Romper La Casa (La Casa Grieta): contagiar lo íntimo, inventarnos un juntxs
Proceso artístico con Aitana Cordero
Celebrada el 14 may 2020
La Casa es un proyecto extenso, lleno de ramificaciones, formatos y trabajos que la artista Aitana Cordero ha desarrollado durante los últimos cuatro años. Gira en torno a una idea, “Cómo destruir un teatro, cómo construir una casa, nosotras, juntos”, que ha cristalizado en cuatro piezas escénicas y varios talleres con grupos y colectivos muy diversos en distintas partes del mundo.
En esta ocasión, la iniciativa se concreta en un proceso creativo colaborativo con el que investigar la idea de intimidad y de contagio, compartir incertidumbres, romper paredes como método constructor e inventar nuevos lugares de encuentro. Romper La Casa (La Casa Grieta): contagiar lo íntimo, inventarnos un juntxs es una invitación a pensar nuestros vínculos y maneras de enraizarnos en el aquí y ahora, una forma de acercarnos a nuestros deseos y revisitar nuestra individualidad y nuestras corporalidades (formas de tocar el mundo, de encarnarlo) a través de acciones de carácter performativo y vivencial.
Vamos a descubrir lugares, a cambiar rutinas, a desplazarnos sin salir, a olernos sin estar juntxs, a tocar nuestras paredes hasta que nos devuelvan la caricia; vamos a reinventar protocolos para elegir y contagiar aquello que merezca la pena ser transmitido a todo el mundo; vamos a resistirnos en la intimidad de nuestros refugios y a especular desde lo salvaje, sin miedo, hacia futuros nuevos.
Este proceso creativo durará una semana y para facilitarlo se utilizará el teléfono móvil como herramienta, si bien se explorarán otros modos de comunicación. Las actividades y propuestas tendrán una duración de dos horas aproximadamente y se irán desvelando día a día una vez que dé comienzo la actividad. Seguirán la siguiente secuencia:
Día 1: La cama
Día 2: La habitación
Día 3: La casa
Día 4: El barrio
Día 5: La ciudad
Día 6: El mundo
Día 7: El universo
Después de esta semana de propuestas y acciones, y tras la recolección de los materiales y experiencias producidos en este tiempo, se creará un diario empírico en colaboración con lxs participantes, cuyo formato y metodología se decidirá de manera colectiva durante su desarrollo.
Línea-fuerza
Repensar el museo
Organiza
Museo Reina Sofía
Con el apoyo de
Fundación Banco SantanderParticipantes
Aitana Cordero. Es una “mover”, creadora, coreógrafa, directora, curiosa; amante de las preguntas, los libros, el cocinar y los cuerpos; géminis, madre, surfera. Hizo judo intensamente durante su primera infancia y nunca ha dejado el estudio de las artes marciales. Se entrenó durante años como bailarina, amó la danza y la improvisación. Decidió cambiar el rumbo de sus intereses atraída por el lenguaje de los cuerpos y la creación. En 2006 se graduó como coreógrafa en la SNDO- School for New Dance Development de Ámsterdam y dos años después acabó el máster en Coreografía y Nuevas Tecnologías, Dance Unlimited, también en la capital holandesa.
Desde el año 2000, desarrolla sus proyectos en forma de piezas, instalaciones, performances, coreografías, eventos, películas, vídeos, textos, propuestas culinarias y “cosas” que han sido presentados en varias ciudades de Europa, América del Norte y Asia. Desde 2001, compagina sus investigaciones y trabajos con una intensa labor docente en distintas escuelas privadas y universidades. En la actualidad, también realiza trabajos de dramaturgia y “compañía y observación” en procesos de otros coreógrafos o creadores.
Algunos de sus intereses artísticos recurrentes en sus trabajos e investigaciones son el “encuentro entre cuerpos”, los significados y significantes, la intimidad, la “senxsualidad”, la fisicidad de la violencia y la exploración de los protocolos y convenciones de las artes escénicas.
Más actividades
Gerardo Mosquera: pensador insular, curador global
19 MAY 2026
Este encuentro rinde homenaje a Gerardo Mosquera (La Habana, 1945), curador de referencia, ensayista que ha participado en debates cruciales sobre la descolonización o las derivas de la globalización, comunicador y, principalmente, un crítico de arte que ha sido capaz de situar radicalmente los discursos y las prácticas, sin dejar de asumirriesgos y manteniendo siempre posiciones éticas comprometidas.
Mosquera es uno de los curadores más reconocidos internacionalmente. Implicado en la Bienal de la Habana desde su fundación en 1984 hasta 1989, ha realizado exposicionesfundamentales en museos y centros de arte de distintas partes del mundo. Entre los proyectos que ha liderado, pueden destacarse su actividad como curador adjunto del New Museum (Nueva York, 1995-2009), la Bienal de Liverpool (2006) o la exposición No es solo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo (Museo Reina Sofía, 2000).
La mesa redonda, que cuenta con la participación del propio Gerardo Mosquera y de un conjunto de críticos de arte, pensadores y artistas como Fernando Castro Flórez, Diana Cuéllar, Lillebit Fadraga y René Francisco Rodríguez, plantea una aproximación a la actividad poliédrica y extraordinariamente fecunda de Mosquera como un maestro curatorial consagrado.
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.