Gira mundial por las danzas urbanas de diez ciudades
Una conferencia bailada de Ana Pi en colaboración con Cecilia Bengolea y François Chaignaud
Celebrada el 31 may 2019
Como parte del ciclo de artes escénicas realizado en colaboración con los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta Le tour du monde des danses urbaines en dix villes [Gira mundial por las danzas urbanas de diez ciudades] con la coreógrafa y bailarina Ana Pi.
“Partimos hacia una gira mundial por las danzas urbanas, ¿qué significa eso?
Las danzas urbanas son aquellas creadas, practicadas y mostradas en las calles de las grandes ciudades del mundo. Existen infinidad de ellas, pero hemos elegido diez. La elección fue difícil y a la fuerza subjetiva e incompleta. Las danzas urbanas están ligadas a la ciudad en la que surgen, a su violencia, sus injusticias, pero también a su energía, eléctrica, rápida. Sin embargo, sobre todo, las danzas urbanas están ligadas a la música. Es siempre la música la que inspira las danzas y los encuentros.
Hoy en día las danzas urbanas se difunden principalmente a través Internet (YouTube, Facebook). Esta transmisión virtual permite evoluciones estilísticas rápidas, una mundialización de los gestos, y explica también la popularidad espectacular de ciertos estilos.
Las danzas urbanas de América del Sur, de los Estados Unidos, de Europa, Asia y África están todas conectadas con la diversidad de las danzas africanas, que migraron en los cuerpos de los esclavos deportados y de los migrantes. Las grandes ciudades del mundo donde se inventaron estas danzas son ciudades cosmopolitas, forjadas por las oleadas de deportación y de inmigración. Es la complejidad de esta historia, que toma su forma a través de las desigualdades de orden social, que surgen estas danzas.”
Gira mundial por las danzas urbanas de diez ciudades, concebida por Ana Pi junto a Cecilia Bengolea y François Chaignaud en 2014, adopta la forma de una conferencia bailada que ofrece un recorrido por distintas danzas urbanas en diversas ciudades del mundo. Se trata de un proyecto performativo y didáctico que busca ampliar la percepción de los estilos de baile realizados en contextos no teatrales que son parte de la cultura callejera, desmontando, si cabe, la equivalencia generalmente atribuida a la danza urbana con el hip hop.
A través de un viaje subjetivo por diez grandes ciudades del mundo, la pieza evoca la inmensa variedad de estilos creados, practicados y mostrados en las calles. Sin una pretensión exhaustiva, esta conferencia bailada aporta una visión panorámica y general de una selección específica de danzas urbanas: desde el krump de Los Ángeles, el dancehall de Kingston, el pantsula de Johannesburgo hasta el voguing de Nueva York. A partir de cada una de estas danzas se plantea una breve reflexión sobre el contexto geográfico, social y cultural al que están ligadas, sus características intrínsecas en relación con el movimiento, la postura corporal, los modos de ser practicadas (en la guerra, en la discoteca, en grupo o en solitario…), así como los estilos musicales que las acompañan o las actitudes y vestimentas a las que se asocian.
Una selección de vídeos y de fotografías ilustran cada estilo y son proyectados y comentados. En directo, Ana Pi cambia de vestuario, explica los hechos que acompañan a cada baile y, por momentos, encarna las distintas escenas y corporalidades a través de su movimiento, dando a ver la complejidad de estas danzas desde la cercanía con el público. Al finalizar, se entrega a cada espectador un librillo ilustrado por el diseñador Juan Sáenz Valiente, en el que cada una de las danzas es transformada en dibujo y acompañada de una breve nota que resume las informaciones principales a tener en cuenta.
Esta pieza surge en 2014 dentro del programa didáctico Mallettes Pédagogiques [Mochilas pedagógicas] y a raíz de la invitación de su iniciadora Annie Bozzini, directora del Centro para el Desarrollo Coreográfico Nacional de Toulouse / Midi-Pyrénées (Francia). Es el tercer proyecto realizado en este marco, tras La danse en 10 dates [La danza en 10 fechas] y Une histoire de la danse contemporaine en 10 titres [Historia de la danza contemporánea en diez títulos], ambos dirigidos por la propia Annie Bozinni.
Comisariado
Isabel de Naverán
En colaboración con
Organiza
Museo Reina Sofía
Con la colaboración de
Participantes
Ana Pi es artista y trabaja en el ámbito de la coreografía y de la imagen. Es también investigadora en danzas urbanas, bailarina y pedagoga. Diplomada en la Escuela de danza de la Universidad Federal de Bahia (Brasil), donde se forma en pedagogía y creación en danza contemporánea. Entre 2009 y 2010 estudia danza e imagen en el Centro Coreográfico Nacional de Montpellier (Francia), en el marco de la formación Ex.e.r.c.e. bajo la dirección de la coreógrafa Mathilde Monnier. En su práctica artística y pedagógica resulta fundamental la investigación en torno a la circulación de las imágenes y del saber, sus desfases, desplazamientos y diferencias, el concepto de pertenencia, la superposición, la memoria, incluso los colores, las acciones cotidianas y los gestos. Colabora con artistas en proyectos de naturalezas y duraciones muy diversas. Desde 2015 se centra en la difusión de esta conferencia performativa en torno a las danzas urbanas del mundo, y en 2017 presenta públicamente su primer solo llamado NoirBLUE [negroAZUL], creado en el Teatro de Vanves en el marco del Festival Artdanthé (Francia).
Cecilia Bengolea nace en Buenos Aires, Argentina, y se forma inicialmente en danzas urbanas. Interesada por los estudios antropológicos de danzas, estudia Filosofía e Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires. En 2001 inicia en el Centro Coreográfico Nacional de Montpellier (Francia) la formación Ex.e.r.c.e. bajo la dirección de la coreógrafa Mathilde Monnier. Bengolea concibe la danza en relación y diálogo con una idea de escultura animada que le permite explorar las relaciones entre el sujeto y el objeto. Como artista visual colabora con artistas como Dominique Gonzalez-Foerster o Monika Gintersdorfer, y realiza producciones audiovisuales con el artista Jeremy Deller. En 2018 crea, junto a Florentina Holzinger, una pieza dedicada a la interfaz entre la naturaleza y el artificio del cuerpo humano.
François Chaignaud nace en Rennes y se forma en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París (Francia). Colabora con numerosos coreógrafos, entre ellos: Boris Charmatz, Emmanuelle Huynh, Alain Buffard o Gilles Jobin. Desde su primera pieza He's One that Goes to Sea for Nothing but to Make him sick [Uno que va hasta el mar sin otro objetivo que ponerse enfermo, 2004] hasta Думи мої/ Dumy Moyi (2013), realiza performances en las que articula danzas y cantos en los lugares más diversos y a través de las inspiraciones más inusitadas. Su investigación se extiende desde el inicio de la modernidad hasta las vanguardias actuales atendiendo tanto a las técnicas clásicas como a las danzas urbanas o no escénicas. En 2009 publica L’Affaire Berger-Levrault: le féminisme à l’épreuve (1898-1905) [El idilio Berger-Levrault: el feminismo puesto a prueba], investigación que da inicio a sus siguientes creaciones, notablemente inscritas en el género del cabaret y realizadas en colaboración con numerosos artistas. Recientemente, crea Romances inciertos, otro Orlando en 2017, junto a Nino Laisné, un espectáculo en torno a la ambigüedad de género en el repertorio coreográfico y vocal ibérico.
Recursos
Hoja de sala. Gira mundial por las danzas urbanas de diez ciudades
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.