Celebrada el 10 may 2019
Perceptual Geography [Geografía de la percepción] es un proyecto del artista y músico holandés Thomas Ankersmit basado en las investigaciones de la compositora norteamericana Maryanne Amacher (Kane, Pensilvania, EE. UU., 1938- Rhinebeck, Nueva York, EE. UU., 2009) que busca dotar de tridimensionalidad a los fenómenos sonoros a través de su distribución en el espacio. Su título, tomado de un conocido artículo publicado por Amacher en 1979, alude a la dimensión física y espacial que la compositora evocaba en sus conciertos concebidos como paisajes, geografías en las que los distintos sonidos se desplegaban por la arquitectura como si de personajes de una narrativa se tratase, encontrándose, cruzándose y solapándose.
Ankersmit y Amacher se conocieron en la escuela de arte Bard College, al norte de la ciudad Nueva York en el año 2000, y a partir de entonces coincidieron varias veces en Berlín. En palabras del primero, Amacher “esculpía la música” en el espacio de sus conciertos, lo que la convertía en un referente fundamental de la arquitectura aural, ámbito centrado en cómo la percepción espacial se conforma mediante la escucha y no tanto en diseñar arquitecturas con una determinada función acústica. La fórmula del “concierto-instalación”, como la define Ankersmit, permitió a Amacher explorar de manera exhaustiva no tanto los sonidos en sí, que eran en su mayoría sencillos y rudimentarios, sino las formas de experiencia sonora en distintos lugares y condiciones. Los sonidos de sus espectáculos podían provenir de detrás de una puerta cerrada o de la habitación contigua, haciendo de las arquitecturas una extensión de los altavoces.
Estas investigaciones orientadas a profundizar en modos de escucha activa se sitúan en la línea de otros artistas afines, como el compositor alemán Karlheinz Stockhausen, su profesor en la Universidad de Pensilvania, o el estadounidense John Cage, con quien colaboró siendo muy joven y cuya pieza “silenciosa” 4'33" (1952) —que había supuesto para muchos autores un callejón conceptual sin salida, como describe Ankersmit, pues en ella el músico no emitía nota alguna— resultó muy estimulante para Amacher, dado que ponía el acento en el papel del oyente. Precisamente, su interés por dotar de mayor protagonismo al auditorio le llevó a explorar lo que denominaba “tonos auditivos”, inspirados por el fenómeno acústico de las “emisiones otoacústicas”: sonidos que produce el oído interno ante ciertos estímulos. De esta forma, los paisajes sonoros que Amacher concebía con cuidado y meticulosidad a través de una disposición específica de los sonidos en el espacio eran intervenidos también por los oyentes que producían sus propias emisiones en respuesta a lo que escuchaban, a modo de “contrapunto” como definía la compositora.
A lo largo de su trayectoria, Amacher desarrolló un riguroso y concienzudo corpus de trabajo en el cruce entre ciencia, música y arte, que le llevó a marcos tan dispares como el Instituto de Tecnología (M.I.T.) de Massachusetts, el instituto austriaco de arte, ciencia y nuevos medios Ars Electronica y el célebre festival neoyorkino Woodstock. Ankersmit, por su parte, retoma este legado desde su propio interés en los fenómenos acústicos y psicoacústicos, como las vibraciones o las mencionadas emisiones otoacústicas, con el objetivo de profundizar en las posibilidades de la escucha.
Con el apoyo técnico de
Laboratorio de Informática y Electrónica Musical-LIEM, Centro de Tecnología del Espectáculo-CTE, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música-INAEM
Comisariado
José Luis Espejo
Enlaces relacionados
Maryanne Amacher, “Psychoacoustic Phenomena in Musical Composition: Some Features of a Perceptual Geography” (1979), en John Zor
Maryanne Amacher en su intervención en Ars Electronica, Linz, Austria, 1989. Publicado por Additional Tones.
Barry Blesser y Linda-Ruth Salter, Questions and Answers about: Spaces Speak, Are You Listening? Experiencing Aural Architecture
Organiza
Museo Reina Sofía
Advertencia
El uso de emisiones otacústicas no es dañino para la salud, sin embargo, no se recomienda la entrada a menores de 13 años
Participantes
Thomas Ankersmit (Leiden, Países Bajos, 1979) es músico y artista sonoro con residencia entre Berlín y Ámsterdam. Su trabajo, de un intrincado detallismo, provoca una intensa experiencia física y espacial gracias al uso de emisiones otacústicas e infrasonidos. Trabaja habitualmente con el sintetizador Serge, desarrollado por Serge Tcherepnin, quien diseño instrumentos para Maryanne Amacher. Colabora habitualmente con otros músicos como los estadounidenses Phill Niblock y Kevin Drumm, o el italiano Valerio Tricoli.
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![Miguel Brieva, ilustración de la novela infantil Manuela y los Cakirukos (Reservoir Books, 2022) [izquierda] y Cibeles no conduzcas, 2023 [derecha]. Cortesía del artista](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ecologias_del_deseo_utopico.jpg.webp)
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Más actividades
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En esta visita-taller las familias pueden explorar el universo vibrante y sorprendente de Maruja Mallo (Viveiro, 1902 - Madrid, 1995) a través de un recorrido lúdico y sensorial. Por medio de juegos, historias, curiosidades y retos de observación las personas participantes exploran una época de grandes cambios y descubren el modo en el que artistas como Mallo utilizaban el arte como forma de materializar sus sueños de futuro. A partir de la observación activa de algunas de las obras de la exposición Maruja Mallo. Máscara y compás, se descubre asimismo la fascinación de la artista por la ciencia, la naturaleza, las diferentes culturas del mundo o la fantasía de un universo existente más allá de la realidad percibida por los sentidos.
Christian Nyampeta y la École du soir
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Esta segunda entrega de Los Comunes del Cine, un proyecto de investigación, programación y edición dedicado a explorar cómo el cine articula comunidades interpretativas, fomenta el debate colectivo e idea propuestas para el espacio común, se articula en torno a tres sesiones con el artista, músico y cineasta ruandés Christian Nyampeta y la Ècole du soir. El programa comienza con una primera sesión en la que se proyectan diferentes trabajos en v ídeo del autor; la segunda sesión propone un diálogo abierto sobre los procesos creativos de la Ècole du soir y, como cierre, la proyección del filme seleccionado por el artista, Guelwaar (1992) de Ousmane Sembène.
El trabajo de Christian Nyampeta aborda pedagogías y formas comunitarias de producción y transmisión del conocimiento. Su Ècole du soir (la escuela de la tarde) es un proyecto artístico concebido como un espacio móvil de aprendizaje colectivo. El nombre rinde homenaje a Ousmane Sembène (1923-2007), pionero del cine africano, quien definía sus películas como una «escuela vespertina» para el pueblo, un medio de educación y emancipación a través de la cultura.
Este artista ruandés afincado en New York utiliza el arte y los museos para generar espacios de encuentro y aprendizaje comunes, preexistentes a los modelos de educación colonial. A través de referentes de la cultura popular como el cómic, la música y el cine, Christian Nyampeta desarrolla dinámicas y espacios donde entablar experiencias que reparan las heridas de la diáspora y sus consecuencias. Su trabajo consiste en recuperar, hacer visible y sanar, a través de un proceso pedagógico y artístico, las brechas sociales del pueblo africano. Junto a Ècole du soir desarrolla creaciones sin autor y utiliza el legado contraetnográfico del novelista y cineasta Ousmane Sembène como herramienta de deconstrucción de la visión occidental de África.
DES/ARRAIGO
11, 12, 13, 14, 15, 16 NOV 2025
El Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) lanzan la convocatoria para la edición 2025 de la School of Common Knowledge (Escuela de los conocimientos comunes), que se celebra del 11 al 16 de noviembre en Madrid y Barcelona.
El proyecto School of Common Knowledge (SCK) surge de las experiencias, redes y saberes de L’Internationale, una confederación de museos, organizaciones artísticas y universidades que busca reimaginar y practicar el internacionalismo, la solidaridad y la comunalidad dentro del sector cultural. Este año, el programa de la SCK aborda el campo de fricciones interpretativas que las nociones de arraigo y desarraigo abren en el marco de los desafíos —coloniales, migratorios y ecológicos— actuales.
Tomando como punto de partida el legado del Glossary of Common Knowledge y el actual programa europeo Museum of the Commons, la SCK invita a las personas participantes a reflexionar sobre el poder del lenguaje para configurar nuestra comprensión del arte y la sociedad, a través de metodologías de coaprendizaje. Su ambición es ser a la vez nómada y situada, abordando situaciones culturales y geopolíticas específicas, a la vez que se exploran sus relaciones e interdependencias con el resto del mundo.
En este presente marcado por el militarismo y la guerra, la criminalización de la migración y el hiperidentitarismo, los conceptos de pertenencia y no-pertenencia se vuelven inestables, demandando una reflexión colectiva que podría partir de las siguientes preguntas:
¿Cómo podemos reformular el sentido y la práctica de pertenencia a un contexto alejándonos de los reductivos paradigmas nacionalistas o de la violencia del desplazamiento? ¿Cómo sostener críticamente el entrelazamiento entre las rutas coloniales y las raíces culturales de las que formamos parte? ¿Qué hacemos con los legados tóxicos que heredamos, y con las genealogías y prácticas emancipadoras con las qué elegimos alinearnos? ¿Puede una práctica renovada de arraigo planteada a través de la construcción de coaliciones desde la afinidad formar parte de un proceso de desidentificación? ¿Qué geografías —culturales, artísticas, políticas— designan estas prácticas de descentramiento, (des)arraigo, (no)pertenencia y (des)alineamiento?
Partiendo de estos planteamientos, el programa de la escuela incluye una serie de visitas a iniciativas cuya práctica aborda estas cuestiones desde una perspectiva situada (como Museo Situado, Paisanaje o La Cocina del MACBA, entre otras); exposiciones y proyectos en curso (Proyectar un planeta negro: El arte y la cultura de Panáfrica); una conferencia inaugural a cargo de Stefano Harney y Fred Moten, así como sesiones diarias de lectura y debate, sesiones de cosecha editorial y momentos de convivencia colectiva.
Residencias Joaquim Jordà 2025
Viernes 7 de noviembre, 19:00 h
En esta actividad, los galardonados de la convocatoria 2024-2025 de las Residencias Joaquim Jordà, María Aparicio (Argentina, 1992) y Andrés Jurado (Colombia, 1980), presentan sus proyectos en relación con su corpus artístico. Una sesión abierta en la que descubrir los intereses creativos de dos de los cineastas independientes más prometedores de América Latina en la actualidad.
María Aparicio presenta el proceso de trabajo de su película De sol a sol, que acompaña a su vez con un breve recorrido por las películas que anteceden el proyecto y las búsquedas cinematográficas que viene realizando en los últimos años. Aparicio sintetiza el argumento de De sol a sol a partir de las siluetas de un grupo de hombres que asoman entre las ramas de un cañaveral. El sol sobre sus cuchillos produce destellos que aparecen y desaparecen según el movimiento de sus manos; los aprendices fraccionan las cañas sin un método, los experimentados cortan con destreza. Son trabajadores de un ingenio azucarero del norte argentino y quien los mira es Juan Bialet Massé, acompañado por Rosich, asistente y fotógrafo. Es la Argentina de 1904 y ese hombre cumple una misión que el gobierno de su país le encomendó: recorrer las provincias argentinas para revelar el estado de las clases trabajadoras.
Por su parte, durante la sesión, Andrés Jurado realiza un recorrido por sus trabajos y los de La Vulcanizadora, su productora. Asimismo, abre el archivo del proceso de investigación del proyecto Tonada, un viaje por la espiral de las traiciones a los acuerdos de paz en la historia de Colombia. Desde la época colonial, entendida como una turbulencia, un huracán que todavía sigue girando, hasta los tiempos actuales, rastrea las historias de quienes, como Tacurrumbí, Benkos Biohó, Bateman y tantas mujeres y hombres fueron traicionados por gobiernos y opresores. La película busca construir un diálogo sonoro y cinematográfico entre el desarme guerrillero de 1953 y el periodo posterior al acuerdo de paz de 2016. Tonada conjura este y otros acontecimientos y enfrenta los traumas de la traición a través de una composición cinematográfica pensada para ser cantada. ¿Y qué canta? En esta presentación se escuchan algunos de estos cantos y se comparten algunas voces.
Las Residencias Joaquim Jordà son un programa de estancias para cineastas y artistas iniciado por el Museo Reina Sofía en el año 2022. La iniciativa consiste en una beca para la escritura de un proyecto fílmico de carácter experimental y ensayístico, así como dos estancias posteriores en FIDMarseille y Doclisboa, dos festivales internacionales dedicados a explorar el cine de no-ficción y las nuevas formas de expresión en el audiovisual.
Ylia & Marta Pang
Jueves 6 de noviembre, 20:00 h
El encuentro entre la productora y DJ española Ylia y la artista visual Marta Pang se presenta como un estreno en el Museo Reina Sofía. Ambas creadoras llegan desde trayectorias distintas para dar forma a un proyecto nuevo concebido específicamente para este ciclo. Ciclo que tiene como objetivo crear nuevos proyectos escénicos a partir de la fricción entre artistas y el diálogo entre disciplinas.