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Viernes, 21 de septiembre
Edificio Sabatini, Sala de Bóvedas
Museo Reina Sofía
18:30 – 19:00 h
Janneke van der PuttenArtista visual y performer holandesa que hace de la voz su instrumento principal. Con ella explora física, sónica y emocionalmente diferentes entornos, empleando técnicas aprendidas durante años de estudio. Su música se aleja de los parámetros usuales de lo moderno, donde la amplificación y la síntesis son la norma, y se centra en la simple resonancia del cuerpo, en el aquí y el ahora.
19:00 – 19:30 h
Agnès PeMusicóloga de lo “no común”, residente en Madrid, su trabajo trasciende los límites de cualquier género. Si en la primera edición de Archipiélago participó con una sesión ecléctica y arrolladora, en esta ofrecerá un concierto intenso, retorciendo miles de archivos MIDI hasta dejarlos irreconocibles, al tiempo que genera nuevas formas y estructuras (ar)rítmicas. Computer music de baja fidelidad y alta fisicidad con una actitud lúdica e imparable: todo o nada.
19:30 – 20:00 h
HashigakariHashigakari rinde homenaje en su nombre al teatro noh japonés. Sus componentes, afincados en Madrid, David Area (electrónica) y Tomás Gris (instrumentos varios y objetos), focalizan su práctica en la libre improvisación y el reduccionismo, inspirándose en la escuela onkyo japonesa y en las obras de grupos como Wandelweiser, para los que el silencio, más allá de un recurso estético, supone el origen de un acontecimiento. Juntos dirigen el sello discográfico Ex-Nihilo y forman parte del ensemble maDam, el colectivo GRS y el cuarteto Nanimo.
20:00 – 20:30 h
Clara de AsísCompositora y guitarrista española radicada en Francia. Sus performances acentúan la simplicidad y la escucha activa como medios de creación musical, por lo que manipula electro acústicamente objetos, materiales y fuentes sonoras con un enfoque minimalista. Su último disco, Do Nothing (2018), es una suite en la que deja que los sonidos producidos entre una acción y otra "vivan" por sí solos, con resultados reveladores para el oyente.
20:30 – 21:30 h
Cedrik FermontNacido en Zaire (actual RDC), criado en Bélgica y residente en Berlín, Fermont se adentra desde 1989 en los dominios de la electrónica y el ruidismo. En Archipiélago ofrece una sesión basada en la investigación y divulgación de las escenas experimentales en varios países africanos y asiáticos. Con estas premisas, ha comisariado varias antologías desde su sello Syrphe y publicado diversos ensayos, entre los que destaca el volumen Not your world music. Noise in South East Asia (2016), escrito junto con Dimitri della Faie.
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Viernes, 21 de septiembre
Edificio Sabatini, Jardín
Museo Reina Sofía
19:30 – 20:30 h
TutuDesde Barcelona, la dj Gemma Planell (Tutu) ha viajado a algunos de los festivales que marcan cómo se entiende una parte de la música actual en Europa (Atonal, TodaysArt, Sónar…). Suele comenzar sus sesiones con grabaciones de pájaros o carreras matinales, en las que se hayan patrones rítmicos a partir de los cuales construye un continuo de texturas oscuras e intensas. El punto de partida de su intervención en Archipiélago es un atardecer a cielo abierto, situación de escucha muy distinta a la de los clubes de electrónica.
20:30 – 22:00 h
ToukadimeToukadime, que significa "presentar" en árabe, se escucha con frecuencia en numerosas grabaciones magrebíes recogidas en formatos analógicos durante buena parte del siglo XX. Es también el nombre del proyecto con el que, desde 2011, los djs franceses Bachir y Krimau preservan y difunden este patrimonio sonoro, que han reunido en una imponente colección de discos de vinilo, a través de digitalizaciones publicadas online, programas radiofónicos y sesiones para la pista de baile como la que proponen en Archipiélago.
22:15 – 23:30 h
Ammar 808El productor tunecino Sofyann Ben Youssef aboga por reinterpretar composiciones tradicionales del Magreb desde una perspectiva futurista, al tiempo que denuncia la crueldad de las fronteras y lucha por superar el separatismo poniendo en valor las diferencias. En Archipiélago presenta el primer álbum de su proyecto Ammar 808, Maghreb United, donde el sonido hipnótico de la gasba y la zokra se yuxtapone al de la legendaria caja de ritmos TR-808, esencial en la definición del electro o el techno, géneros hoy consagrados pero rotundamente innovadores en sus inicios.
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Sábado, 22 de septiembre
Real Conservatorio Superior de Música
Interpretación al órgano del Auditorio Manuel de Falla
16:30 – 17:30 h
Áine O'DwyerLo que ha convertido a esta arpista, vocalista, compositora, improvisadora y artista visual irlandesa en una figura relevante de la música experimental más reciente es sin duda su inusual acercamiento al órgano. Su heterodoxa propuesta parte de la exploración del potencial acústico del instrumento, pero sin olvidar su relación con los espacios que habitualmente ocupa o su dimensión sacra. En Archipiélago O'Dwyer ofrece una interpretación site-specific, al utilizar el órgano del auditorio Manuel de Falla.
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Sábado, 22 de septiembre
Edificio Sabatini, Auditorio
Museo Reina Sofía
18:00 – 19:00 h
Tarawangsawelas + Rabih BeainiTeguh Permana y Wisnu Ridwana, procedentes de Bandung (Indonesia), realizan a dúo su especial versión del tarawangsa, una música propia de rituales y ceremonias procedente de Sunda, en Java Occidental. Para ello utilizan dos instrumentos, el tarawangsa, similar a un violín de dos cuerdas, y el jentreng, cítara de siete cuerdas. En su paso por Archipiélago contarán con la colaboración del inclasificable Rabih Beaini, artista libanés también conocido como Morphosis, quien procesará el sonido del dúo y lo llevará hacia direcciones nuevas e inesperadas.
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Sábado, 22 de septiembre
Edificio Sabatini, Jardín
Museo Reina Sofía
19:15 – 20,15 h
Nadah El ShazlyAhwar (2017), debut discográfico de esta joven vocalista y multi instrumentista asentada en El Cairo, que ha sido aclamado por los medios especializados, constituye una excelente introducción a la efervescente escena musical de la capital egipcia. Aún por descubrir en nuestro país, El Shazly mostrará en Archipiélago el personal discurso sonoro que articula sus canciones, donde a las habituales estrategias de improvisación y uso de la electrónica, suma elementos de la música popular árabe de principios del siglo XX, aunque sin asomo de nostalgia, más bien aprovechando su vigencia y potencial renovador.
Después de trece años de espera, celebramos la aparición del último álbum en solitario del alemán Erik Wiegand (Errorsmith), Superlative Fatigue (2017), cuyo título, además de remitir a su extenuante proceso de creación, bien podría servir para definir el cansancio que produce la repetición de las fórmulas caducas y predecibles de determinados estilos musicales, algo de lo que Errorsmith consigue zafarse siempre con éxito e imaginación. Wiegland ha creado el sintetizador Razor, piedra angular de este último álbum, y forma parte de los grupos MMM con Fiedel (dj residente del club Berghain), y Smith N Hack con Frank Timm (Soundstream).
21:45 – 23:15 h
DJ LagEl gqom, producido en los suburbios de Durban (Sudáfrica), es una mezcla singular de ritmos rotos, minimalismo percusivo y elementos procedentes de géneros como el hip hop, el house e incluso el maskandi (música folclórica zulú). Pese a su corta edad Lwazi Asanda Gwala (Dj Lag) ha conseguido catapultar este sonido eminentemente local al ámbito internacional gracias a sesiones arrolladoras y burbujeantes como la que promete para el cierre de esta edición de Archipiélago.
Celebrada el 21 sep 2018
En su segunda edición Archipiélago reafirma su intención de presentar la escucha como forma de conocimiento y, a la vez, de disfrute estético. En este sentido, invita a comprender la complejidad del mundo contemporáneo no solo a través del oído, sino también del cuerpo, induciendo al espectador a que absorba el sonido con todos sus órganos y huesos.
Este año aumenta el número de artistas participantes y se diversifican los espacios: se celebran conciertos en el Jardín del Edificio Sabatini, en su Sala de Bóvedas y Auditorio, así como en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, vecino al Museo.
Si algo caracterizó en lo musical los primeros años del siglo XXI, esto fue la impresión de una suerte de parálisis, una supuesta incapacidad de contribuir con algo nuevo a una historia entendida como un continuo avance lineal. De ahí que, en 2018, para escapar de una cierta institucionalización en la que ha terminado aislada la experimentación, se opte por explorar otras referencias geográficas, intentando volver a buscar sus orígenes y ecos en lo popular, del que la innovación continuamente se retroalimenta. Asimismo, se propone atender a otras formas de entender la escucha que impliquen el cuerpo a través del baile.
Ana R. Alonso-Minutti, Eduardo Herrera y Alejandro L. Madrid, en el libro Experimentalisms in practice. Music perspectives from Latin America (Oxford Universty Press 2018), definen la experimentación musical no como un concepto universal sino como una noción situada en relación con los contextos específicos en los que surge. Si bien lo experimental debería entenderse como sinónimo de búsqueda, o como aquello que "no tiene límites" según Michael Nyman, en los últimos años se ha visto lastrado por fórmulas predeterminadas, en buena medida deudoras de una concepción principalmente anglosajona y eurocéntrica, que de manera implícita parecen afirmar que aquellas otras expresiones musicales, fuera de sus límites sonoros y geográficos, carecen de la autoproclamada capacidad para mirar hacia el futuro de manera progresista.
Ante este sentimiento de agotamiento convertido en clima de época se ha producido un giro hacia al pasado: escuchar con nuevos oídos todos los registros sonoros del siglo precedente con el deseo de hallar alternativas a las ataduras de un canon construido en base a genealogías y relatos ya exhaustos.
Sin ánimo de construir una nueva jerarquía, las y los artistas de esta edición ofrecen propuestas desde diferentes geografías y prácticas, dando a conocer otros proyectos y contextos históricos, así como otros futuros musicales.
Con el apoyo técnico de
Laboratorio de Informática y Electrónica Musical-LIEM, Centro de Tecnología del Espectáculo-CTE, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música-INAEM y Real Conservatorio Superior de Música de Madrid-RCSMM
Comisariado
Rubén Coll y José Luis Espejo
Organiza
Museo Reina Sofía
Patrocina
Más actividades
Clínica 2628. Comunidad de escritura e investigación en artes
Febrero – octubre, 2026
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.
¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Mallo Más Acá. SANDÍA LUNA CONCHA METAL
Del 22 de enero al 5 de marzo, 2026 - 17:00 h
Mallo Más Acá. SANDÍA LUNA CONCHA METAL propone un acercamiento a la exposición Máscara y compás de Maruja Mallo a través de una visita accesible diseñada especialmente para personas ciegas y con baja visión. La actividad, comentada por el personal de mediación del Museo, cuenta además con audiodescripción a cargo de Lorenzo Galgó y María Morata, dos artistas e investigadoras que viven y dialogan con la discapacidad. Su propuesta parte de un cuestionamiento de los modos de acceso a lo artístico, reconociendo todas las condiciones sensoriales existentes como completas, valiosas, legítimas y, además, deseables.
A través de los auriculares, las voces de Lorenzo y María no proponen solamente una traducción de la imagen a la palabra, sino un intento de compartir con las personas participantes la vibración de las obras por medio de experiencias corporales. Al final de la visita, que tiene como objetivo propiciar un encuentro con la obra de Maruja Mallo desde el disfrute y los cuidados, se propone un diálogo in situ donde poder compartir los diferentes sentires sobre la experiencia.
Trabajo cultural
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar «esteticidio»— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?
Este seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.
Imágenes para un presente urgente
Viernes 23 de enero, 2026 – De 18:00 a 20:00 h
En el marco del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), Museo Tentacular colabora con el artista salvadoreño Jose Campos (La Paz, 1986), conocido como Studio Lenca, con la realización de tres talleres colaborativos a lo largo de 2026 en torno a la producción de materiales para las luchas sociales presentes.
La práctica artística de Studio Lenca se nutre de su propia biografía, marcada por una infancia en El Salvador interrumpida por la Guerra Civil y la consiguiente migración a Estados Unidos. Su obra incluye numerosas instalaciones colaborativas como, por ejemplo, Rutas, realizada en dos espacios, Mixteca de Nueva York y el albergue Casa Tochán de Ciudad de México, y expuesta posteriormente en MoMA PS1. Un trabajo que configura un espacio en el que personas que han cruzado la frontera de Estados Unidos sin documentos narran su camino a través de las imágenes.
Desde esta mirada, Studio Lenca plantea diferentes talleres atravesados por los ejes centrales que marcan la vida de las luchas y los movimientos sociales actuales: derechos como la vivienda, el empadronamiento, la sanidad, la regularización de las personas migrantes o el derecho al juego en la infancia. Estos talleres, destinados a personas, colectivos y movimientos sociales interesados en la producción colectiva de imágenes, se conciben como espacios de disfrute, juego y convivencia, donde el activismo nace desde los cuidados, el descanso y la construcción colectiva. En su desarrollo se invita además a pensar conjuntamente, desde la línea de trabajo del artista, qué materiales y gestos colectivos pueden trasladarse al espacio público en manifestaciones y encuentros en las calles.