Celebrada el 10 may 2019
Perceptual Geography [Geografía de la percepción] es un proyecto del artista y músico holandés Thomas Ankersmit basado en las investigaciones de la compositora norteamericana Maryanne Amacher (Kane, Pensilvania, EE. UU., 1938- Rhinebeck, Nueva York, EE. UU., 2009) que busca dotar de tridimensionalidad a los fenómenos sonoros a través de su distribución en el espacio. Su título, tomado de un conocido artículo publicado por Amacher en 1979, alude a la dimensión física y espacial que la compositora evocaba en sus conciertos concebidos como paisajes, geografías en las que los distintos sonidos se desplegaban por la arquitectura como si de personajes de una narrativa se tratase, encontrándose, cruzándose y solapándose.
Ankersmit y Amacher se conocieron en la escuela de arte Bard College, al norte de la ciudad Nueva York en el año 2000, y a partir de entonces coincidieron varias veces en Berlín. En palabras del primero, Amacher “esculpía la música” en el espacio de sus conciertos, lo que la convertía en un referente fundamental de la arquitectura aural, ámbito centrado en cómo la percepción espacial se conforma mediante la escucha y no tanto en diseñar arquitecturas con una determinada función acústica. La fórmula del “concierto-instalación”, como la define Ankersmit, permitió a Amacher explorar de manera exhaustiva no tanto los sonidos en sí, que eran en su mayoría sencillos y rudimentarios, sino las formas de experiencia sonora en distintos lugares y condiciones. Los sonidos de sus espectáculos podían provenir de detrás de una puerta cerrada o de la habitación contigua, haciendo de las arquitecturas una extensión de los altavoces.
Estas investigaciones orientadas a profundizar en modos de escucha activa se sitúan en la línea de otros artistas afines, como el compositor alemán Karlheinz Stockhausen, su profesor en la Universidad de Pensilvania, o el estadounidense John Cage, con quien colaboró siendo muy joven y cuya pieza “silenciosa” 4'33" (1952) —que había supuesto para muchos autores un callejón conceptual sin salida, como describe Ankersmit, pues en ella el músico no emitía nota alguna— resultó muy estimulante para Amacher, dado que ponía el acento en el papel del oyente. Precisamente, su interés por dotar de mayor protagonismo al auditorio le llevó a explorar lo que denominaba “tonos auditivos”, inspirados por el fenómeno acústico de las “emisiones otoacústicas”: sonidos que produce el oído interno ante ciertos estímulos. De esta forma, los paisajes sonoros que Amacher concebía con cuidado y meticulosidad a través de una disposición específica de los sonidos en el espacio eran intervenidos también por los oyentes que producían sus propias emisiones en respuesta a lo que escuchaban, a modo de “contrapunto” como definía la compositora.
A lo largo de su trayectoria, Amacher desarrolló un riguroso y concienzudo corpus de trabajo en el cruce entre ciencia, música y arte, que le llevó a marcos tan dispares como el Instituto de Tecnología (M.I.T.) de Massachusetts, el instituto austriaco de arte, ciencia y nuevos medios Ars Electronica y el célebre festival neoyorkino Woodstock. Ankersmit, por su parte, retoma este legado desde su propio interés en los fenómenos acústicos y psicoacústicos, como las vibraciones o las mencionadas emisiones otoacústicas, con el objetivo de profundizar en las posibilidades de la escucha.
Con el apoyo técnico de
Laboratorio de Informática y Electrónica Musical-LIEM, Centro de Tecnología del Espectáculo-CTE, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música-INAEM
Comisariado
José Luis Espejo
Enlaces relacionados
Maryanne Amacher, “Psychoacoustic Phenomena in Musical Composition: Some Features of a Perceptual Geography” (1979), en John Zor
Maryanne Amacher en su intervención en Ars Electronica, Linz, Austria, 1989. Publicado por Additional Tones.
Barry Blesser y Linda-Ruth Salter, Questions and Answers about: Spaces Speak, Are You Listening? Experiencing Aural Architecture
Organiza
Museo Reina Sofía
Advertencia
El uso de emisiones otacústicas no es dañino para la salud, sin embargo, no se recomienda la entrada a menores de 13 años
Participantes
Thomas Ankersmit (Leiden, Países Bajos, 1979) es músico y artista sonoro con residencia entre Berlín y Ámsterdam. Su trabajo, de un intrincado detallismo, provoca una intensa experiencia física y espacial gracias al uso de emisiones otacústicas e infrasonidos. Trabaja habitualmente con el sintetizador Serge, desarrollado por Serge Tcherepnin, quien diseño instrumentos para Maryanne Amacher. Colabora habitualmente con otros músicos como los estadounidenses Phill Niblock y Kevin Drumm, o el italiano Valerio Tricoli.
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Más actividades
Hacer es saber. Bordando la memoria
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Hacer es saber. Bordando la memoria es una actividad dirigida a grupos de mujeres que participan en programas de espacios de igualdad. Consiste en un breve recorrido por la exposición Maruja Mallo. Máscara y compás y un taller plástico, donde, a través de una selección de obras de la artista gallega, las participantes dialogan y reflexionan mientras crean.
Durante la sesión se aprende a bordar sobre papel, utilizando el bordado sobre fotografía como herramienta creativa para dar voz a la memoria. A través de la exploración de puntos básicos, como flores, tallos, hojas y formas geométricas, se intervienen imágenes del pasado con color, textura y significado. El taller propone, de esta manera, un diálogo simbólico con la obra de Maruja Mallo y su reivindicación de la cultura popular, al mismo tiempo que sirve como inspiración para las propias creaciones de las participantes.
Manuel Correa. La forma del presente
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La forma del presente es una película documental que trata los desafíos y paradojas de la memoria, la reparación y la justicia posconflicto. El filme propone una mirada desafiante e interrogadora hacia el conflicto armado que enfrentó, durante más de sesenta años, al Estado colombiano, a las guerrillas y a grupos paramilitares, y que dejó millones de víctimas en el país. La proyección está programada por el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción y cuenta con presentación y coloquio con el autor Manuel Correa.
La trama de la película recorre las consecuencias de los acuerdos de paz firmados en 2016 entre el Estado colombiano y la guerrilla de las FARC, a partir de la mirada de varias de sus víctimas. La película fue grabada justo después de la firma, en un momento en el que aún no se tenía claro qué sucedería en el país, por lo que múltiples grupos especulan dentro de la narración. Correa utiliza el potencial de las imágenes, la memoria visual y corporal, la ficción y la reescenificación como herramientas para la comprensión del conflicto, la memoria y la sanación, así como para el logro de una paz justa que reconozca y recupere a todas las víctimas.
Esta actividad se enmarca en la investigación impulsada por el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción que desarrolla la Dirección y el Centro de Estudios del Museo. Este grupo anual propone repensar, desde una perspectiva tanto teórico-crítica como histórico-artística, el complejo entramado de conceptos y ejercicios que operan bajo la noción de pacifismo. Este término no solo convoca una multiplicidad de prácticas que van desde el antimilitarismo y los movimientos antibélicos hasta la militancia por la no violencia, sino que también abre debates candentes en torno a la violencia, la justicia, la reparación o la deserción.
En este marco, el visionado busca reflexionar sobre las proposiciones de la justicia transicional y antipunitiva, y su intersección con las prácticas artísticas y audiovisuales, especialmente en conflictos que han supuesto violaciones graves de los derechos humanos. El rol desempeñado en estos conflictos por las producciones audiovisuales plantea múltiples desafíos y debates éticos, estéticos y políticos. Entre ellos, los relativos a los límites de la representación, al problema de la revictimización o a los riesgos que entraña el compromiso artístico con la justicia; cuestiones que se abordan en el coloquio posterior a la proyección.
Francisco López & Barbara Ellison
Jueves 11 de diciembre, 20:00 h
La tercera jornada del ciclo reúne a dos referentes internacionales del arte sonoro en una misma velada, con dos performances independientes que dialogan en su proximidad. Barbara Ellison abre la noche con una propuesta centrada en lo perceptivamente ambiguo y lo fantasmático, donde voces, sonidos y materiales se transforman en presencias espectrales.
Tras ella, Francisco López, el artista sonoro español de mayor proyección internacional, presenta una de sus inmersiones radicales en la escucha profunda. Su propuesta es una invitación a sumergirse en la materia del sonido como experiencia transformadora.
Esta doble cita plantea un encuentro entre dos artistas que, desde perspectivas diferentes, comparten una misma búsqueda: la de abrir el oído hacia territorios donde lo sonoro se convierte en fuerza poética y en espacio de resistencia.
¡Viva el L’Abo! Celuloide y activismo
4, 5, 6 DIC 2025
Esta tercera entrega de Los Comunes del Cine, un proyecto de investigación, programación y edición dedicado a explorar cómo el cine articula comunidades interpretativas, fomenta el debate colectivo e idea propuestas para el espacio común, presenta a L’Abominable, laboratorio cinematográfico independiente gestionado por artistas y cineastas fundado en 1996 en la periferia de París. El programa se articula en tres sesiones: una conferencia-taller sobre L’Abominable a cargo de los cineastas Pilar Monsell y Camilo Restrepo, una sesión de cortos en 16mm producidos en L’Abominable y, por último, la proyección del largometraje Une île et une nuit [Una isla y una noche], realizado por el colectivo Les Pirates des Lentillères.
Conocida por el diminutivo L’Abo, el laboratorio gestionado por artistas nace como respuesta a la desaparición de infraestructuras para el trabajo artesanal en celuloide. Su vocación es ofrecer a la comunidad creativa un espacio autogestionado en el que producir, revelar y proyectar películas en formatos analógicos como Super 8, 16mm y 35mm. Partiendo de este fundamento, L’Abominable promueve la experimentación estética y política del cine analógico frente a la hegemonía digital.
Más allá de una simple herramienta de trabajo, L'Abominable se ha convertido en un espacio de intercambios artísticos y sociales que han tejido una comunidad. Se caracteriza, por ejemplo, por dotar a la técnica de una dimensión poética, ya que es la misma comunidad la que fabrica sus propios dispositivos fílmicos. También por situar en el centro a la pedagogía, puesto que son cineastas y artistas quienes se forman entre sí. Busca, asimismo, una apertura a todos los lenguajes experimentales en torno al celuloide, como la instalación y la performance fílmica, a la vez que constituye un lugar de preservación y conservación de la historia de este medio.
L'Abominable es un ejemplo de cómo, en plena era digital, artistas y cineastas recuperan la cinematografía y reivindican todo el proceso de producción. Esta autonomía inventa rutas alternativas a la industria, al mismo tiempo que genera nuevas herramientas, desarrolla otras formas de expresión y explora territorios desconocidos del cine.
Lo freak como metodología
Jueves 4 de diciembre, 17:30 h
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta primera sesión explora lo freak como metodología, una forma de acercarse al cine y al museo desde la experimentación, la anomalía y la desviación de los cánones establecidos. El cine se entiende como un espacio de ensayo, donde imágenes, sonidos y narrativas se desajustan para abrir otras formas de lectura crítica, cuestionar las normas y poner en tensión lo establecido. En este marco, el grupo acuerda partir del disenso como punto de arranque y formula una primera pregunta: ¿qué monstruos habitan ya la institución?Buenos días España muestra cómo la Hermandad de Antiguos Caballeros Legionarios de Barcelona repite cada domingo sus rituales y disciplinas militares, lo que evidencia cómo estas prácticas mantienen vivas ideologías de extrema derecha. La pieza activa el tipo de mirada y de tensión que interesa al grupo, y abre la conversación hacia cómo lo abyecto puede habitar en la aparente normalidad.