Sexyliades. Dictaduras identitarias en estado de alarma
Mesa redonda

Celebrada el 01 jul 2020
Desde 2015, Mama Lynch (Lyncoln Diniz) desarrolla la acción performativa denominada Basket de las excluidas. Con ediciones en Brasil, Portugal y México, esta actividad autogestionada surgió en Madrid cuando un grupo de personas decidió ocupar una cancha pública para jugar al baloncesto travestid+s. En estos “partidos” se busca romper con la opresiva cultura cis-hetero imperante en las prácticas deportivas, además de celebrar la diversidad cultural, la transgresión del género y de la sexualidad.
Ante las limitaciones provocadas por la pandemia de la COVID-19, Mama Lynch y sus invitad+s proponen la ocupación del espacio virtual, hacia donde acaban desplazándose las relaciones sociales en tiempos de distanciamiento forzado. Est+s artistas pretenden debatir, desde la práctica performativa, sobre conceptos como “sexualidad”, “exilio”, “migración” y “arte de guerrilla”. En este periodo de confinamiento se ha puesto de manifiesto que las restricciones impuestas por el estado de alarma solo son una novedad para las personas consideradas “normales”. El aislamiento, la hiper vigilancia y el control del tránsito son experiencias usuales en la vida cotidiana de los sujetos y cuerpos periféricos.
Coordina
Mama Lynch (Lyncoln Diniz)
Línea-fuerza
Acción e imaginación radical
En el marco de
Programa LGTBIQ+
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Ariel Blanco es artista corporal y disidente de género. En 2018 emigró de Argentina a España, donde imparte talleres de twerk, charlas sobre transexualidad y clases magistrales de empoderamiento del cuerpo a través del booty dance para el colectivo LGTBIQ, en colaboración con la asociación Kattalingune de Pamplona. Recientemente, ha coordinado el taller de danza y pluma no-binaria en El Plumero, un proyecto realizado en Matadero, Madrid. En la actualidad imparte clases online de twerk para divers+s funcionales fruto de una investigación personal que tuvo inicio tras una lesión en la rótula.
Zony Gómez investiga desde la perfomance temas como el deseo y los afectos, y explora los límites de la disciplina en el entorno virtual. En 2014 cursó el Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual por la Universidad de Castilla la Mancha y el Museo Reina Sofía, y cofundó el colectivo artístico y de gestión cultural Storm and Drunk. Desde 2016 es director artístico de Nigredo Espacio, un lugar destinado a la creación donde se realizan diferentes residencias de producción e investigación artísticas.
Mama Lynch es un personaje concebido por Lyncoln Diniz: una persona híbrida, una drag queen que actúa al margen de las convenciones escénicas. Licenciad+ en Artes Escénicas en Brasil y Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual por la Universidad de Castilla la Mancha y el Museo Reina Sofía, Diniz trabaja como performer en muchos de los proyectos de la artista Dora García desarrollados en España, Suecia, Alemania y México, además de haber integrado en 2018 el programa Dame cuartelillo en el Centro Cultural Conde Duque, en el que Mama Lynch hizo de maestra de ceremonia en la programación comisariada por Jaime Vallaure y Diana Delgado-Ureña.
Norma Mor es un personaje creado por el artista multidisciplinario Feña Celedón, licenciado en Artes de la Representación por la Universidad Finis Terrae y posgraduado en Pedagogía Teatral y Arte por la Universidad de las Américas, ambas en Santiago de Chile. Norma Mor surge desde la práctica del drag y utiliza recursos escénicos como música, lipsync, baile, canto, vestuario, maquillaje y actuación para sugerir otra feminidad posible, provocativa, cuestionadora y no normativa.
House of Tupamaras es un colectivo interdisciplinario dedicado a la práctica y difusión de la cultura ballroom y voguing en Colombia. Desarrollan piezas escénicas que interrogan los límites entre el arte contemporáneo y el espectáculo. Entienden la vida nocturna y la fiesta como lugar de construcción de conocimiento y reconocimiento de colectividades disidentes, fomentando pistas de baile seguras e inclusivas donde exploran lo que generalmente se ha catalogado como “mariconeo” y “pluma”. Ofrecen espacios de entrenamiento profesional y prácticas abiertas a todo público, en los que los elementos técnicos del voguing se combinan con los bailes populares de las décadas de 1980 y 1990 en diferentes contextos regionales.
Más actividades

COLECCIÓN45’. Arte contemporáneo 1 y 2
Lunes, miércoles, jueves y viernes — 19.30 h
COLECCIÓN45’. Arte contemporáneo es una visita acompañada, de 45 minutos de duración, para descubrir una selección breve de algunas de las piezas destacadas de la Colección. Arte Contemporáneo: 1975-Presente de la Planta 4, así como apreciar el valor de alguna joya oculta en sus salas, que alimenta el deseo de profundizar en ellas y en las historias que contienen y activan.
El recorrido incluye obras realizadas entre la década de 1970 y las primeras décadas de los 2000, abarcando diversos géneros y formatos, desde la fotografía y la escultura a la performance, y dejando espacio para la sorpresa con la inclusión de obras seleccionadas personalmente por el propio equipo de mediación.
Esta visita comentada se ofrece en dos itinerarios diferentes: COLECCIÓN45’. Arte contemporáneo 1 y COLECCIÓN45’. Arte contemporáneo 2, en días alternos. En ambos casos, la visita comienza con una pequeña introducción a esta parte de la Colección y a su distribución en salas.
![Dias & Riedweg, Casulo [Crisálida], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/desafios-cine-2.png.webp)
Otras voces en todos nosotros
17 ABR, 8 MAY 2026
Esta sesión parte de un tipo de desafío corporalmente sutil, que invita a confrontar la razón desde la sensibilidad y la emoción, vinculadas a la diferencia en la salud mental o al espiritismo. Abre la sesión un bello y peculiar cortometraje titulado A família do Capitao Gervásio (2013), de Tamar Guimarães y Kasper Akhøj. En un pequeño pueblo del interior de Brasil, aproximadamente la mitad de sus habitantes son médiums psíquicos que realizan un trabajo de sanación comunitaria. La segunda obra, Casulo, de Dias & Riedweg, es el resultado de un proyecto participativo con un grupo de pacientes del Instituto de Psiquiatría de la Universidad Federal de Río de Janeiro. El vídeo permite asistir a la evolución de sus rutinas tras la hospitalización y escuchar sus ideas e impresiones sobre numerosos aspectos de la vida, poniendo de manifiesto la división entre los territorios de la razón y la locura en su vida cotidiana.
En el marco de La Colección proyectada, programa a partir de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento de la institución, el Museo invita a Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte, a abordar aspectos concretos vinculados a la identidad, la autorrepresentación y el cuerpo en la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990.

Aquí seguimos… y no nos moveremos
16 ABR, 7 MAY 2026
La sesión propone una agenda centrada en la performance en su forma más elemental: la acción simple y directa que parte de la autoexposición corporal. En ocasiones, desde la calculada serenidad de Tengo tiempo (1994), de Miguel Benlloch; otras, desde el desafiante impulso visceral de Bollos (1996), de Cabello y Carceller, o la rabia de Habla (2008), de Cristina Lucas; y, finalmente, desde la experimentación videográfica desconcertante y sostenida en la cultura de la danza de Moving Backwards (2019), de Pauline Boudry y Renate Lorenz, cuya puesta en escena recuerda que sí, que no es un déjà vu, sino que el presente, desafortunadamente, transita por un periodo reaccionario.
En el marco de La Colección proyectada, programa a partir de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento de la institución, el Museo invita a Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte, a abordar aspectos concretos vinculados a la identidad, la autorrepresentación y el cuerpo en la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990. Esta sesión recupera performances paradigmáticas, de tres décadas consecutivas, atravesadas por la expresión incontestable del género; esto es, mediadas por la acción confrontadora de los feminismos y de los paradigmas queer de la cultura.

Lucrecia Martel. Nuestra tierra
Sábado 18 de abril, 2026 - 16:30 h
Nuestra tierra (2025) es el primer documental y trabajo más reciente de la cineasta argentina Lucrecia Martel. La película se centra en el litigio por el asesinato en 2009 de Javier Chocobar, miembro de la comunidad indígena Los Chuschagasta, mientras intentaba evitar el desalojo forzado de las tierras que, situadas el norte de Argentina, esta comunidad ha habitado y trabajado durante siglos.
Martel se sirve de fragmentos del mencionado juicio, que tuvo lugar en 2019, así como de un minucioso trabajo de reconstrucción de la historia de Los Chuschagasta desde el siglo XVII, para denunciar cómo la violencia colonial, lejos de estar superada, subyace en las estructuras político-sociales actuales y deriva en el maltrato y la invisibilización sistemáticas de los pueblos originarios.
Lucrecia Martel es directora y guionista y una de las cineastas más relevantes del panorama latinoamericano del siglo XXI. Cuenta con cuatro largometrajes, La ciénaga (2001), Zama (2001), La niña santa (2004) y La mujer rubia (2008), todos ellos premiados en festivales, incluyéndose dos en la Selección Oficial del Festival de Cine de Cannes. En estos filmes,Lucrecia explora los entresijos de una Argentina marcada por la crisis política y social de los años noventa y por el escollo de un pasado colonial, que traduce a un lenguaje visual propio del documental puesto, paradójicamente, al servicio de la ficción. Así, afirma la autora: «Lo que yo hago es todo mentira, es todo artefacto. Yo no creo en la verdad y, si hay algún efecto de verdad en mis películas, es un milagro».
Estas nociones, material germinal de las películas de Lucrecia, permiten reflexionar sobre cómo las tácticas de ficción e imaginación ensayadas desde lo creativo pueden ejercer de arma eficaz contra el olvido de la memoria y como táctica de justicia reparadora. Precisamente este es uno de los ejes temáticos que vertebran READ Madrid. Festival de Libros e ideas, en el que se enmarca la proyección de esta película.
READ Madrid es un espacio de encuentro para voces críticas y experimentales en el ámbito de la literatura y la teoría. El festival reúne un entramado transatlántico de voces relevantes de la escritura, el arte y la edición cuyo trabajo trasciende los marcos hegemónicos de producción del saber, dando también cabida a lo performativo y lo cinematográfico como formas expandidas de cuestionamiento e investigación.

READ Madrid. Festival de Libros e Ideas
Viernes 17 y sábado 18 de abril, 2026 – Consultar programa
READ Madrid. Festival de Libros e Ideas nace como un espacio de encuentro para voces críticas y experimentales en el ámbito de la literatura, la teoría y la edición. Con especial atención a las prácticas de producción artística y de edición autónomas, y tratando de tejer un puente cultural transatlántico con América Latina, el programa busca descentrar los marcos hegemónicos de producción del saber y abrir nuevas comunidades de interpretación y horizontes de imaginación política. Para ello, toma la escritura y la lectura, entendidas de manera amplia y plural en sus modos, formas y registros, como configuradoras de un laboratorio público de aquello que llamamos estudio: un espacio para pensar en colectivo, debatir y acuñar ideas, hacer y deshacer argumentos, así como articular nuevos imaginarios y formas de enunciación.
En un contexto de crisis ecológica, política y epistemológica, el festival propone modalidades de encuentros que permiten sostener tiempos y espacios para pensar en común, y contribuir así a reconfigurar los términos del debate cultural. De esta forma, el programa se concibe como una intervención en las condiciones contemporáneas de circulación y legitimación del pensamiento y la creación, ampliando los márgenes tradicionales del libro y enlazando literatura, artes visuales, performance y pensamiento crítico. Estos formatos se organizan en torno a tres ejes temáticos protagonizados por voces relevantes de la escritura, la creación y el pensamiento actuales.
Los ejes temáticos de READ Madrid. Festival de Libros e Ideas son: lo popular minoritario, o cómo activar una práctica de lo popular emancipadora; paz rabiosa, o cómo sostener la justicia, el duelo y la reparación sin recurrir a imaginarios pacificadores exentos de conflicto; ficción frente a olvido, en el que se aborda el papel de la ciencia ficción, el terror y las narrativas especulativas como resistencia frente al liberalismo del olvido. Se trata, en definitiva, de interrogar a nuestro presente desde la potencia que las ideas y los libros pueden convocar en un espacio compartido de estudio, debate y disfrute.