Cine y casi cine 2002

Habitar las ruinas del museo como institución que produce significado y ordena el conocimiento era la petición que el crítico de arte Douglas Crimp formula a los artistas de la posmodernidad crítica en la década de 1980. Es decir, exponer en el museo, pero evidenciando su crisis y sus zonas de sombra. Tal es también la pretensión de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville en estos dos mediometrajes. El primero, The Old Place. Small Notes Regarding the Arts at Fall of 20th Century (1999), es un encargo de The Museum of Modern Art (MoMA). En el ocaso del milenio, los autores proponen veintitrés tesis de lo que queda de ese «viejo lugar», que no es otra cosa que un museo extenuado tras un siglo de barbarie. Quizás, insisten con melancolía, el museo deba seguir siendo simplemente una idea, una «leyenda», mientras se suceden imágenes de obras de arte que caracterizaron el siglo XX. Reportage amateur (maquette expo) (2006) es otra ruina, en esta ocasión una reliquia. Se trata del único resto de la gran exposición nunca realizada que el autor de Film socialisme preparaba para el Centre Georges Pompidou. Una simple maqueta de papel frágil y doméstica en la que el cineasta había plasmado todo su pensamiento sobre el arte, el cine, la historia, la humanidad; la redención, a fin de cuentas. Un museo imaginario en el que conviven Matisse, Goya, Delacroix, Hannah Arendt, Sharon Stone, Emmanuel Lévinas o Charles Chaplin, y que la videocámara de Anne-Marie Miéville recorre estupefacta mientras la voz en off de Godard desgrana las diferentes salas. Pese a todo, el museo, ese viejo lugar en su dimensión más frágil, se muestra como el único dispositivo capaz de dar forma a las reflexiones de uno de los grandes intelectuales de nuestro tiempo. 

Siglos de expolio, décadas de amnesia, años de connivencia con el poder más extractivista, ¿tiene el museo, tal y como es conocido, razón de ser en una sociedad poscolonial? En esta sesión se exponen las operaciones del museo como una máquina colonial, a la vez que se apuntan ideas para pensar una institución por venir más justa, igualitaria e inclusiva con las voces marginalizadas y minorizadas de la sociedad en sus narraciones. La sesión comienza con el estreno internacional de Quinto verso, parte de Tonada, en el que se presenta una visión de la Colección Quimbaya (siglos V-VI d.C.) del Museo de América de Madrid. Montada con voces y cánticos de plañideras y guías wayúu, no solo como forma de devolver la función a estos ídolos de oro —figuras antropomorfas de hombres y mujeres usados como recipientes en prácticas rituales — más bien, de fabular que aquello que debe exhibirse no es el oro, sino el cántico mismo propio del ritual. En el clásico Me escondes (1970), el ghanés Kwate Nee-Owoo accede a la colección de arte africano del British Museum, ubicada en los sótanos del edificio, para preguntarse con qué sentido el museo expolia y anula. Un magnífico ejercicio de crítica institucional en primera persona, proyectado por vez primera en España. Casi setenta años después de que Resnais y Marker filmaran Las estatuas también mueren (1953), una reflexión sobre el valor aurático del museo frente a la pertenencia identitaria y cultural del arte africano, la teórica Ariella Azoulay vuelve a rodar las mismas estatuas en el Museo del Trocadero (actual Quay Brainly), las cuales sobreviven y esperan poder reunirse con su gente. Azoulay, en una original propuesta que apunta una lección para el museo del futuro, conecta la migración forzada de estas esculturas con el tránsito masivo de personas cruzando las fronteras artificialmente impuestas por el mismo sistema que ha expoliado su cultura.

En esta primera presentación pública de su residencia de pensamiento anual en el Museo Reina Sofía, titulada El amotinado y la bruja: ensayos en torno a la mediación cultural y parainstitucional, Olivier Marboeuf atiende a la pregunta que orienta su investigación: ¿cómo convocar la potencia emancipadora del disturbio y del cuento como herramienta de mediación y transformación institucional, sin sucumbir a la patrimonialización, la despolitización o la mercantilización de las formas de vida que le son propias?

Al tiempo que introduce las cuestiones que guían su proyecto de investigación en el Museo, esta presentación desgrana algunas de las nociones centrales que articulan su práctica artística e investigativa, como la «mediación bruja», la construcción y legitimación de «comunidades interpretativas» o la composición de cartografías y archivos especulativos. Los conceptos que Marboeuf acuña nacen siempre de un ir y venir entre la teoría y su trayectoria sostenida como artista, organizador cultural, narrador comunitario y productor de cine, que se preocupa por las condiciones de presencia, representación, autonomía y visibilidad de las prácticas minoritarias en la institución cultural.

Al entender la mediación como una práctica embrujada, Marboeuf propone reanudar esta práctica con una política de la alucinación colectiva que, al reensayar el potencial emancipador del cuento caribeño, desestabiliza y negocia quién puede aparecer, hablar, interpretar y narrar y qué historias se hacen legibles, sin renunciar a la opacidad. En su trabajo, la cartografía aparece como una metodología especulativa que no recae sobre la representación, sino sobre la presencia de una comunidad que interpreta colectivamente un relato múltiple y cacofónico, nunca transparente ni definitivo.