La utopía de la forma

Edificio Sabatini, Auditorio

Yve-Alain Bois es uno de los historiadores del arte que ha trabajado con más rigor y originalidad sobre artistas decisivos de la modernidad, como Pablo Picasso, Henri Matisse, Piet Mondrian y Barnett Newman. Su análisis introduce, sin embargo, elementos que contrarrestan el canon visual, como la presencia del cuerpo y del lenguaje en la abstracción y en la retícula moderna. En la misma línea, ha escrito sobre los asaltos y transformaciones del modelo abstracto en artistas como Mathias Goeritz, Lygia Clark o Katarzyna Kobro. A la luz de sus enfoques, esta conversación aborda las potencias y contradicciones del proyecto moderno.

Edificio Nouvel, Auditorio 200

Esta conferencia yuxtapone las obras de Katarzyna Kobro y Lygia Clark, dos artistas que concibieron el arte como un instrumento para relacionarse con el cuerpo. Según Kobro, el arte debe producir prototipos que, basados en las formas pictóricas y escultóricas, permitan ordenar la vida y la sociedad. La plenitud del individuo y del estado de bienestar también estaba en el centro de la práctica artística de Lygia Clark. Para la artista brasileña, el arte debe producir una experiencia multisensorial que permita abandonar el predominio cartesiano de nuestro pensamiento. Estas dos prácticas artísticas y su orientación hacia la realización del sujeto y la sociedad son analizadas en relación con las formas periféricas de modernidad y modernización en las que se desarrollaron.

Edificio Nouvel, Auditorio 200

En 1959, el poeta brasileño Ferreira Gullar acuña el término “no-objeto” para aludir a la obra de los artistas neoconcretos.  Este concepto, que rechazaba la autonomía de la obra de arte, fue ideado tras la influencia decisiva del crítico Mário Pedrosa, quien enfatiza en sus textos la dimensión afectiva de las formas percibidas. El “no-objeto” planteará una serie de propuestas y preguntas en torno a la relación objeto-sujeto, que transformarán profundamente el arte contemporáneo. Esta conferencia sugiere que el “no-objeto” puede plantear hoy un modo expositivo alternativo al del cubo blanco, predominante en los museos de arte moderno.

Edificio Nouvel, Auditorio 200

Fundada en el Manifiesto Antropófago (1928), de Oswald de Andrade, la antropofagia alude a la absorción y transformación (canibalización) de las influencias occidentales en la modernidad brasileña. Desde su creación en 1928 como burla al eurocentrismo y reconocimiento de la condición poscolonial brasileña, pasando por la relectura del término en los años cincuenta, su posterior reactivación en los años setenta y su uso actual en las recientes bienales de São Paulo, esta conferencia revisa qué tipo de alteridad ha producido en cada momento.

Edificio Nouvel, Auditorio 200

Esta conferencia analiza la serie A mis amigos los judíos, de Władysław Strzemiński, a partir de las teorías contemporáneas del afecto. Esta serie de diez collages incluyen fotografía documental, dibujos y textos escritos a mano. Luiza Nader trata aspectos como la culpa, la vergüenza, la empatía y el vínculo con las víctimas judías para revisar la noción de solidaridad e interpretar la obra de Strzemiński como síntoma de una crisis del humanismo y de los valores modernos.

Edificio Sabatini, Auditorio

¿Qué significa mirar el arte de los pacientes psiquiátricos para nuestra comprensión de la modernidad en Brasil? Esta conferencia explora la tesis de la psicología de la forma del crítico brasileño Mário Pedrosa. En sus primeros escritos, Pedrosa insiste en la autonomía formal y sus ideas sobre la respuesta estética fueron fundamentales para la comprensión de la abstracción geométrica durante la década de los cincuenta. Sin embargo, Kaira Cabañas plantea que, debido al apoyo del crítico brasileño a la labor creativa de los pacientes psiquiátricos de la doctora Nise da Silveira, Pedrosa articuló una comprensión de la abstracción geométrica como un lenguaje afectivo e íntimo, desbordando lo racional o puramente visual.