las infraestructuras de la antigua metrópoli. Por su parte, la secuencia de fotografías de archivo de la Conferencia de Berlín (1884-1885) no solo reconstituye la historia del sistema colonial moderno, sino que confronta a la sociedad alemana con el espejo ya no opaco de su propio colonialismo. On Africa prolonga la dimensión espectral de ciertas sinfonías urbanas que, al manifestar un «desprecio por lo mimético», expresión de la teórica estadounidense Annette Michelson a propósito de Dziga Vertov, se desvían del modelo perceptivo y cognitivo dominante. Más que un manifiesto sobre la política del colonialismo y del anticolonialismo, On Africa se afirma, así, como una expresión y una herramienta de descolonización de la esfera de la representación.


