Celebrada el 30 abr 2024
El programa Documentos está dedicado a las relaciones entre el arte y la actividad editorial, abordando temas como los efectos del archivo en las narraciones de la historia del arte, el libro de artista o la edición como práctica artística. Esta entrega está dedicada al trabajo de Julie Doucet (Montreal, 1965), autora fundamental en la evolución del cómic underground norteamericano de finales del siglo XX, que participa en un encuentro con Raquel Jimeno, Regina López Muñoz y Camille Vannier.
Durante los últimos años de su etapa universitaria en Quebec, a finales de la década de 1980, Doucet comenzó a difundir sus primeros cómics en fanzines, revistas y en la publicación autoeditada y fotocopiada Dirty Plotte. Su trabajo llamó la atención de medios como la revista Weirdo, del también historietista Robert Crumb, y de la editorial canadiense Drawn & Quaterly, que, bajo el mencionado título Dirty Plotte, recopiló y publicó en formato revista sus historietas entre 1991 y 1998. Fue en este medio donde apareció por primera vez My New York Diary (1999), una de sus obras más destacadas y ejemplo de su estilo transgresor con un trasfondo de delicadeza y melancolía.
Continuando el legado del comix underground hecho por mujeres desde la década de 1970 —con autoras pioneras como Aline Kominsky-Crumb, Diane Noomin o Trina Robbins, y publicaciones como Wimmen’s Comix (1972-1992), Twisted Sisters (1976-1994) o Tits & Clits (1973-1979)—, las viñetas de Julie Doucet muestran un feminismo sin tapujos que no elude abordar temas como la sexualidad, la menstruación o las escabrosas obsesiones que asaltan a la autora a través del subconsciente onírico. Todo ello canalizado mediante un grafismo abigarrado y convulso, en un blanco y negro expresionista que Doucet utiliza acertadamente para transmitir, o más bien gritar, sus inquietudes, observaciones e inseguridades. La temática transgresora de su trabajo ha generado polémica incluso dentro del movimiento feminista, ya que algunas librerías especializadas se han negado a vender sus obras por considerar que su contenido era violento hacia las mujeres.
A partir del año 2000 su trayectoria se distanció del mundo del cómic; desde entonces se dedica a disciplinas como la ilustración, el collage o la poesía. Pese a ello, continúa siendo una referencia del cómic autobiográfico contemporáneo y bisagra entre las generaciones anteriores y las más recientes. La publicación íntegra de sus cómics por la editorial Fulgencio Pimentel entre 2015 y 2017 ha contribuido a su reconocimiento en nuestro contexto.
Organizan
Museo Reina Sofía, Centro José Guerrero (Diputación de Granada) y La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea (Universidad de Granada)
Agradecimientos
Editorial Fulgencio Pimentel
Programa
Documentos
Colabora
illycaffèParticipantes
Julie Doucet es dibujante de cómic y artista. Titulada en Artes Gráficas por la Université du Québec, comenzó a autopublicar sus primeras historietas a finales de la década de 1980. Su obra ha obtenido reconocimientos como el Harvey Award for Best New Talent en 1981, el Canadian Comic Book Hall of Fame en 2017 o el Grand Prix del Festival de Angoulême en 2022. Sus creaciones en este ámbito han sido publicadas de manera integral por la editorial Fulgencio Pimentel en dos tomos de 2015 y 2017, respectivamente: Cómics (1986-1993) y Cómics (1994-2016). Desde su distanciamiento del mundo del cómic —al cual solo volvió de forma tangencial en proyectos como el corto My New York Diary (2010), en colaboración con el cineasta Michael Gondry—, ha desarrollado su trabajo en ámbitos como el collage, con Journal (L’Association, 2004) o J comme Je: Essais d’autobiographie (Seuil, 2006), o la poesía, con À l’école de l’amour (L’Oie de Cravan, 2006). En 2022 regresó al mundo del cómic con El río, publicado por Fulgencio Pimentel en español.
Raquel Jimeno es coordinadora de Actividades Culturales y Audiovisuales en el Museo Reina Sofía.
Regina López Muñoz es traductora editorial especializada en cómic. Ha traducido más de 150 títulos para editoriales como Salamandra Graphic, Fulgencio Pimentel, Sapristi o Blackie Books. Entre los autores que ha traducido al español están Nine Antico, Joann Sfar, Zuzu, Lizzy Stewart, Julia Wertz, David B., Posy Simmonds, Gipi, Olivier Schrauwen, Manuele Fior, Igort, Sarah Glidden o Raymond Briggs. También imparte cursos y talleres y participa en encuentros con autores.
Camille Vannier es artista visual e ilustradora. Ha trabajado para revistas como El Jueves, Vice y Pandora Magazine. También ha publicado diversas novelas gráficas en las que narra historias personales y de su entorno próximo, como El horno no funciona (Sins Entido, 2011), Tuerca y Tornillo (Apa-Apa Cómics, 2013), Poulou y el resto de mi familia (Sapristi, 2018) e Imbécil (Caramba, 2024).
Más actividades
RECREO #4. Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo
Miércoles 20 de mayo, 2026 - 17:30 h
La cuarta sesión del programa RECREO se centra en Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede, el Itinerario III de la nueva presentación de las Colecciones del Museo, recientemente inaugurada, Colección. Arte Contemporáneo: 1975-Presente. De las múltiples derivas que el itinerario propone, el curso se centra en el cuerpo como herramienta de acción y expresión, para poner de relieve su potencial como recurso educativo en el aula. A través de obras vinculadas a la performance, el vídeo o la documentación de acciones sobre las propias obras artísticas, se analiza cómo el cuerpo se convierte en un espacio de experimentación, resistencia y comunicación.
Las obras presentes en este itinerario muestran cómo, desde finales del siglo XX hasta hoy, un gran número de artistas ha utilizado la acción para cuestionar normas sociales, explorar los límites del cuerpo o activar la implicación del público. Desde este prisma, RECREO #4 Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo propone pensar el arte como experiencia viva y ofrece claves para incorporar en el aula dinámicas basadas en el movimiento, la acción y la interacción.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
Gerardo Mosquera: pensador insular, curador global
19 MAY 2026
Este encuentro rinde homenaje a Gerardo Mosquera (La Habana, 1945), curador de referencia, ensayista que ha participado en debates cruciales sobre la descolonización o las derivas de la globalización, comunicador y, principalmente, un crítico de arte que ha sido capaz de situar radicalmente los discursos y las prácticas, sin dejar de asumirriesgos y manteniendo siempre posiciones éticas comprometidas.
Mosquera es uno de los curadores más reconocidos internacionalmente. Implicado en la Bienal de la Habana desde su fundación en 1984 hasta 1989, ha realizado exposicionesfundamentales en museos y centros de arte de distintas partes del mundo. Entre los proyectos que ha liderado, pueden destacarse su actividad como curador adjunto del New Museum (Nueva York, 1995-2009), la Bienal de Liverpool (2006) o la exposición No es solo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo (Museo Reina Sofía, 2000).
La mesa redonda, que cuenta con la participación del propio Gerardo Mosquera y de un conjunto de críticos de arte, pensadores y artistas como Fernando Castro Flórez, Diana Cuéllar, Lillebit Fadraga y René Francisco Rodríguez, plantea una aproximación a la actividad poliédrica y extraordinariamente fecunda de Mosquera como un maestro curatorial consagrado.
Conversación entre Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía
18 MAY 2026
Los directores del Museo del Prado y del Museo Reina Sofía, Miguel Falomir y Manuel Segade, conversan el lunes 18 de mayo en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía con motivo de la celebración del Día Internacional de los Museos, que este año se celebra bajo el lema «Museos uniendo un mundo dividido». En la charla, moderada por el periodista y poeta Antonio Lucas, los máximos responsables de estas dos grandes instituciones culturales comparten sus reflexiones sobre el papel que desempeñan en la sociedad actual.
Además de abordar la gestión artística, la conversación pretende profundizar en el potencial de los museos como puntos de encuentro ante las tensiones sociales actuales, cumpliendo así con el mandato internacional de la efeméride de este año.
La actividad puede seguirse en directo a través de este enlace.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?