Celebrada el 17 dic 2016
El Museo Reina Sofía presenta la pieza 20 Dancers for the XX Century del coreógrafo francés y actual director del Musée de la danse, Boris Charmatz, que contará con la participación de veinte bailarines y performers, y se desarrollará en diferentes salas de la Colección del Museo.
20 Dancers for the XX Century está concebida como un archivo vivo en el que veinte bailarines de diferentes generaciones interpretan, recuerdan, se apropian, reproducen, explican y transmiten extractos de una selección de solos de la danza del siglo XX originalmente creados o interpretados por figuras relevantes del arte. Cada bailarín presenta su propio “museo”, interactuando libremente con diversos espacios de la Colección. Con esta pieza, Charmatz explora y expande la noción de museo como institución viva, donde tiene cabida la práctica dancística.
Parafraseando a Boris Charmatz, este proyecto aborda, más que la herencia, una especie de arqueología: pretende extraer gestos del pasado, gestos restaurados, reinterpretados por el cuerpo del bailarín en el presente. Desde un punto de vista metafórico, así como literal, la colección de un museo de la danza reside en los cuerpos de los bailarines. El cuerpo es el espacio de almacenamiento más operativo: formado por los gestos, habitado por recuerdos listos para ser activados, en el presente y en el futuro. Los bailarines, artistas y actores que participan en esta pieza son libres de elegir y recordar, de enseñar, de hablar, de repetir, de reproducir, de reapropiarse de los solos que deseen. El conocimiento que poseen sobre las distintas obras puede provenir de la educación o de haberlas interpretado antes, y sus ejercicios pueden adoptar la forma de una reapropiación salvaje o de un respetuoso homenaje, de una partición, de un texto, de la lectura de documentos. Los solos se muestran donde los bailarines piensan que es prudente mostrarlos, presentarlos, encarnarlos, pero sin ser asignados a un lugar, a un tiempo estricto. De esta forma, se hace hincapié en la movilidad, la fluidez de los cuerpos: no hay programa a seguir, ningún horario a prever; nadie sabe exactamente quién presentará qué, ni cuándo, ni dónde. Pero todos están invitados a discutir, hablar, cuestionar, comentar.
La actividad se acompaña de un encuentro con el coreógrafo que tendrá lugar el martes 13 de diciembre en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel.
Los proyectos de Boris Charmatz (Chambéry, Francia, 1973) se centran en investigar, repensar y desarrollar la danza desde distintas perspectivas. Reconocido internacionalmente por sus creaciones experimentales, sus obras se han presentado en importantes festivales internacionales y en museos como el MoMA de Nueva York. Recientemente la Tate Modern y el Sadler´s Wells de Londres le han dedicado un programa atendiendo a su faceta más coreográfica, por un lado, y a la más performativa, por otro.Tras su paso por Les Champs Libres (Rennes, 2012); el MoMA (Nueva York, 2013); el Festival Foreign Affairs (Berlín, 2014); la Tate Modern (Londres, 2015), y el Palais Garnier (París, 2015), 20 Dancers for the XX Century llega al Museo Reina Sofía coincidiendo con la participación de la compañía Musée de la danse en el XXXIV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, con su pieza manger (miércoles 14 y jueves 15 de diciembre, a las 20:00 h, en los Teatros del Canal). Ambas propuestas se presentan en el marco un programa doble que permite acercar al público la figura del coreógrafo desde distintas perspectivas.
Organiza
Museo Reina Sofía en colaboración con la Comunidad de Madrid
En colaboración con
Un proyecto de
Boris Charmatz / Musée de la danse
Bailarines
Boglárka Börcsök, Magali Caillet-Gajan, François Chaignaud, Ashley Chen, Raphaëlle Delaunay, Olga Dukhovnaya, Antonia Franceschi, Latifa Laâbissi, La Ribot, Mark Lorimer, Filipe Lourenço, Vera Mantero, Fabrice Mazliah, Mani Mungai, Olga Pericet, Sonja Pregrad, Marlène Saldana, Frédéric Seguette, Frank Willens y Thomas Wodianka.
* elenco susceptible de cambios
Regidor general
Mathieu Morel
Dirección de producción
Martina Hochmuth con la colaboracion del equipo del Musée de la danse
Proyecto producido por
Musée de la danse / Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne, dirigido por Boris Charmatz. La asociación está subvencionada por el Ministerio de Cultura y Comunicación (Dirección Regional de Asuntos Culturales / Bretagne), la ciudad de Rennes, el Regional Council of Brittany y el Ille-et-Vilaine Departamental Council. El Institut Français apoya regularmente las giras internacionales del Musée de la danse.
Gracias a
Vito Acconci, Jerôme Bel, Anne Teresa De Keersmaeker, Esther Ferrer, William Forsythe, Sanja Iveković, Eszter Salamon, Meg Stuart, The Mike Kelley Foundation for the Arts, The George Balanchine Trust.
Coreografía de Merce Cunningham © The Merce Cunningham Trust. La coreografía de Merce Cunningham es interpretada por el Sr. Ashley Chen con el permiso y el apoyo del Merce Cunningham Trust. Todos los derechos reservados.
Marco Antonio Álvarez Fernández, Laura Andreu Sedeño, Elisa Angelina Antunes, Matías Daporta González, Ana Isabel Guzmán Morales, Irene Holguín Gómez, Anastasiia Lauhina, Helena Llorente de Carli, Ana Martín García, Nicole Pérez Rapp, Daniel Raventós Puchol, Marta Salas Lozano y Clara Santiago Beato
Recursos
Bailarines y programa
Más actividades
Economía del odio
18 ABR, 9 MAY 2026
Economía del Odio está compuesta por un solo vídeo, Oído Odio (2021), obra del artista Diego del Pozo Barriuso. Se trata de una pieza que combina materiales de archivo televisivos y mediáticos, grabaciones con performers de corporalidades explícitamente queer y animaciones 3D, en un diálogo inusualmente fluido entre ellos. El título de la sesión hace alusión a una noción desarrollada por el autor respecto la materialidad con la que circula el odio y su forma de escalada. Partiendo de la idea de que el odio es un afecto que cuanto más circula más valor tiene, el vídeo muestra esa evolución de la televisión a los móviles, exponiendo cómo el cambio de paradigma tecnológico ha viralizado el hecho de estar más en contacto que nunca con imágenes explícitas de la violencia.
En el marco de La Colección proyectada, programa a partir de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento de la institución, el Museo invita a Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte, a abordar aspectos concretos vinculados a la identidad, la autorrepresentación y el cuerpo en la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990.
![Dias & Riedweg, Casulo [Crisálida], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/desafios-cine-2.png.webp)
Otras voces en todos nosotros
17 ABR, 8 MAY 2026
Esta sesión parte de un tipo de desafío corporalmente sutil, que invita a confrontar la razón desde la sensibilidad y la emoción, vinculadas a la diferencia en la salud mental o al espiritismo. Abre la sesión un bello y peculiar cortometraje titulado A família do Capitao Gervásio (2013), de Tamar Guimarães y Kasper Akhøj. En un pequeño pueblo del interior de Brasil, aproximadamente la mitad de sus habitantes son médiums psíquicos que realizan un trabajo de sanación comunitaria. La segunda obra, Casulo, de Dias & Riedweg, es el resultado de un proyecto participativo con un grupo de pacientes del Instituto de Psiquiatría de la Universidad Federal de Río de Janeiro. El vídeo permite asistir a la evolución de sus rutinas tras la hospitalización y escuchar sus ideas e impresiones sobre numerosos aspectos de la vida, poniendo de manifiesto la división entre los territorios de la razón y la locura en su vida cotidiana.
En el marco de La Colección proyectada, programa a partir de los fondos de cine, vídeo e imagen en movimiento de la institución, el Museo invita a Laura Baigorri, una de las mayores especialistas en videoarte, a abordar aspectos concretos vinculados a la identidad, la autorrepresentación y el cuerpo en la colección audiovisual del Museo desde la década de 1990.
Curso de manipulación, embalaje, transporte y montaje de bienes culturales
Del 20 al 27 de abril, 2026
Museo Situado organiza, con la colaboración de los departamentos de Conservación-Restauración y Registro de Obras de Arte del Museo Reina Sofía, la cuarta edición del Curso de manipulación, embalaje, transporte y montaje de bienes culturales. El objetivo es dar a conocer los trabajos relacionados con la manipulación de obras de arte y el montaje de exposiciones a personas con trayectorias de vida migrante del barrio de Lavapiés (Madrid).
La formación tiene lugar en diferentes espacios del Museo e incluye una visita a una empresa especializada del sector. El curso aborda contenidos teórico-prácticos relacionados con el funcionamiento de un almacén de obras de arte, los recursos museográficos destinados a las exposiciones, los diferentes profesionales que participan en los procesos de diseño y montaje, así como los protocolos de trabajo y el funcionamiento interno de las empresas especializadas en transporte de bienes culturales.
Las sesiones, impartidas por profesionales de los ámbitos de la conservación, restauración y manipulación de obras de arte, buscan expandir el conocimiento sobre las labores que se desarrollan en el Museo y los trabajos que se realizan diariamente en torno a las Colecciones, además de abrir posibles horizontes laborales al alumnado.
Lucrecia Martel. Nuestra tierra
Sábado 18 de abril, 2026 - 16:30 h
Nuestra tierra (2025) es el primer documental y trabajo más reciente de la cineasta argentina Lucrecia Martel. La película se centra en el litigio por el asesinato en 2009 de Javier Chocobar, miembro de la comunidad indígena Los Chuschagasta, mientras intentaba evitar el desalojo forzado de las tierras que, situadas el norte de Argentina, esta comunidad ha habitado y trabajado durante siglos.
Martel se sirve de fragmentos del mencionado juicio, que tuvo lugar en 2019, así como de un minucioso trabajo de reconstrucción de la historia de Los Chuschagasta desde el siglo XVII, para denunciar cómo la violencia colonial, lejos de estar superada, subyace en las estructuras político-sociales actuales y deriva en el maltrato y la invisibilización sistemáticas de los pueblos originarios.
Lucrecia Martel es directora y guionista y una de las cineastas más relevantes del panorama latinoamericano del siglo XXI. Cuenta con cuatro largometrajes, La ciénaga (2001), Zama (2001), La niña santa (2004) y La mujer rubia (2008), todos ellos premiados en festivales, incluyéndose dos en la Selección Oficial del Festival de Cine de Cannes. En estos filmes,Lucrecia explora los entresijos de una Argentina marcada por la crisis política y social de los años noventa y por el escollo de un pasado colonial, que traduce a un lenguaje visual propio del documental puesto, paradójicamente, al servicio de la ficción. Así, afirma la autora: «Lo que yo hago es todo mentira, es todo artefacto. Yo no creo en la verdad y, si hay algún efecto de verdad en mis películas, es un milagro».
Estas nociones, material germinal de las películas de Lucrecia, permiten reflexionar sobre cómo las tácticas de ficción e imaginación ensayadas desde lo creativo pueden ejercer de arma eficaz contra el olvido de la memoria y como táctica de justicia reparadora. Precisamente este es uno de los ejes temáticos que vertebran READ Madrid. Festival de Libros e ideas, en el que se enmarca la proyección de esta película.
READ Madrid es un espacio de encuentro para voces críticas y experimentales en el ámbito de la literatura y la teoría. El festival reúne un entramado transatlántico de voces relevantes de la escritura, el arte y la edición cuyo trabajo trasciende los marcos hegemónicos de producción del saber, dando también cabida a lo performativo y lo cinematográfico como formas expandidas de cuestionamiento e investigación.
READ Madrid. Festival de Libros e Ideas
Viernes 17 y s ábado 18 de abril, 2026 – Consultar programa
READ Madrid. Festival de Libros e Ideas nace como un espacio de encuentro para voces críticas y experimentales en el ámbito de la literatura, la teoría y la edición. Con especial atención a las prácticas de producción artística y de edición autónomas, y tratando de tejer un puente cultural transatlántico con América Latina, el programa busca descentrar los marcos hegemónicos de producción del saber y abrir nuevas comunidades de interpretación y horizontes de imaginación política. Para ello, toma la escritura y la lectura, entendidas de manera amplia y plural en sus modos, formas y registros, como configuradoras de un laboratorio público de aquello que llamamos estudio: un espacio para pensar en colectivo, debatir y acuñar ideas, hacer y deshacer argumentos, así como articular nuevos imaginarios y formas de enunciación.
En un contexto de crisis ecológica, política y epistemológica, el festival propone modalidades de encuentros que permiten sostener tiempos y espacios para pensar en común, y contribuir así a reconfigurar los términos del debate cultural. De esta forma, el programa se concibe como una intervención en las condiciones contemporáneas de circulación y legitimación del pensamiento y la creación, ampliando los márgenes tradicionales del libro y enlazando literatura, artes visuales, performance y pensamiento crítico. Estos formatos se organizan en torno a tres ejes temáticos protagonizados por voces relevantes de la escritura, la creación y el pensamiento actuales.
Los ejes temáticos de READ Madrid. Festival de Libros e Ideas son: lo popular minoritario, o cómo activar una práctica de lo popular emancipadora; paz rabiosa, o cómo sostener la justicia, el duelo y la reparación sin recurrir a imaginarios pacificadores exentos de conflicto; ficción frente a olvido, en el que se aborda el papel de la ciencia ficción, el terror y las narrativas especulativas como resistencia frente al liberalismo del olvido. Se trata, en definitiva, de interrogar a nuestro presente desde la potencia que las ideas y los libros pueden convocar en un espacio compartido de estudio, debate y disfrute.