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21 febrero, 2014 / Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aki Kaurismäki, en conversación con Loïc Díaz-Ronda y Pilar Carrera
Esta sesión inaugural ofrece la ocasión de analizar, en compañía del cineasta, la etapa fundacional de su filmografía (1983-1996). En ésta se define un cine desde la figura irreductible del trabajador en su marginación, la tensión entre realismo y teatralidad, caracterizada por una densa trama de referencias y citas a la modernidad fílmica, el valor de lo obsoleto, en el sentido de lo pasado frente a lo actual y de un mundo objetual compuesto de mercancías sin valor, y la presencia de la literatura junto al sentido del humor.
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22 febrero, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 1. El país encantado
Bico
2004, 35mm, VOSE, 5'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Calamari Union
1985, 35mm, VOSE, 82'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, HelsinkiCon su segundo largometraje, Calamari Union, Aki Kaurismäki se lanzaba, fragmentado en 17 personalidades distintas, en la búsqueda fatal del quimérico El Dorado de la juventud finlandesa de mediados de los ochenta. Veinte años después, meditativo y sosegado, el cineasta parece haberlo encontrado en un peculiar recoveco sureño de la geografía europea que no se parece en nada a lo previsto o fantaseado. Un programa que gira en torno a la idea de tierra prometida, de inquietud y de descanso.
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28 febrero, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 2. Más allá del arcoíris
Estas botas (These boots)
1992, 35mm, VOSE, 5'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Ariel
1988, 35mm, VOSE, 73'
Distribución: Classic Films, BarcelonaA partir de los 80, Kaurismäki radiografió sin cesar la deshumanización de su país. Igual que la grotesca Estas botas, Ariel muestra la otra cara de la prosperidad europea, a través del éxodo y el descenso a los infiernos de su héroe huerfano y la esperanza de una hipotética redención más allá del arcoíris. Segunda parte de la trilogía de los trabajadores, dedicada a la "memoria de la realidad finlandesa", esta película exhibe de forma cruel y picaresca el retrato de una sociedad post-industrial fundada en el sacrificio del trabajador.
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1 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 3. Rich Little Bitch
Rich Little Bitch
1987, 35mm, VOSE, 5'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Crimen y castigo (Rikos ja rangaistus)
1983, 35mm, VOSE, 94'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, HelsinkiEl crimen como tentación o voluntad de subversión del orden social. Con su primera película, transposición contemporánea de una novela de Dostoïevski, Kaurismäki entregaba una descripción concisa de un violento dilema moral. De esta forma, el cineasta iniciaba una relación libre y espontánea con los grandes textos literarios, que culminaría unos años después con su reposición iconoclasta y anti-literaria de la tragedia shakesperiana. Rich Little Bitch es, asimismo, un furioso fragmento de odio y rock'n'roll, extraído de Hamlet Goes Business.
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7 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 4. Sé siempre humano
Rocky VI
1986, 35mm, VOSE, 9'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Hamlet va de negocios (Hamlet liikemaailmassa)
1987, 35mm, VOSE, 90'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, HelsinkiEn la peculiar estrategia de inversión de Kaurismäki, el boxeador yankee de Rocky VI recibe jocosamente la paliza en vez de darla. En nuestros despiadados tiempos el antiguo aristócrata se ha convertido en un cínico hombre de negocios, que está a punto de sumir su heredado imperio industrial en la especulación. Con lucidez y belleza formal, Kaurismäki anticipa la crisis sistémica del capitalismo financiero y sueña, acompañado de un par de arenques ahumados y una botella de vodka, la ansiada caída de la gesta imperialista occidental.
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8 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 5. El tiempo de las cerezas
La fundición (Valimo)
2007, 35mm, VOSE, 3'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
La chica de la fábrica de cerillas (Tulitikkutehtaan tyttö)
1990, 35mm, VOSE, 69'
Distribución: Classic Films, BarcelonaAbriéndose con un virtuoso ballet mecánico, La chica de la fabrica de cerillas cierra la llamada trilogía de los trabajadores mientras reaviva, de manera melodramática y macabra, el impulso nihilista de los inicios del cineasta. O cómo la alienación de la familia y del trabajo, aliada a los sueños baratos de las ficciones populares, ha liquidado la posibilidad de una verdadera cultura obrera. En el corto The Foundry, Kaurismäki reinstala el deseo genuino de los trabajadores en la fábrica y en la sala de cine, que es, según él, uno de los últimos lugares libres, donde puede correr libremente la imaginación.
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14 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 6. No te des prisa conmigo
Those Were the Days
1991, 35mm, VOSE, 5'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Sombras en el paraíso (Varjoja paratiisissa)
1986, 35mm, VOSE, 75'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, HelsinkiEn esta película, Kaurismäki expone una visión compleja de las relaciones sentimentales, como reacción a una cierta visión deformada de la felicidad. Para el personaje arquetípico de Nikander, el camino del amor esta lleno de obstáculos. Parte central de la trilogía de los trabajadores, Sombras en el paraíso contiene las notas básicas de la escala musical del cineasta. En ella, personajes nobles y marginados intentan sobrevivir y evitar el naufragio que les impone una sociedad indiferente. Quince años más tarde, en el corto Those were the days, Kaurismäki narra un flechazo amoroso en clave de realismo poético.
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15 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 7. No verás una sola lágrima
Dogs Have no Hell
2002, DVD, VOSE, 10'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Agárrate el pañuelo, Tatiana ( Pidä huivista kiinni, Tatjana)
1994, 35mm, VOSE, 63'
Distribución: Classic Films, BarcelonaLa road-movie Agárrate el pañuelo, Tatiana es una declaración de amor de Kaurismäki, desde el exilio, a los paisajes del Norte y a la idiosincracia de sus compatriotas. Torpes y desalmados, los queridos outsiders del cineasta resisten a un mundo extrañamente frío y violento, anteponiendo valores como el altruismo, la solidaridad y la dignidad. Un código de honor premoderno, basado en el humor y el pudor así como en el vaivén de las miradas y de los cuerpos, en el que las palabras y los idiomas estorban. De acuerdo a este código, en Dogs Have no Hell un hombre da un nuevo rumbo a su vida sin decir apenas una palabra.
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21 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 8. Antes de morir
Thru the Wire
1987, 35mm, VOSE, 6'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Contraté un asesino a sueldo (Lej aldrig yrkesmördare i rivningskåkar!)
1990, 35mm, VOSE, 80'
Distribución: Classic Films, BarcelonaEscapar o aislarse conduce al héroe kaurismakiano a su propia desaparición. A menudo, la muerte aguarda a sus personajes al final de la huida. En esta sesión, los códigos del cine negro proporcionan al director la herramienta para una reflexión sobre el destino trágico de los seres distintos, que la sociedad considera inútiles. En Contraté a un asesino a sueldo, el protagonista vive exiliado en una ciudad inglesa irreconocible, totalmente recreada y por lo tanto indefinida. Esta ciudad es a la vez el escenario de una tragedia y una zona de posibilidades. Como dice otra protagonista: la clase obrera no tiene tierra natal.
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22 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Carta blanca a Aki Kaurismäki
Clyde Bruckman. Fatal Glass of Beer
1933, betacam, VOSE, 20’
Distribución: Park Circus, Glasgow
Nicholas Ray. Amarga victoria ( Bitter Victory )
1957, 35mm, VOSE, 83’
Distribución: Park Circus, GlasgowAscendida a paradigma del cine de autor por Godard, Bitter Victory de Nicholas Ray es un complejo drama bélico ubicado en la campaña británica en el Norte de África durante la II Guerra Mundial. Junto a esta película, la sesión incluye el cortometraje del cómico norteamericano W.C Fields, Fatal Glass of Beer, una anárquica burla del melodrama que conecta la sesión con el recurso a la cita y parodia de los códigos dramáticos del género, así como con una particular revisión de las historias autoristas del cine, aspectos ambos característicos del propio Kaurismäki.
Celebrada el 21, 22, 28 feb, 01, 07, 08, 14, 15, 21, 22 mar 2014
Esta primera retrospectiva dedicada a Aki Kaurismäki (Orimattila, Finlandia, 1957) en un museo de arte moderno se plantea en relación a la investigación de los años 80 como orígenes de la contemporaneidad, pero sobrepasa inevitablemente este marco. Con una filmografía que es literatura y archivo de la modernidad cinematográfica a la vez, que es teatro paródico y documento realista por igual, que entronca la utopía en la impotencia o el humor en la tragedia, Kaurismäki ha ensayado un cine basado en las paradojas y espacios de fuga de la contemporaneidad.
Organizado en ocho sesiones, con una clase magistral y una carta blanca final seleccionada por el propio cineasta, cada sesión adopta el título de una canción popular empleada en la filmografía del director. Elegidas por el propio director para sus bandas sonoras, estas canciones toman la palabra en lugar de antihéroes silenciados o reprimidos. Al mismo tiempo, las sesiones articulan un diálogo entre un largometraje de esta etapa fundacional y un cortometraje, muchos de ellos recuperados, subtitulados y estrenados en cine por vez primera.[dropdown]
Frente a una realidad degradante, la principal arma del cine de Aki Kaurismäki ha sido la construcción de un espacio cinematográfico propio como ámbito de resistencia. El cineasta se ha consagrado a examinar de manera fría e indiferente los engranajes de una sociedad que actúa como una máquina demoledora del individuo. Sin embargo, Kaurismäki también ha propuesto en sus historias el contrapunto de esta idea, encendiendo contrafuegos allí donde la clase más humilde encontraba un refugio y conseguía una tregua de solidaridad silenciosa y de amor obstinado.
Con el título Después del naufragio, este ciclo está dedicado a examinar la búsqueda de una tierra prometida o de una comunidad utópica en la etapa más temprana del cineasta. Esta dialéctica de resistencia y de huida, de violencia cotidiana y búsqueda de la utopía, de sordidez y de sublime, está presente de manera especialmente destacada en su primeras producciones. Todos los personajes que pueblan esta primera etapa son desclasados que chocan con violencia en la sociedad finlandesa embarcada en un proceso neoliberal de cambio y “normalización”.
A pesar, o quizás motivado por su carácter melancólico, este cine posee una dimensión política combativa, que no pasa por dogmas ni por lecciones impartidas. Al contrario, se aloja en la materia y en la manera misma de operar en la división de lo sensible, en palabras de Rancière, trazando un horizonte de resistencia con los métodos propios del cine.[/dropdown]
Actividad relacionada con
ARCOmadrid 2014. Finlandia
En colaboración con
Instituto Iberoamericano de Finlandia
Comisariado
Loic Díaz-Ronda
Más actividades
Refúgiate en la Cultura 2026
Lunes, del 6 julio al 24 agosto, 2026 - 15:00 h
El Museo Reina Sofía colabora este verano, por tercer año consecutivo, en la campaña Refúgiate en la cultura, con actuaciones de destacadas figuras de la guitarra y el baile flamenco en las salas de La noche española. Flamenco, vanguardia y cultura popular, y teniendo como telón de fondo la obra de Alberto La romería de los cornudos, en la segunda planta del Edificio Sabatini, muy cerca de la obra Guernica.
Desde el lunes 6 de julio y cada lunes hasta el 24 de agosto, a las 15:00 h, diferentes cuadros flamencos ofrecen con su actuación una forma diferente de visitar las obras de las Colecciones del Museo.
Este programa con actividades culturales, promovido desde el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, permite a aquellas personas que visitan el museo durante las horas más calurosas de los meses veraniegos disfrutar de un espacio en el que refugiarse de las temperaturas extremas.
Sofia Coppola. Somewhere
Sábado 11 de julio, 2026
Johnny Marco (Stephen Dorff), uno de los actores más populares de la pantalla, vive una vida de placeres en el famoso Hotel Chateau Marmont de Los Ángeles. Marco se mueve entre diferentes relaciones vacías y sin un rumbo aparente, marcado por el tiempo entre filmaciones y deberes comerciales. Cleo (Elle Fanning), su hija de once años, se queda con él durante unas semanas debido a la ausencia de su madre, lo que le obligará a replantearse toda su vida.
Sofia Coppola mide cuidadosamente la aparición de las piscinas durante la película. El agua azul en Somewhere es el único lugar donde Marco recupera el sentido de su existencia, la piscina actúa como el útero materno en el que el protagonista logra el equilibrio. Durante la convivencia con su hija Cleo y el reflejo de esos momentos acuáticos —sumergirse en el agua, flotar, jugar o simplemente tomar el sol sin hacer nada junto a ella—, ocurre todo. Coppola explora a fondo temas como la fama, la soledad y la complejidad de los vínculos humanos. Al hacerlo, regala un retrato íntimo, profundo y lleno de sutilezas sobre la vida.
![Céline Sciamma, Naissance des pieuvres [Lirios de agua], 2007, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-3.jpg.webp)
Céline Sciamma. Lirios de agua
Viernes 10 de julio, 2026
Ópera prima de Céline Sciamma, Lirios de agua retrata el despertar emocional y sexual de tres adolescentes en torno a una piscina cubierta en los suburbios de París. Marie, una chica introvertida de quince años, queda fascinada por Floriane, la carismática capitana del equipo local de natación sincronizada. Impulsada por esa atracción, Marie intenta acercarse a ella mientras observa las complejas dinámicas de deseo, amistad y poder que se desarrollan entre las jóvenes. Al mismo tiempo, Anne, amiga de Marie, vive su propia experiencia de inseguridad y búsqueda afectiva, marcada por la presión de encajar y ser correspondida. A medida que las relaciones entre las tres se intensifican, afloran las contradicciones entre la imagen que proyectan y sus verdaderos sentimientos.
Alejada de los lugares comunes sobre la adolescencia, Céline Sciamma explora los primeros amores, la temprana identidad queer y la incertidumbre del deseo con una mirada íntima y observacional. El resultado es un retrato sensible y honesto de un momento de transformación en el que cada gesto contribuye al paso de la infancia hacia la madurez.
![Frank Perry y Sidney Pollack, The Swimmer [El nadador], 1968, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-2.jpg.webp)
Frank Perry y Sydney Pollack. El nadador
Sábado 4 de julio, 2026
Neddy Merrill (Burt Lancaster), un apuesto y vitalista hombre de mediana edad, decide ir nadando hasta su casa a través de las piscinas de sus vecinos, una comunidad de propiedades de la alta sociedad de Connecticut. Él lo llama «el río Lucinda» en honor a su mujer. Neddy es un publicista de renombre, aparentemente querido y reconocido por sus vecinos, quienes le invitan a emprender tan surrealista idea.
El nadador, iniciada por Frank Perry y culminada bajo la dirección de Sidney Pollack, es una amarga metáfora de la vida. Las piscinas aquí son un reflejo del «río de la vida»; en este caso, un devenir que transcurre desde lo acomodado del estatus burgués pasado hasta la decadencia del hoy. De apariencia jovial y luminosa, el filme muestra el tránsito hacia el eclipse del sueño americano, el declive de la juventud y la imposibilidad de admitir la derrota en medio de una fantasía. La piscina —que, según Orson Welles en una entrevista realizada en 1964, representaba la obsesión por el estatus y la razón que a muchos llevó a delatar a sus compañeros durante el macartismo— apuntala aquí esa idea de superficialidad que lleva consigo la destrucción de los vínculos sociales.
Ion de Sosa. Balearic
Viernes 3 de julio, 2026
Ion de Sosa es el invitado a inaugurar la nueva edición del cine de verano del Museo Reina Sofía. Su trabajo representa un cine a contracorriente, arriesgado y genuino, profundamente vivo e imprevisible. Balearic, una de las películas del año, trata sobre un grupo de adolescentes atrapado en una piscina rodeada de perros de presa, mientras una reunión de adultos se entrega al hedonismo más decadentista en otra piscina cercana. Imágenes de placer y goce que se transforman en sensaciones de terror y alienación, un referente antitético que da forma a todo este ciclo de verano. A su vez, la película es una mezcla de géneros, en la que conviven la carnalidad del cine de adolescentes o la sangre del slasher más desenfrenado con la sátira social del costumbrismo neorrealista.
Rodada en un formato 16mm que acrecienta las experiencias hasta desbordar la pantalla, Balearic ofrece otros rasgos del cine de Ion de Sosa, como la mezcla entre actores profesionales y no-actores, donde convive un elenco de intérpretes que se cita con iconos del underground patrio como Marta Bassols, Julián Génisson o Lorena Iglesias, compañeros de viaje del cineasta, o con intervenciones improvisadas sin guion, como atestiguan los diálogos de la música Christina Rosenvinge o de la artista María Llopis. La idea de Balearic surgió mientras el cineasta asistía a una proyección de El nadador (1968), de Frank Perry y Sydney Pollack, también proyectada en este cine de verano.