Charles Ray. School Play, 2014. © Charles Ray, Courtesy Matthew Marks Gallery
Celebrada el 28 mar 2019
La obra de Charles Ray (Chicago, 1953), uno de los escultores más reconocidos por la crítica especializada, aborda la cualidad fantasmagórica de lo real. Partiendo de un cuestionamiento del hecho escultórico, el artista traduce vivencias cotidianas, recuerdos y sujetos contemporáneos a la estatuaria, incidiendo en las relaciones físicas y psicológicas que surgen del encuentro entre la obra y el espectador. En esta conferencia, el artista revisa la historia de la escultura, desde la Antigüedad clásica hasta nuestros días, a la luz de su propia práctica, basada en el anhelo de dotar de forma sólida a lo fugaz.
Su obra arranca a mediados de la década de 1970, explorando las relaciones entre cuerpo, tiempo y espacio. En pocos años, comienza a desestabilizar el orden minimalista, dominante por entonces, a través de sutiles juegos de equilibrio en cubos y otras formas geométricas. Si bien su trabajo es difícil de clasificar, son sin duda las esculturas figurativas que comienza a producir a partir de la década de 1980 en adelante las más representativas de su trayectoria. En ellas apreciamos figuras naturalistas, pero abstractas a su vez gracias al halo de irrealidad y alucinación que poseen, ya sea por una escala sobredimensionada que condiciona su percepción, por un realismo sorprendente que conduce a equívocos o por sutiles elementos discordantes.
La práctica de Ray se ha interpretado como un cruce entre lo contemporáneo y lo intemporal. De hecho, las referencias a la historia de la escultura son continuas en su trabajo, que parte del deseo de vincularse a la tradición y quedar, al mismo tiempo, suspendido en el presente. Del grueso de esta tradición, el artista se muestra especialmente fascinado por el periodo de la Grecia arcaica: “(…) la figura del kuros griego era uno de los pocos objetos suaves en un mundo salvaje. ¿Hay un equivalente hoy? Miguel Ángel dijo que una gran escultura debe sobrevivir cuando es lanzada desde una colina sin que se rompan sus extremidades. Si lo entendemos literalmente estamos perdidos. Pero nos podemos preguntar ¿cuál es esa colina hoy? Pienso que la colina de la que habla Miguel Ángel se refiere a nuestras convenciones culturales aceptadas”.
La escultura de Charles Ray trata sobre la cualidad fantasmagórica de lo real. Vivencias cotidianas, recuerdos y experiencias biográficas son traducidos de manera realista a la estatuaria. Esta conferencia se centra en dichas convenciones para contrastarlas con la interpretación de la historia de la escultura que Charles Ray desarrolla en su obra.
Sobre Charles Ray
Artista (Chicago, 1953). Ha expuesto en la Documenta IX (1992), en las Bienales de Venecia de 2003 y 2013, y en cinco ediciones de la Bienal del Whitney Museum of American Art de Nueva York. Asimismo, numerosas instituciones le han dedicado muestras retrospectivas como, entre otras, la American Academy en Roma (2018), The Art Institute de Chicago (2015), la Kunstmuseum de Basilea (2014), el mencionado Museum of American Art de Nueva York, el Museum of Contemporary Art (MCA) de Chicago y el Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles (1998). Es profesor emérito del Departamento de Arte de UCLA (Universidad de California en Los Ángeles).
En colaboración con
Organiza
Museo Reina Sofía
Más actividades
Por primera vez, el cine
7 y 14 de junio, 2026 – 12:00 h
La última sesión de esta temporada de Proyector de Luna contempla la sensación del cine por primera vez. El cine como revelación, magia, fantasía y misterio desde la primera mirada, ese primer contacto con el medio como imaginario grabado en la retina de la infancia. A través de dos de sus hitos, el programa muestra Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl, el primer dibujo animado de la historia, y Cien niños esperando un tren (1988) de Ignacio Agüero, un largometraje sobre el juego y los orígenes del cine.
Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl (Paris, 1857- Villejuif, 1938) es la primera expresión de la historia de un dibujo animado. Émile Cohl fue un ilustrador perteneciente al grupo artístico parisino Arts incohérents (1882-1895), de talento absurdo y surrealista. Si los hermanos Lumière consiguieron levantar de sus butacas a los espectadores que veían cómo un tren se aproximaba a ellos en 1895, Fantamagorie es una experiencia supraterrenal, como la aparición de un espíritu, pero al mismo tiempo inocua y divertida. Lo inanimado cobra vida de la nada y las figuras se mueven por primera vez sin aparente sentido. La animación se relaciona desde el primer momento con la caricatura, la fabulación y lo cómico, un lugar propicio para la ensoñación del público más joven.
Del descubrimiento de un imaginario nuevo surgido de la línea animada hasta el conocimiento del mundo a través de una pantalla. Cien niños esperando un tren (1988) del chileno Ignacio Agüero (Santiago, 1952) narra el descubrimiento del cine por un grupo de menores en un taller sobre los orígenes de este medio en una humilde localidad a las afueras de Santiago de Chile. El juego, la diversión y el aprendizaje se unen a la fascinación por las imágenes. La visión de Fantasmagorie (1908)de Émile Cohl en este taller se transforma en un acto de libertad.
Para transformar los papeles y guardar la memoria
Viernes 5, sábado 6 y martes 9 de junio, 2026 - 18:00 H
En el marco del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), Museo Tentacular colabora con el artista salvadoreño Jose Campos (La Paz, 1986), conocido como Studio Lenca, en la realización de talleres colaborativos a lo largo de 2026 en torno a la producción de materiales y herramientas artísticas para las luchas sociales del presente. Estos talleres proponen activar y producir elementos que acompañen en el Picnic del barrio de 2026.
El Picnic del barrio es un encuentro organizado junto con la asamblea de Museo Situado, donde el Jardín del Museo se torna plaza pública y se celebran y reivindican las luchas de Lavapiés a través de talleres, conciertos, activaciones políticas, olores, colores y sabores que toman el Museo desde el barrio. En 2026, el eje central que articula el Picnic es la campaña del movimiento Regularización Ya, que defiende el proceso de regularización de personas migrantes en situación administrativa irregular en España. Como preparación del Picnic, estos talleres con Studio Lenca están dirigidos a personas interesadas en la producción de imágenes, objetos y narrativas relacionadas con la lucha del barrio por una vida digna y el proceso de regularización en curso.
Jose Campos se nutre de su propia biografía para su producción artística, marcada por la migración desde El Salvador a Estados Unidos, y de allí al Reino Unido. Así, estos encuentros proponen la construcción de vasijas, objetos que suelen utilizarse para contener líquidos o alimentos, pero que aquí sirven para guardar historias de vida. Partiendo del trabajo con material reciclado procedente de documentos y recortes aportados por residentes del barrio y el Museo, el papel se transforma en un objeto portador de memorias e historias de vida. De esta forma, se resignifica su materialidad para construir colectivamente unos vasos que guardan, hablan, recuerdan y muestran el derecho de las vecinas y vecinos a una vida digna.
Mirar de cerca. De visu
Martes 9 de junio, 2026 - 12:00 h
El 26 de mayo de 1986 se inauguraba el Centro de Arte Reina Sofía en el edificio que durante más de doscientos años había sido sede del Hospital General, restaurado en gran medida por el arquitecto Antonio Fernández Alba. Con motivo del cuarenta aniversario de esta apertura, el Archivo Central propone una serie de activaciones de sus fondos; entre ellas, este taller donde se presentan algunos documentos que sirven para desplegar visual y textualmente los inicios de la institución.
Esta selección de documentación, producida por el Museo Reina Sofía y conservada en su Archivo Central, incluye fotografías, planos y otros documentos que testimonian la transformación arquitectónica y funcional del edificio: desde su uso como hospital a su adaptación como espacio expositivo que pone en valor sus cualidades arquitectónicas y museográficas. Junto a estos materiales, se incorporan algunos fondos heredados de instituciones precedentes, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Español de Arte Contemporáneo, así como otros que testimonian importantes hitos de su historia. Un conjunto que, en definitiva, permite contextualizar la trayectoria administrativa y patrimonial que antecede al actual Museo y ofrecer una visión continuada de su desarrollo institucional.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Exilio y ajenidad
Sábado 30 de mayo y 6 de junio, 2026 - 18:00 H
Durante los años del gobierno de la Unidad Popular tres jóvenes cineastas se presentaron en las oficinas de Chile Films para presentar un proyecto de película: Marilú Mallet, Valeria Sarmiento y Angelina Vázquez. Esta sesión proyecta tres películas que recogen la experiencia de exilio de estas tres directoras. En Dos años en Finlandia, Angelina Vázquez retrata las condiciones sociales y laborales de las personas chilenas refugiadas en el país nórdico. La ficción Lentement, dirigida por Marilú Mallet, sigue a una joven exiliada chilena por los espacios de Montreal contaminados de nostalgia y rabia política. En Huellas, Valeria Sarmiento vuelve a Chile para indagar en la memoria de la violencia ejercida por la dictadura militar de Pinochet. La sesión culmina con un coloquio con las tres cineastas, reunidas por vez primera.
De Norte a Sur, de Sur a Norte
Domingo 31 de mayo y viernes 5 de junio, 2026 - Consultar horarios
Marilú Mallet recorre, como en una road movie, su Chile natal tras cuarenta años de exilio. El viaje supone una exploración del dinamismo de la identidad nacional, lo que lleva a la cineasta a volver a cuestiones ya tratadas en su propia filmografía y a buscar nuevas formas de filmar el encuentro entre un cuerpo y el paisaje.