El Museo Reina Sofía, en el marco de Documenta Madrid, organiza una retrospectiva dedicada a Ute Aurand (Alemania, 1957), una de las cineastas experimentales más admiradas en las últimas décadas. Autora de unas 40 películas, la obra de Aurand destaca por concebirse en primera persona, como una forma de poesía basada en las características formales del cine analógico en 16mm. El ciclo cuenta con la presencia de la autora para presentar su trabajo y dialogar con el público.
Documenta Madrid dedica la edición de este año a las imágenes de archivo, motivo por el que planteamos a Ute Aurand como protagonista de este ciclo. El cine nace como un gran archivo del mundo. Invento de la modernidad, los primeros cineastas de fines del siglo XIX viajaban para registrar, mostrar y recopilar lugares distantes en los que, tras llegar la cámara, pronto desembarcarían el comercio y la industria con fines expansivos. Ute Aurand pertenece a una tradición opuesta, en la que el cine, lejos de conquistar visualmente el mundo, se fusiona y se diluye con la experiencia cotidiana. Su cine es también un archivo, pero no un repertorio enciclopédico de lugares y sujetos, sino un conjunto de vidas, memorias y momentos cotidianos transfigurados en bellas epifanías por la cámara y por una singular poética del 16mm, que la autora pone en práctica de manera excepcional.
Ute Aurand rueda todas sus películas en celuloide de 16mm con una Bolex, la cámara por definición del cine experimental, dando vida a una obra que profundiza en todas las cualidades materiales y procesuales del cine analógico. Por esta misma razón, su trabajo es una afirmación de una estética y una práctica artesanal, inseparable de un modo de ver, que confronta las lógicas de la imagen digital predominantes en nuestro presente. Aspectos como las secuencias de 30 segundos, debidas a la duración máxima de la película, la edición desde la misma cámara o la escasez de material rodado, se unen a la vibración cromática y a la textura del grano para dar forma a una bella poética de la fugacidad que responde tanto a la técnica como al tema filmado.
Las películas de Aurand se componen de centelleantes retratos de amigos y familiares, así como de vívidos paisajes de lugares significativos para la autora. La cineasta ha trabajado en ambos géneros durante décadas y cada uno ocupa un programa monográfico en el ciclo. Los retratos y paisajes de Ute Aurand son una forma de dialogar con el paso del tiempo, a la vez que retienen el carácter profundamente íntimo de la existencia: son instantes de vida transmutados en películas. El tercer programa está dedicado a la conversación colectiva en primera persona de Aurand con otras autoras del cine en primera persona, como Margaret Tait, Marie Menken o Ewelina Rosinska. Esta sesión, comisariada por la propia Aurand, también alude a las facetas de programadora y conservadora de cine que la autora ha desempeñado durante décadas en Arsenal, Instituto para el cine y el videoarte, centro fílmico alemán de referencia internacional.
En el marco de
Documenta Madrid
Organiza
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Las actividades de este programa
Conversaciones
Actividad pasada
Duración total: 76’
Margaret Tait. Portrait of Ga [Retrato de Ga]
Escocia, 1952, 16mm, color, VO en inglés sin subtítulos, 4’30’’Renate Sami. Wenn du eine Rose siehst [Cuando ves una rosa]
Alemania, 1995, DCP, sonido, 5’Utako Koguchi. Sleeping Flower [Flor durmiente]
Japón, 1991, 16mm, color, sonido, 1991, 7’Marie Menken. Notebook [Cuaderno de notas]
Estados Unidos, 1962-1963, 16mm, color, silente, 10’Maria Lang. Familiengruft - ein Liebesgedicht an meine Mutter [Cripta familiar-un retrato de amor a mi madre]
Alemania, 1981, archivo digital, VO en alemán con subtítulos en español, blanco y negro, 10’Ute Aurand y Ulrike Pfeiffer. Oh! Die vier Jahreszeiten [¡Oh! Las cuatro estaciones]
Alemania, 1986-1988, archivo digital, color, sonido, 20’Ewelina Rosinska. Erde im Mund [Tierra en la boca]
Polonia, 2020, DCP, color, sonido, 20’Aurand pertenece a una tradición lírica y vibrante del cine en primera persona, en la que sostiene un diálogo con autoras del pasado, como la norteamericana Marie Menken (1909-1970) o la escocesa Margaret Tait (1918-1999), pero también del presente, como la polaca Ewelina Rosinska (1987). Una conversación sin fronteras generacionales ni geográficas, a la que se suman la japonesa Utako Koguchi (1961), mentoras como Renate Sami (1935-2023) y coetáneas como Maria Lang (1945) o Ulrike Pfeiffer (1951), todas ellas valedoras del cine como una forma de poesía y en la concepción artesanal del 16mm.
Paisajes
Actividad pasada
—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase, con moderación de Pablo Marín, programador y teórico de cine experimental
Proyección en 16mm
Duración total: 70’Ute Aurand. To Brasil [Para Brasil]
Alemania, 2023, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 18’Ute Aurand. Glimpses from a Visit to Orkney in Summer 1995 [Destellos de una visita a Orkney en verano 1995]
Alemania, 2020, 16mm, color, silente, 4’30’’Ute Aurand. Four Diamonds [Cuatro diamantes]
Alemania, 2016, 16mm, color, sonido, 4’30’’Ute Aurand. Junge Kiefern [Pinos jóvenes]
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 43’Lugares visitados por Aurand a lo largo de su vida: Brasil, Japón o Escocia, en los que la fascinación por la cultura local se mezcla con la sensación visual de carácter impresionista. Fragmentos evanescentes de arquitecturas, gentes y naturalezas hablan de la dimensión temporal del viaje, pero también de la propia cineasta, con su cámara siempre en mano, sin trípode y en movimiento, como prolongación de su cuerpo. Una oda al conocimiento y al aprendizaje del viaje.
Retratos
Actividad pasada
—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase
Duración total: 61’Ute Aurand. Maria und Die Welt [María y el mundo]
Alemania, 1995, archivo digital, color y blanco y negro, sonido, 15’Ute Aurand. Kopfüber im Gëast [Colgando boca abajo en las ramas]
Alemania, 2009, 16mm, color, silente, 15’Ute Aurand. Zu Hause [En casa]
Alemania, 1998, 16mm, blanco y negro, sonido, 2’30’’Ute Aurand. Paulina
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’Ute Aurand. Franz
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’Ute Aurand. Lisbeth
Alemania, 2011, 16mm, color, silente, 3’Ute Aurand. Lisa
Alemania, 2017, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 5’Ute Aurand. Renate
Alemania, 2021, 16mm, color y b/n, sonido, 6’Ute Aurand. Zuoz
Alemania, 2009, 16mm, color, sonido, 1’30’’Ute Aurand. Sakura, Sakura
Alemania, 2015, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 3’Aurand compone estos retratos fílmicos, plenos de ternura y empatía, a partir de prolongadas convivencias con los retratados, en su mayoría procedentes de la comunidad artística y afectiva de la artista. Esta galería de retratos constituye, en este sentido, un homenaje a la escena cultural alternativa de Berlín durante las últimas décadas. Las figuras se funden con su entorno en un montaje rítmico y veloz que habla del inexorable paso del tiempo.
Próximas actividades
Relatos de la Colección
Lunes, miércoles, jueves y viernes - Consultar horarios
“He comprendido que mi bienestar solo es posible cuando reconozco mi unidad con todas las personas del mundo, sin excepción.”
—Lev Tolstói“El arte es una forma de libertad, una vía para escapar de la opresión y la mediocridad”.
—Leonora Carrington
Relatos de la Colección es un ciclo de visitas diseñadas e implementadas por el equipo de voluntari+s culturales del Museo Reina Sofia. Este proyecto surge en el marco de un plan formativo y comunitario llamado equipoVol que propone un acercamiento a la Colección a través del diálogo y el intercambio de saberes y experiencias con el propio equipo de voluntari+s del Museo, integrado por miembros de la Confederación Española de Aulas de la Tercera Edad (CEATE).Las visitas tienen como finalidad acercar la Colección a los colectivos a los que van dirigidas, desde una perspectiva multidisciplinar y abierta, entrelazando los discursos artísticos y estéticos de las obras con las perspectivas biográficas tanto de l+s voluntari+s culturales como de las personas que acuden al Museo.
![Un rastro azul [huella de la performance The Leak (La fuga) de Francis Alÿs, llevada a cabo en el marco de la exposición F(r)icciones. Versiones del Sur (2000)]. Foto: Marina Díaz-Cañedo](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/equipovol_rastro_azul.jpg.webp)
equipoVol
Del 12 de enero al 1 de junio, 2026 - 10:30 h
con todo y con eso es el título de la presente edición de equipoVol, el proyecto comunitario para personas voluntarias del Área de Educación. En esta ocasión, la propuesta, diseñada y acompañada por Selina Blasco y Javier Pérez Iglesias, aborda algunas de las prácticas y de las obras más recientes de las Colecciones del Museo.
todo. Un programa impulsado por la generosidad de las personas que trabajan de forma voluntaria en la mediación del Museo. Que lo hacen por gusto, porque les da la gana. Este «todo» es el de la generosidad, en sintonía con la plusvalía y el exceso que promete el arte. Es abundancia no por acumulación, no como cantidad, sino como cualidad. Es un modo.
eso. Lo sutil y lo prácticamente imperceptible. Como la huella de The Leak [La fuga], una intrigante línea azul que recorre las escaleras del Edificio Sabatini del Museo. Es un resto de la pintura que derramó el artista Francis Alÿs en una acción llevada a cabo en el año 2000 durante la exposición F(r)icciones, en el marco del proyecto expositivo Versiones del Sur. No tiene cartela, ni está en el catálogo y, como puede ser muchas cosas, activa la potencia del arte en relación con la memoria, la imaginación o, incluso, el sueño.
Este rastro azul es la encarnación (mínima, pero aun así parte del cúmulo de artefactos materiales que habitan en el museo) de una obra performativa, la acción de un artista que ha hecho del caminar uno de los ejes de sus propuestas. Una práctica corporal como la que propone también equipoVol a través de itinerarios que reúnen y conectan lo que está separado. Como dice Tim Ingold, el pensamiento está ligado al movimiento y en el caminar se manifiesta la naturaleza física de las ideas.
El tipo de línea elegido, un dibujo que fija lo que se deja caer al azar, invita a no pensar el tiempo de forma direccional, tampoco en términos de cronología. Es un resto que ha hecho perdurar algo que era efímero y que, al materializarse, recuerda que el deambular de unas obras a otras no tiene lugar en el vacío, ni en tiempos muertos. Junto a la comunidad de voluntariado del Museo, el deseo es enlazar las obras, y dotar así a los recorridos de formas espacio-temporales.
con todo y con eso significa «sin embargo». Estas sesiones proponen confiar en lo cerca que una parte importante de las obras de las Colecciones del Museo están del ahora. Que no nos intimiden. El reto no es su ininteligibilidad. Todo lo contrario. Es proponer un acercamiento a ellas de forma que abran nuevas vías de percepción a múltiples temporalidades, contextos y experiencias. Y así, en su compañía, volver a esas otras obras, viejas conocidas por ser más lejanas en el tiempo, y construir condiciones de buena vecindad para verlas de otra manera.
Mallo Más Acá. SANDÍA LUNA CONCHA METAL
Del 22 de enero al 5 de marzo, 2026 - 17:00 h
Mallo Más Acá. SANDÍA LUNA CONCHA METAL propone un acercamiento a la exposición Máscara y compás de Maruja Mallo a través de una visita accesible diseñada especialmente para personas ciegas y con baja visión. La actividad, comentada por el personal de mediación del Museo, cuenta además con audiodescripción a cargo de Lorenzo Galgó y María Morata, dos artistas e investigadoras que viven y dialogan con la discapacidad. Su propuesta parte de un cuestionamiento de los modos de acceso a lo artístico, reconociendo todas las condiciones sensoriales existentes como completas, valiosas, legítimas y, además, deseables.
A través de los auriculares, las voces de Lorenzo y María no proponen solamente una traducción de la imagen a la palabra, sino un intento de compartir con las personas participantes la vibración de las obras por medio de experiencias corporales. Al final de la visita, que tiene como objetivo propiciar un encuentro con la obra de Maruja Mallo desde el disfrute y los cuidados, se propone un diálogo in situ donde poder compartir los diferentes sentires sobre la experiencia.
TEJA 2026. Convocatoria de residencias artísticas de emergencia
Presentación de propuestas hasta 12 de enero, 2026
TEJA / Red de espacios culturales en apoyo a situaciones de emergencia tiene como misión promover la cooperación transnacional a través de residencias artísticas temporales para artistas y profesionales de la cultura que se encuentren en situaciones sociopolíticas complejas en sus países de origen. Durante su estancia en España, las personas residentes reciben alojamiento y asesoramiento legal y psicológico, además de acceso a una red de organizaciones y profesionales con quienes pueden compartir, desarrollar y ampliar sus proyectos creativos. El objetivo es proporcionar un entorno seguro y estimulante donde puedan continuar su trabajo a pesar de las circunstancias adversas. También generar espacios de diálogo que garanticen la libertad de expresión mediante actividades conjuntas tanto en España como con colaboradores internacionales.
En 2026, TEJA acoge tres nuevas residencias, cada una de tres meses de duración, dedicadas a apoyar a artistas y profesionales de la cultura residentes en Cisjordania y Jerusalén. Además, en la segunda mitad del año, TEJA ofrece tres residencias adicionales para artistas gazatíes, que se organizan mediante invitación (dado que España no puede actualmente facilitar evacuaciones desde Gaza, estas invitaciones se coordinan a través de Francia). Estas residencias buscan proporcionar un entorno estable y creativo, y fomentar el intercambio artístico frente a las adversidades en curso. A través de este nuevo programa, TEJA reafirma su compromiso de amplificar las voces palestinas y apoyar a sus artistas durante estos tiempos turbulentos.
La selección es realizada por la red TEJA en colaboración con cada entidad anfitriona. Este año los espacios que acogen son: La Escocesa (Barcelona), hablarenarte / Planta Alta (Madrid), Espositivo (Madrid), Institute for Postnatural Studies (Madrid) y Casa Árabe (Córdoba). La selección prioriza en primer lugar la situación personal y profesional de las personas participantes, y después la afinidad con las prácticas y temáticas de los espacios de acogida. La fecha límite para la presentación de propuestas es el 12 de enero de 2026, a las 23:59 h.
Cuarteto Seikilos
Lunes 12 de enero, 2026 – 19.30h
El ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta una velada a cargo del Cuarteto Seikilos, centrada en el diálogo entre tradición y creación contemporánea. El programa culmina con el estreno en España del Cuarteto de cuerda n.º 11 (2019) del compositor Georg Friedrich Haas, cuya obra se interpretará a oscuras, siguiendo las indicaciones del autor y subrayando su concepción radical de la escucha.
El programa establece un puente con el repertorio canónico: el Cuarteto en sol menor, op. 10 (1893) de Claude Debussy, ejemplo inaugural del modernismo francés, y la Gran fuga, op. 133 (1825–26) de Ludwig van Beethoven. Un programa que traza un arco entre tres siglos de pensamiento musical, desde la expansión de los lenguajes armónicos del siglo XIX hasta las exploraciones microtonales y perceptivas de nuestro tiempo.