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12 noviembre y 5 diciembre, 2015 / Edificio Sabatini, Auditorio
Los años 20
Presentación del ciclo por Bruce Posner (videoconferencia)
Charles Sheeler y Paul Strand. Manhatta. 11’41’’. 1920-21. 1ª versión con la orquesta de Donald Sosin
Fernand Léger y Dudley Murphy. Ballet mecánico. 15’53’’. 1923-24
Rrose Sélavy a.k.a. Marcel Duchamp. Anémic Cinéma. 6’40’’. 1924-25
Robert Florey y Slavko Vorkapich. The Life and Death of 9413-A Hollywood Extra. 13’20’’. 1927
Robert Florey. Skyscraper Symphony. 8’53’’. 1929
Duración: 55 minutos
El primer cine de vanguardia se debate entre el entusiasmo fetichista y el escepticismo ante el progreso industrial y tecnológico que sigue al final de la Primera Guerra Mundial. Este cine encuentra uno de sus objetos centrales en la ciudad moderna concebida como un organismo de funcionamiento preciso: nace así la sinfonía urbana. Manhattan se yergue como el prototipo de esta urbe utópica, como en Manhatta o Skyscraper Symphony. Tal combinación de fascinación y perplejidad se revela también en el desembarco de las estéticas de las vanguardias europeas: en la comicidad mecanicista de Ballet mecánico; en la parodia trágica del itinerario urbano del antihéroe de The Life and Death of9413; o, de manera más conceptual, en las indagaciones sobre el lenguaje y la visión planteadas por Marcel Duchamp en Anémic Cinéma.
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13 noviembre y 6 diciembre, 2015 / Edificio Sabatini, Auditorio
Los años 30
Ralph Steiner. Mechanical Principles. 10’18’’. 1930
Jay Leyda. A Bronx Morning. 14’05’’. 1931
J.S. Watson, Jr., Melville Webber, Alec Wilder, Remsen Wood y Bernard O’Brien. Lot in Sodom. 25’53’’. 1930-32
Emlen Etting. Poem 8. 19’40’’. 1932-33
Oskar Fischinger. An Optical Poem. 7’02’’. 1937
Joseph Cornell. Thimble Theatre. 6’07’’.1938-1968
Duración: 83 minutos
Una mayor expansión de las propuestas de las vanguardias marca el cine experimental de los años treinta, que matiza y amplifica la herencia de la década anterior. El legado de la sinfonía urbana cobra un aspecto más poético e intimista en filmes como A Bronx Morning. El protagonismo de los elementos rítmicos y el canto a la era de la máquina vuelven a estar presentes en Mechanical Principles de Ralph Steiner. Otras películas, como Poem 8 y Lot in Sodom, potencian las coreografías de cuerpos sensuales o abiertamente sexuados. Con la intención de dar forma a imágenes mentales, Oskar Fischinger indaga en las capacidades expresivas del medio mediante referencias exclusivamente abstractas. El interés por la descontextualización de imágenes propia del collage lleva a Joseph Cornell a poner en práctica una combinación de cine de metraje encontrado y estrategias surrealistas de combinación de materiales ajenos, entre la fascinación por el espectáculo y la nostalgia infantil.
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19 noviembre y 9 diciembre, 2015 Edificio Sabatini, Auditorio
Los años 40
Mary Ellen Bute y Ted Nemeth. Tarantella. 4’24‘’. 1940
Rudy Burckhardt. The Pursuit of Happiness. 8’09’’. 1940
Francis Lee. 1941. 4’. 1941
Maya Deren y Alexander Hackenschmied. Meshes of the Afternoon. 13’46’’.1943
Maya Deren. Meditation on Violence. 12’27’’. 1948
Helen Levitt, Janice Loeb y James Agee. In the Street. 16’50’’. 1945-1952
Duración: 59 minutos
Durante los años cuarenta, algunas propuestas reinciden en la autonomía de la imagen y en los mundos creados en su interior: la orquestación de música y formas abstractas es la piedra angular de Tarantella, mientras Meshes of the Afternoon muestra la pervivencia del automatismo en el cine. En The Pursuit of Happiness, la metrópoli se plantea como el espacio del encuentro casual y la búsqueda de sentido de cada individuo, aparentemente liberado, por vía del consumo, de la alienación a la que le confinaba la sinfonía urbana de años precedentes. La irrupción de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial empaña gran parte de la producción del cine de vanguardia y lo carga de violencia: 1941 recrea el ataque japonés a Pearl Harbor. Entre campo de batalla y teatro sitúan de manera explícita los directores de In the Street al barrio neoyorquino de Harlem, impregnado de la estética de una fotografía callejera. Una violencia que se muestra de manera más explícita en la coreografía entre cámara, directora e intérprete que despliega Meditation on Violence.
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20 noviembre y 11 diciembre, 2015 / Edificio Sabatini, Auditorio
Los años 50
James Broughton. Four in the Afternoon. 14’. 1950-51
Mary Ellen Bute y Ted Nemeth. Abstronic. 5’45’’. 1952
Kenneth Anger. Eaux d’Artifice. 12’57’’. 1953
Ian Hugo. Bells of Atlantis. 9’27’’. 1952-53
Jim Davis. Evolution. 8’01’’. 1954
Hy Hirsh. Gyromorphosis . 6’40’’. 1954
Marie Menken. Hurry, Hurry. 4’27’’. 1957
Francis Thompson. N.Y., N.Y. 15’10’’. 1949-1958
Duración: 75 minutos
Los años cincuenta discurren entre dos polos: Por un lado, la persistencia y el enriquecimiento de los experimentos abstractos presentes en Abstronic, Evolution, Gyromorphosis y N.Y, N.Y. ; por otro, el elemento lúdico y el ritual del deseo erótico, presente en Four in the Afternoon y Eaux d'Artifice, donde el agua cobra un componente abstracto y onírico. En Bells of Atlantis las referencias mitopoéticas, casi un ejercicio de escritura automática confesional, funcionan como indagación sobre el subconsciente y los recuerdos intrauterinos. Este juego entre organicismo y abstracción reaparece, de nuevo con el deseo como fondo, en Hurry, Hurry! mediante la yuxtaposición de imágenes microscópicas de espermatozoides con otras de hombres que buscan ansiosamente a un compañero sexual.
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26 noviembre y 17 diciembre, 2015 / Edificio Sabatini, Auditorio
Los años 60
Hilary Harris. 9 Variations on a Dance Theme. 12’39’’.1966-67
Bruce Baillie. Castro Street (The Coming of Consciousness). 9’59’’. 1966
Owen Land [George Landow]. Film That Rises to the Surface of Clarified Butter. 8’26’’. 1968
Jonas Mekas. Walden: Diaries, Notes and Sketches. [Extracto] 13’05’’. 1969
Lawrence Jordan. Our Lady of the Sphere. 9’14’’. 1969
Película sin anunciar
Duración: 53 minutos
Los años sesenta tienen en común una reducción de la narración y la atención a acciones que permiten indagar sobre elementos del propio medio cinematográfico. 9 Variations on a Dance Theme acentúa los movimientos de cámara que articulan un lenguaje específico, como el de la danza. Film That Rises to the Surface of Clarified Butter insiste en el gesto del animador de dibujos para volver a la metáfora acerca de la relación engañosa entre la realidad bidimensional del filme y el mundo real. Las superposiciones múltiples de Castro Street (The Coming of Consciousness) y el constante travelling revelan la mirada de un caminante en un paisaje industrial paralizado. El fragmento de Walden: Diaries, Notes and Sketches se centra en vivencias simples e inmediatas, a modo de instantáneas de momentos vitales de Jonas Mekas. Por su parte, la recuperación de una estética de apropiación surrealista convierte Our Lady of the Sphere en un relato intencionalmente ilegible entre la ciencia-ficción, el mundo de la fantasía infantil y el sueño. La sesión se cierra con una película inesperada y sorpresa, que alude a cómo se ha exhibido el cine experimental.
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27 noviembre y 18 diciembre, 2015 Edificio Sabatini, Auditorio
Los años 70
Tom Palazzolo. Love it / Leave it. 14’07’’. 1970
Lawrence Janiak. DL2 (Disintegration Line #2). 11’46’’. 1970
Amy Greenfield. Transport. 5’43’’. 1970
Bruce Posner. Sappho and Jerry, Pts. 1-3. 5’35’’. 1977-78
Francis Lee. Ch’an. 6’08’’. 1983
Phil Solomon y Stan Brakhage. Seasons... 16’00’’. 2002
Charles Sheeler y Paul Strand. Manhatta. 11’41’’. 1920-21, 2ª versión con partitura de Wolfe y Carluzzo
Duración: 70 minutos
El desarrollo del vídeo y su popularización durante los años setenta empuja al cine experimental a indagar en su propia naturaleza. Al mismo tiempo, la nueva situación sociopolítica en los Estados Unidos de la era de las protestas aflora en algunas propuestas como Love it / Leave it, ensayo sobre el patriotismo y el consumo. El trabajo acerca del propio soporte cinematográfico se sitúa en el centro de DL2 (Disintegration Line #2), basada en animaciones abstractas, mientras que Transport vuelve a la idea de la coreografía humana. En Sappho and Jerry, Bruce Posner regresa a la estrategia de alteración del metraje encontrado, contrastando su propia práctica como cineasta con su trabajo de restauración del histórico Manhatta.. La sesión se completa con tres películas fuera del marco cronológico, a modo de diálogo entre el pasado y el presente del cine experimental: Cha'an, de Francis Lee, donde el tratamiento fílmico redobla la cualidad acuática de las pinturas a tinta del propio autor y sugiere una reaparición del cine-poesía; Seasons… de Phil Solomon que recupera y reactiva el celuloide pintado y rasgado por Stan Brackhage; y la mencionada Manhatta.
Ojos ávidos
Obras maestras del cine de vanguardia experimental norteamericano (1920-1970)
Celebrada el 12, 13, 19, 20, 26, 27 nov, 05, 06, 09, 11, 17, 18 dic 2015
Ojos ávidos es una antología de cine experimental norteamericano comisariada por el investigador Bruce Posner, responsable del histórico ciclo Unseen Cinema, que se presentó en el Museo Reina Sofía en 2006. Ojos ávidos comprende una selección de 37 películas recientemente restauradas que introducen las múltiples trayectorias dibujadas por el cine de vanguardia en Estados Unidos desde la década de 1920 hasta la de 1970.
Según Walter Benjamin, el espectador cinematográfico accede, a través de las funciones de su ojo, a su "inconsciente óptico" gracias a la capacidad de la cámara de captar y subrayar algo que le resulta transparente, invisible o inaprensible en la vida cotidiana. Esa es, para Benjamin, la experiencia básica que ofrece el cine, y que está en la base de la fascinación que produce, siendo este uno de los impulsos que alimentó el cine de vanguardia a lo largo del siglo XX. En el núcleo del cine experimental se detecta una búsqueda de respuestas a esos estados de ansiedad del ojo, un deseo de trascender la realidad. A este ojo concebido como órgano de visión de un espectador hambriento e inconformista se dirigen las películas que componen este ciclo.
La selección se centra en el trabajo de diversas generaciones de cineastas activos en Estados Unidos, donde la temprana recepción de la vanguardia y su transformación en un cine otro coincide con el desarrollo, en sentido opuesto, del cine clásico. La década los años veinte marca el inicio del programa y los setenta su hito final, con la irrupción de las prácticas de vídeo y el consecuente replanteamiento de las funciones específicas del medio cinematográfico. Los filmes de este ciclo expresan conceptos, sensaciones, estados de ánimo y elaboraciones del intelecto en términos visuales absolutos. Tienen en común diversos principios: la recurrencia a la poesía como modelo, el uso de herramientas plásticas, el rechazo a la trama narrativa, el desafío a la lógica temporal y, sobre todo, el modo de producción y distribución personal.
Así como la poesía alimenta la prosa sin desaparecer, estas películas demuestran la resistencia de una serie de cineastas conscientes de tener en sus manos un instrumento de pensamiento. En retrospectiva, Maya Deren escribiría: “Pensé en lo interesante que sería que utilizáramos el cine de manera distinta. Hasta entonces se había hecho uso de él como si se tratara de una novela que cuenta una historia, o bien como un documental. No había nada entre esos dos polos, y yo quise utilizar el cine como medio poético […]”. Se transparenta así aquel murmullo del verso de César Vallejo, presente en todo el ciclo: “Ojos ávidos, ¡pero de poesía!”.
Itinerancia
CGAI-Filmoteca de Galicia (4 febrero - 25 febrero, 2016)
TABAKALERA (San Sebastián) (15 enero - 19 febrero, 2016)
Comisariado
Bruce Posner
Recursos
Folleto de Ojos ávidos
Itinerancias
CGAI-Filmoteca de Galicia
4 febrero, 2016 - 25 febrero, 2016
TABAKALERA
15 enero, 2016 - 19 febrero, 2016
Más actividades
Paisajes en trance. El cine de Oliver Laxe
Del 5 al 28 de febrero, 2026 – Consultar programa
El Museo organiza durante el mes de febrero una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe. El ciclo dialoga con la obra HU/هُو. Bailad como si nadie os viera, una instalación del autor de Sirāt concebida para el Espacio 1 del Museo Reina Sofía. El programa incluye los cuatro largometrajes realizados hasta la fecha por el cineasta, así como sus cortometrajes y una carta blanca de cuatro sesiones programadas por el autor en correspondencia con sus películas e intereses creativos.
Oliver Laxe representa una de las miradas más radicales del panorama fílmico contemporáneo. Su cine es un espacio resiliente, espiritual y transcultural, impregnado de un nomadismo cultural y social que refleja la vida y las creencias del cineasta, y que, en último término, propone una ética antimaterialista para afrontar nuestro tiempo. Su filmografía se caracteriza por una profunda espiritualidad, un tiempo contemplativo y una conexión íntima con la naturaleza y lo sagrado. En sus películas, Laxe ha abordado temas universales, como la redención o el sentido de la existencia, a través de relatos que se desarrollan en paisajes remotos, rurales y atemporales con atmósferas influidas por el cine de género, como el western o el policíaco. Los personajes de su cine, en su mayoría actores no profesionales, atraviesan territorios físicos a la vez que experimentan viajes interiores insuflados por la culpa, el deseo de reintegrarse en comunidad o la realización de un propósito final que ignoran. La naturaleza, con especial énfasis en el desierto y en el paisaje, es otro personaje más, una presencia viva y panteísta que condiciona y refleja los conflictos humanos. El tiempo dilatado, la atención a la experiencia sensorial y las alusiones a la religiosidad antigua nos sitúan en una concepción meditativa del cine que apela a ser un manifiesto para reencantar el mundo.
En la carta blanca el cineasta ha programado cuatro películas que cartografían sus obsesiones. Highway (1999), de Serguei Dvortsevoy, una ruta por los páramos de Kazajistan a través de un circo ambulante; Las estaciones (1975), de Artavazd Peleshian, una oda al transcurrir del tiempo a través del paisaje; Trás-os-Montes (1976), de António Reis y Margarida Cordeiro, una ficción etnográfica del campesinado portugués en sus rituales y pureza vital; y La isla desnuda (1960), de Kaneto Shindô, la lucha cotidiana de una familia de cuatro miembros en un paraíso natural.
Algorave. Compartiendo código vivo
Jueves 12 de febrero, 2026 - 19:30 h
La actividad Algorave. Compartiendo código vivo celebra, en diálogo con la exposición Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, la cultura del código abierto y la música electrónica. Se trata de una muestra-concierto en la que el alumnado de Sonología y Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) pone cuerpo y sonido a los aprendizajes activados durante las VI Jornadas de Creación Sonora del RCSMM celebradas del 10 al 12 de febrero de 2026.
Al inicio de esta Algorave se introduce a las personas asistentes en algunos datos básicos de la cultura del live coding y en nociones elementales que les permitan seguir, a través de proyecciones, el proceso compositivo en tiempo real. A continuación, la música corre a cargo del alumnado del RCSMM, acompañado y respaldado por participantes de Toplap Madrid, colectivo de referencia en la práctica comunitaria y horizontal del live coding.
Este encuentro nace del compromiso didáctico del equipo de Educación del Museo Reina Sofía con el alumnado y el profesorado del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), colaboración iniciada en 2023 con el proyecto Una grieta: Escúchame a través de los oídos de un extraño.
El monstruo del trabajo
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
A partir de la idea de «el monstruo del trabajo», EquipoMotor abre un diálogo sobre cómo el museo podría volverse «un poco más Frankenstein» desde el abordaje de las condiciones materiales que reproducen, entre otras, situaciones como las que refleja Get into The Zone, la pieza elegida por el grupo intergeneracional. Es una sesión para seguir habitando la fricción, plantear preguntas incómodas y afinar el lenguaje con el que imaginar futuros en los que el malestar laboral no se silencie, sino que se organice.
Get into The Zone es un vídeoensayo de Juan David Galindo que explora estados de concentración intensiva asociados al trabajo y al ocio en entornos digitales. La pieza, cuyo título parte de la expresión usada en programación para describir un estado de hiperfoco productivo, pone en relación este estado con diagnósticos y malestares contemporáneos como TDAH, síndrome de desgaste profesional, ansiedad, depresión e hiperestimulación.
El recorrido propuesto por Galindo combina elementos narrativos y conceptuales. Conecta el uso de estimulantes —desde fármacos derivados de anfetaminas hasta café, té, mate o bebidas con taurina— con la historia económica y cultural de estas sustancias. Y también vincula estas prácticas con dinámicas de trabajo frente a pantallas, videojuegos, música electrónica y formas de ocio atravesadas por estimulación continua. La experiencia personal del autor funciona aquí como hilo conductor para situar estos procesos en un marco social e histórico más amplio.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
«Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar "esteticidio"— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?».
—T.J. DemosEste seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.