Celebrada el 24 oct 2018
Como parte del ciclo de artes escénicas diseñado conjuntamente con Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta Arbusto Ardiente, el resultado de una residencia llevada a cabo en 2015 por Amaia Urra en el jardín paisajista del Parque Jean-Jacques-Rousseau de Ermenonville en Oise, París, donde el filósofo vivió sus últimas semanas. La pieza, uno de los últimos trabajos de esta artista, parte de la lectura y reescritura de distintos manuales de botánica para proponer una nueva catalogación de plantas que escapan a las categorías objetivables de la ciencia en favor de clasificaciones vinculadas con la cultura popular y otras lógicas semánticas, formales y afectivas. Como otras obras de Amaia Urra, esta pieza se centra en el lenguaje y la acción de nombrar las cosas, así como la dificultad que esto entraña.
Su primera performance, El Eclipse de A., realizada en 2002 en Arteleku en el marco del programa de creación artística Mugatxoan, reflexionaba sobre la espera como un estado mental y corporal inscrito en una temporalidad cotidiana a la vez que separado de ella, pues provoca una suspensión respecto al ritmo general favoreciendo la aparición de relaciones distintas. A este trabajo le siguen otros que exploran la capacidad del lenguaje para determinar la realidad y despiertan en la artista el interés por lo que sucede en los márgenes, ya sean temporalidades no productivas o palabras en desuso. La escritura, la repetición, la elaboración de listados o la búsqueda y comparación entre distintas definiciones oficiales y consensuadas por diccionarios o enciclopedias nutren un recorrido en el que la escritura, la lectura y la acción van unidas al canto, al paseo y a otras derivas, presentando situaciones que revelan, desde una actitud poética, lo que no se ve, no se oye o no se tiene en cuenta.
Todas sus acciones tienen en común una utilización sintética del lenguaje, sea hablado, cantado, leído o tarareado. En unas, como en Una vuelta-ta (2013-2016), Calles (2012-2014) o Ahora (2015-2016), se improvisa a partir de unas reglas de juego muy concretas, de variaciones mínimas que operan dentro de unos límites definidos con antelación. En otras, las llamadas por la artista “derivas de sinónimos”, el texto funciona como una partitura escrita de antemano, en las que listas de verbos como “desaparecer, aparecer, renunciar, inaugurar, caminar, pasear, tararear…” conducen a acciones literales marcadas por el significado de las palabras en el diccionario oficial del momento, pero a la vez desembocan en acciones inesperadas, improvisadas a la fuerza en el lugar.
En 2012 la acción Renuncio, realizada para el festival In-presentable en La Casa Encendida, comenzaba con la artista entonando la palabra “renuncio” en una de las salas. A continuación salía de ella, del edificio y, como quien sigue el curso de una melodía, continuaba caminando y cantando por la calle hasta meterse dentro de un taxi bajo la atenta mirada del público, testigo de cómo su presencia y su voz se perdían en la distancia. Desde entonces desarrolla acciones para contextos específicos: instituciones como museos, galerías y teatros, o espacios abiertos en la ciudad o fuera de ella.
Más que una acción, Arbusto Ardiente se presenta como una situación o un paisaje. El sonido de la voz interviene y se camufla en la vegetación, evocando escenas propias de las novelas románticas, mientras la percepción de la voz se transforma gracias a la repetición, provocando desplazamientos del sentido.
Creación y ejecución
Amaia Urra
Sonido
Rafael Martínez del Pozo
En colaboración con
Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid
Comisariado
Isabel de Naverán
Organiza
Museo Reina Sofía
Con la colaboración de
Participantes
Amaia Urra (Donostia / San Sebastián, 1974) es artista. Licenciada por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Escultura en 1998, en 2002 presenta su primera performance, El eclipse de A. producida por Arteleku en el marco del programa Mugatxoan.
Entre 1999 y 2009 vive entre París, Bruselas, Madrid y Berlín, donde trabaja con diferentes coreógrafos: Jérôme Bel, Cristina Blanco, Blanca Calvo, Juan Domínguez, María y Cuqui Jerez, Xavier le Roy y Ion Munduate.
Sus piezas se han representado en espacios, encuentros y festivales como Art nomade, encuentro internacional de performance de Saguenay (Quebec), Axeneo7 & SAW Gallery en Gatineau (Otawa), Líneas de acción en Casa Maauad (México DF), festival In-presentable de La Casa Encendida (Madrid), festival 2D2H (Fuenterrabía, Hendaya), espacio Bulegoa z/b (Bilbao), la serie Ecolalias de RSS Radio del Museo Reina Sofía (Madrid), Zarata Fest (Bilbao), el centro de cultura contemporánea Azkuna (Bilbao), la 15ª edición de las Picnic Sessions del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M, Móstoles) o la sala Héctor Escandón (México DF), entre otros.
Actualmente vive y trabaja en Donostia / San Sebastián, donde entre marzo de 2017 y febrero de 2018 dirigió el espacio Alkolea Beach, junto con Sandra Cuesta y Larraitz Torres.
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.