El Museo Reina Sofía, en el marco de Documenta Madrid, organiza una retrospectiva dedicada a Ute Aurand (Alemania, 1957), una de las cineastas experimentales más admiradas en las últimas décadas. Autora de unas 40 películas, la obra de Aurand destaca por concebirse en primera persona, como una forma de poesía basada en las características formales del cine analógico en 16mm. El ciclo cuenta con la presencia de la autora para presentar su trabajo y dialogar con el público.
Documenta Madrid dedica la edición de este año a las imágenes de archivo, motivo por el que planteamos a Ute Aurand como protagonista de este ciclo. El cine nace como un gran archivo del mundo. Invento de la modernidad, los primeros cineastas de fines del siglo XIX viajaban para registrar, mostrar y recopilar lugares distantes en los que, tras llegar la cámara, pronto desembarcarían el comercio y la industria con fines expansivos. Ute Aurand pertenece a una tradición opuesta, en la que el cine, lejos de conquistar visualmente el mundo, se fusiona y se diluye con la experiencia cotidiana. Su cine es también un archivo, pero no un repertorio enciclopédico de lugares y sujetos, sino un conjunto de vidas, memorias y momentos cotidianos transfigurados en bellas epifanías por la cámara y por una singular poética del 16mm, que la autora pone en práctica de manera excepcional.
Ute Aurand rueda todas sus películas en celuloide de 16mm con una Bolex, la cámara por definición del cine experimental, dando vida a una obra que profundiza en todas las cualidades materiales y procesuales del cine analógico. Por esta misma razón, su trabajo es una afirmación de una estética y una práctica artesanal, inseparable de un modo de ver, que confronta las lógicas de la imagen digital predominantes en nuestro presente. Aspectos como las secuencias de 30 segundos, debidas a la duración máxima de la película, la edición desde la misma cámara o la escasez de material rodado, se unen a la vibración cromática y a la textura del grano para dar forma a una bella poética de la fugacidad que responde tanto a la técnica como al tema filmado.
Las películas de Aurand se componen de centelleantes retratos de amigos y familiares, así como de vívidos paisajes de lugares significativos para la autora. La cineasta ha trabajado en ambos géneros durante décadas y cada uno ocupa un programa monográfico en el ciclo. Los retratos y paisajes de Ute Aurand son una forma de dialogar con el paso del tiempo, a la vez que retienen el carácter profundamente íntimo de la existencia: son instantes de vida transmutados en películas. El tercer programa está dedicado a la conversación colectiva en primera persona de Aurand con otras autoras del cine en primera persona, como Margaret Tait, Marie Menken o Ewelina Rosinska. Esta sesión, comisariada por la propia Aurand, también alude a las facetas de programadora y conservadora de cine que la autora ha desempeñado durante décadas en Arsenal, Instituto para el cine y el videoarte, centro fílmico alemán de referencia internacional.
En el marco de
Documenta Madrid
Organiza
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Las actividades de este programa
Conversaciones
Actividad pasada
Duración total: 76’
Margaret Tait. Portrait of Ga [Retrato de Ga]
Escocia, 1952, 16mm, color, VO en inglés sin subtítulos, 4’30’’Renate Sami. Wenn du eine Rose siehst [Cuando ves una rosa]
Alemania, 1995, DCP, sonido, 5’Utako Koguchi. Sleeping Flower [Flor durmiente]
Japón, 1991, 16mm, color, sonido, 1991, 7’Marie Menken. Notebook [Cuaderno de notas]
Estados Unidos, 1962-1963, 16mm, color, silente, 10’Maria Lang. Familiengruft - ein Liebesgedicht an meine Mutter [Cripta familiar-un retrato de amor a mi madre]
Alemania, 1981, archivo digital, VO en alemán con subtítulos en español, blanco y negro, 10’Ute Aurand y Ulrike Pfeiffer. Oh! Die vier Jahreszeiten [¡Oh! Las cuatro estaciones]
Alemania, 1986-1988, archivo digital, color, sonido, 20’Ewelina Rosinska. Erde im Mund [Tierra en la boca]
Polonia, 2020, DCP, color, sonido, 20’Aurand pertenece a una tradición lírica y vibrante del cine en primera persona, en la que sostiene un diálogo con autoras del pasado, como la norteamericana Marie Menken (1909-1970) o la escocesa Margaret Tait (1918-1999), pero también del presente, como la polaca Ewelina Rosinska (1987). Una conversación sin fronteras generacionales ni geográficas, a la que se suman la japonesa Utako Koguchi (1961), mentoras como Renate Sami (1935-2023) y coetáneas como Maria Lang (1945) o Ulrike Pfeiffer (1951), todas ellas valedoras del cine como una forma de poesía y en la concepción artesanal del 16mm.
Paisajes
Actividad pasada
—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase, con moderación de Pablo Marín, programador y teórico de cine experimental
Proyección en 16mm
Duración total: 70’Ute Aurand. To Brasil [Para Brasil]
Alemania, 2023, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 18’Ute Aurand. Glimpses from a Visit to Orkney in Summer 1995 [Destellos de una visita a Orkney en verano 1995]
Alemania, 2020, 16mm, color, silente, 4’30’’Ute Aurand. Four Diamonds [Cuatro diamantes]
Alemania, 2016, 16mm, color, sonido, 4’30’’Ute Aurand. Junge Kiefern [Pinos jóvenes]
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 43’Lugares visitados por Aurand a lo largo de su vida: Brasil, Japón o Escocia, en los que la fascinación por la cultura local se mezcla con la sensación visual de carácter impresionista. Fragmentos evanescentes de arquitecturas, gentes y naturalezas hablan de la dimensión temporal del viaje, pero también de la propia cineasta, con su cámara siempre en mano, sin trípode y en movimiento, como prolongación de su cuerpo. Una oda al conocimiento y al aprendizaje del viaje.
Retratos
Actividad pasada
—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase
Duración total: 61’Ute Aurand. Maria und Die Welt [María y el mundo]
Alemania, 1995, archivo digital, color y blanco y negro, sonido, 15’Ute Aurand. Kopfüber im Gëast [Colgando boca abajo en las ramas]
Alemania, 2009, 16mm, color, silente, 15’Ute Aurand. Zu Hause [En casa]
Alemania, 1998, 16mm, blanco y negro, sonido, 2’30’’Ute Aurand. Paulina
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’Ute Aurand. Franz
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’Ute Aurand. Lisbeth
Alemania, 2011, 16mm, color, silente, 3’Ute Aurand. Lisa
Alemania, 2017, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 5’Ute Aurand. Renate
Alemania, 2021, 16mm, color y b/n, sonido, 6’Ute Aurand. Zuoz
Alemania, 2009, 16mm, color, sonido, 1’30’’Ute Aurand. Sakura, Sakura
Alemania, 2015, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 3’Aurand compone estos retratos fílmicos, plenos de ternura y empatía, a partir de prolongadas convivencias con los retratados, en su mayoría procedentes de la comunidad artística y afectiva de la artista. Esta galería de retratos constituye, en este sentido, un homenaje a la escena cultural alternativa de Berlín durante las últimas décadas. Las figuras se funden con su entorno en un montaje rítmico y veloz que habla del inexorable paso del tiempo.
Próximas actividades
Las décadas prodigiosas
Lunes y miércoles, del 18 de marzo al 6 de mayo, 2026 - 18:30 h
El arte español de finales del siglo pasado, marcado por la transición política y la apertura al exterior, logra una cierta normalización que —aunque discutida— refleja una producción diversa, dinámica y llena de tensiones. Este curso quiere ofrecer una mirada general de la época a través de cuestiones como la reflexión sobre los géneros tradicionales, la irrupción de lo fotográfico y lo tecnológico o las nuevas áreas de exploración artística, como el cuerpo y el género.
El programa otorga pues un lugar específico a acontecimientos históricos como la institucionalización del sector, la preponderancia de la cultura popular y la crisis del sida. Esta progresiva relación del arte con lo real —es decir, las funciones y las limitaciones de la actividad artística en el «ahora» — se constituye como el debate conductor de todo el siglo y persiste, además, en el presente.
Intergeneracionalidad
9 ABR 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un lugar donde desmontar la idea de una única historia y un único tiempo. Desde una perspectiva decolonial y queer se exploran películas que rompen la línea recta del pasado-presente-futuro, que mezclan memorias, ralentizan el progreso y dejan espacio para ritmos que no suelen tener cabida en los relatos oficiales. Aquí las imágenes abren grietas por las que aparecen cuerpos, voces y afectos que trastocan el archivo y cuestionan quién narra, desde dónde y para quién. La propuesta es sencilla y ambiciosa a la vez: usar el cine para imaginar otros modos de recordar, de pertenecer y de proyectar futuros que todavía no hemos podido vivir.
Mirar de cerca. Píldoras formativas
Del 16 al 26 de marzo, 2026 - Consultar programa
Las colecciones de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía son accesibles a cualquier persona interesada. Este programa está destinado a facilitar el acceso a estos recursos a través de varios talleres centrados en aspectos clave como el manejo básico del catálogo, las revistas y otras publicaciones seriadas, los archivos, las bases de datos y LaDigitaldelReina.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Remedios Zafra
Jueves 19 de marzo, 2026 - 19:00 h
La Cátedra José Luis Brea, dedicada a la reflexión en torno a la imagen y la epistemología de la visualidad en la contemporaneidad, inaugura su programación con la conferencia de la ensayista y pensadora Remedios Zafra.
«Que el auge antifeminista contemporáneo se construya como un impulso antiintelectual no es casual y ambas tendencias se alimentan mutuamente. Para posicionar un discurso reaccionario que defiende la desigualdad de las personas es preciso cuestionar los estudios y políticas de género, pero también devaluar los pilares del conocimiento donde estos se han construido con mayor intensidad en las últimas décadas, maltratando además su sostén institucional: universidades, centros de arte e investigación y cultura académica.
El feminismo ha estado profundamente unido a la celebración del pensamiento humanista más comprometido, y los periodos de ilustración y los momentos de transición hacia formas sociales más justas y sostenidas en la educación han sido aquellos en los que la reivindicación feminista ha surgido con más fuerza. La conciencia y logros de igualdad aumentan cuando la educación es una protagonista social, de forma que desvalorizar el trabajo intelectual también contribuye a dañar el feminismo y viceversa, en tanto que el vínculo entre el conocimiento y el feminismo no es solo conceptual e histórico, es también un vínculo íntimo y político. Hoy el antifeminismo es usado a nivel global como adhesivo simbólico de movimientos de ultraderecha, paralelamente a la devaluación de los saberes y conocimientos que emergen de la universidad y la ciencia, maltratados por bulos y desinformación en las redes y desde la espectacularización de la vida mediada por pantallas. Son consecuencias no ajenas a la primacía de un valor escópico que desde hace tiempo denosta el pensamiento y posiciona lo más visto como lo más valioso en la mediación normalizada de la tecnología. Esta inercia convive con proclamas tecnolibertarias que reactivan un patriarcado que usa el resentimiento de muchos hombres como forma seductora y cohesionadora para mantener y azuzar privilegios en el nuevo mundo como tecnoescenario.
En esta conferencia se aborda este contexto epocal profundizando en la sincronía de estos auges desde un paralelismo añadido en las formas de dominio patriarcal y tecnolaboral. Un paralelismo en el que el feminismo y el trabajo intelectual tanto están siendo damnificados como lanzando señales de que en ambos descansan respuestas emancipadoras frente a los actuales giros reaccionarios y de neutralización crítica. Esta sintonía hablaría además de cómo la perversa base patriarcal que convierte a las mujeres en mantenedoras de su propia subordinación tiene su equivalente en la autoexplotación alentada de los trabajadores culturales; en la legitimación del capital afectivo y del capital simbólico como pagos suficientes; en el desdibujamiento de los límites entre vida y trabajo y en el aislamiento doméstico; o en la presión de agrado y complacencia como forma patriarcal extendida, hoy vinculada con el entusiasmo fingido de trabajadores precarios, pero también con la adulación tecnológica. Como respuesta a la resistencia y acción intelectual posible, el patriarcado ha vinculado a las feministas con un futuro que se aventuraba desdichado para ellas igualando «pensamiento y conciencia» a infelicidad, allí donde estos justamente han sido (y siguen siendo) resorte de autonomía y emancipación».
— Remedios Zafra
27 Jornadas de Conservación de Arte Contemporáneo
Miércoles 4 y jueves 5 de marzo, 2026
Los días 4 y 5 de marzo de 2026 se celebran las 27 Jornadas de Conservación de Arte Contemporáneo, organizadas por el Departamento de Conservación-Restauración del Museo Reina Sofía, con el patrocinio de Fundación Mapfre. Se trata de un encuentro internacional que tiene como objetivo compartir y debatir experiencias e investigaciones, abrir nuevas vías de estudio y reflexionar sobre la conservación y la práctica profesional de restauración.
Esta edición se lleva a cabo de forma presencial y virtual, de manera simultánea, mediante intervenciones de 20 minutos, seguidas de 5 minutos de preguntas.