Joan Miró, Le lézard aux plumes d’or, detalle, 1971
Fundació Joan Miró. © Successió Miró, 2024
Celebrada el 24 oct 2024
El programa Documentos está dedicado a las relaciones entre el arte y la actividad editorial, abordando temas como los efectos del archivo en las narraciones de la historia del arte, el libro de artista o la edición como práctica artística. En esta nueva entrega se examina una faceta poco tratada de la trayectoria de Joan Miró: su vocación poética y la influencia de la poesía en su obra. La actividad consiste en una mesa redonda, dirigida por los especialistas Olvido García Valdés, María González Menéndez y Carlos Martín García, que se centra en el análisis de un texto poético del propio Miró, considerado como un posible manifiesto de su obra artística. Las intervenciones de estos expertos se alternan con la lectura, a cargo de Alberto Chessa, de este poema y otros fragmentos de textos los cuales destacan el interés de Miró por la práctica de la poesía.
El texto poético que da lugar a esta actividad acompañó a Miró a lo largo de toda su trayectoria. Originalmente concebido entre 1936 y 1939, en el contexto de la guerra civil española, fue parte de un proyecto para un libro de artista que no llegó a realizarse en su forma original. A pesar de ello, Miró nunca se desprendió de aquel propósito, que trascendió su origen hasta convertirse en un ejemplo de texto resistente: en 1971 el poema resurgió con la materialización de los libros de artista Le Lézard aux plumes d’or [El lagarto de plumas doradas] y Ubú aux Baléares [Ubú en Baleares], en los que el artista reescribió aquel texto inicial. En él, ejercita la escritura automática encadenando por similitud sonora palabras que desarrollan un relato imposible. El texto combina la ternura cruda de Paul Éluard, las imágenes dúplices de Guillaume Apollinaire o los guiños de naturaleza sexual de Alfred Jarry. Ese extraordinario documento es el que mejor revela de qué modo Miró pasó décadas luchando con el mismo poema sin lograr desprenderse de él. Escrito en francés y traducido al español por Juan Gabriel López Guix, el poema está compuesto por varias suites, que en el libro son interrumpidas por elementos visuales que se proyectan durante esta actividad de Documentos 29.
Durante la actividad, la lectura de este poema se acompaña de un texto anterior que tiene un carácter programático y donde se percibe la génesis de esa singular vocación poética: una carta que Miró dirigió al escritor y poeta Michel Leiris en 1924, donde además de confesar su deseo de apropiarse de la práctica de la poesía para convertirla en la base de su trabajo pictórico, agradecía a los poetas por haberle brindado de nuevos medios de expresión y enfoques creativos, más allá de la pintura. Aquella misiva, en la que ofrece una suerte de poética inconclusa, desvela aspectos relacionados con su abordaje de la poesía, esencial para un artista que encontró en el texto una manera de “asesinar la pintura”; pero también un ulterior desafío, pues, como escribió: “Estoy de acuerdo con Breton cuando habla del carácter extremadamente turbador de una página de escritura”.
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Alberto Chessa es escritor, traductor y locutor. Es autor de seis libros de poesía que han merecido diversas distinciones; el último, titulado Palabras para luego, se publicará próximamente en la editorial Huerga & Fierro. Es responsable, asimismo, de un volumen ensayístico sobre el cineasta Theo Angelopoulos (Círculo de Bellas Artes, 2015) y del libro de aforismos (Cypress, 2021). Como traductor, su última publicación es una versión de Doce sonetos de la portuguesa, de Elizabeth Barrett Browning (Balduque, 2022). En cuanto a la locución, ha puesto su voz a un buen número de creaciones publicitarias, documentales y artefactos divulgativos como la audioguía de la Alhambra de Granada o los cursos en línea de la Fundación Telefónica para el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía de Madrid.
Olvido García Valdés es poeta y ensayista. Entre otros, ha recibido el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana 2022, el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda 2021 y el Premio Nacional de Poesía 2007 por su libro Y todos estábamos vivos (Tusquets, 2006). Otros de sus libros son Esa polilla que delante de mí revolotea. Poesía reunida (1982-2008) (Galaxia Gutenberg, 2008), Lo solo del animal (Tusquets, 2012), confía en la gracia (Tusquets, 2020), dentro del animal la voz. Antología 1982-2012 (Cátedra, 2020), La caída de Ícaro (Antología conmemorativa, Universidad de Salamanca, 2022), y Entre 2001 y 2006. En el curso de ‘Y todos estábamos vivos’ (Péñola Blanca. Fundación César Manrique, 2024). Es asimismo autora del ensayo biográfico Teresa de Jesús (Omega, 2001) y de numerosos textos para publicaciones sobre artes plásticas, encontrándose entre los artistas sobre los que ha escrito Zush, Anselm Kiefer, Vicente Rojo, Antoni Tàpies, Juan Soriano o José Manuel Broto, entre otros.
María González Menéndez es comisaria de exposiciones y experta en museografía. Doctora en Historia del Arte por la Universidad de La Sorbonne de París y premio extraordinario de investigación Pilar Juncosa & Sotheby’s por la Fundación Pilar i Joan Miro à Mallorca, su trabajo se ha focalizado en la obra de Joan Miró, sobre quien ha publicado varios artículos especializados. Durante los últimos años ha comisariado diversas exposiciones en Francia y ha trabajado en instituciones como el Museo Nacional de Arte Moderno - Centre Pompidou y la Réunion des musées nationaux - Grand Palais (RMN-GP) en calidad de directora de proyectos de exposición.
Carlos Martín García es historiador del arte, comisario de exposiciones y traductor. Ha ejercido como conservador jefe de artes plásticas en Fundación Mapfre y ha trabajado en instituciones como la Peggy Guggenheim Collection de Venecia o la Colección Banco de España. Entre sus exposiciones comisariadas recientes se cuentan: Miró Poema (Fundación Mapfre, 2021); Leonora Carrington. Revelación (Arken Museum, Copenhague y Fundación Mapfre, Madrid, 2022-2023); y RE-FORM. ¿Nos someten las imágenes? Colección “La Caixa” de arte contemporáneo (Museo Rath – Musée d’Art et d’Histoire, Ginebra, prev. 2024). Es asimismo editor del libro Cajal. El arte de la ciencia (La Fábrica, 2024).
Isabel Navarro Cerdán es autora de Inane (Ediciones Complutense. Premio de Poesía Blas de Otero 2007); del poemario Cláusula suelo (Huerga y Fierro, 2017) y del ensayo sobre Rosalía y el feminismo titulado Siete fragmentos sobre la ira femenina y 'hacer cuerpo' con el deseo en 'El mal querer' (Errata Naturae). Sus poemas han sido traducidos al inglés y al francés y se han publicado en revistas especializadas como Nayagua o Axolotl Magazine. Entre 2020 y 2021 creó y dirigió el festival Fem Plural de teatro, música, humor y pensamiento feminista. Ha realizado estudios de Doctorado en Filología Inglesa en la U. Complutense y fue profesora visitante de la Universidad Anáhuac de Xalapa (México). Desde 2024 es presidenta de Genealogía, asociación feminista de mujeres poetas.
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.