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Jueves, 3 de mayo - 19:00 h
Sesión 1
Segundo pase: viernes, 18 de mayo - 19:00 h
Presenta el primer pase David Cortés Santamarta, comisario
Presenta el segundo pase Gérard FromangerGérard Fromanger y Jean-Luc Godard
Film-tract nº 1968 [Cinepanfleto nº 1968], 1968
Francia, AD, color, sin sonido, 3 min.Anónimos
Cinétracts [Cinepanfletos], 1968
Francia, AD, b/n, VOSE, 76 min.La octavilla Cinétractez, distribuida en Mayo del 68, describe el cinétract en estos términos: “¿Qué es un cinétract?: son 2'44'' (esto es, una bobina de 16 mm, de 30 metros, a 24 imágenes por segundo) de película muda con tema político, social o de otro tipo, destinado a suscitar la discusión y la acción. Intentemos expresar a través de los cinétracts nuestros pensamientos y nuestras reacciones. ¿Para qué? Para: Oponerse-Proponer-Sorprender-Informar-Preguntar-Afirmar-Convencer-Gritar-Reír-Denunciar-Enseñar. ¿Con qué? Una pared, una cámara, una lámpara iluminando la pared. Documentos, fotografías, periódicos, dibujos, carteles, libros, etc. Un rotulador, cinta adhesiva, pegamento, cinta métrica, un cronómetro”. Este nuevo formato enfatiza tanto una voluntad de intervención política, impulsada por la urgencia revolucionaria, como una invitación, contenida en el juego de palabras que titula el texto, a una apropiación creativa de esta propuesta cinematográfica.
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Viernes, 4 de mayo – 19:00 h
Sesión 2
Segundo pase: lunes, 21 de mayo - 19:00 h
Chris Marker y Mario Marret
À bientôt, j'espère [Hasta pronto, espero], 1967
Francia, AD, b/n, VOSE, 43 min.Grupo Medvedkin de Besançon
La Charnière [La bisagra], 1968
Francia, AD, b/n, VOSE, 12 min.
Classe de lutte [Clase de lucha], 1968
Francia, AD, b/n, VOSE, 40 min.“¡Camaradas, vuestro peor enemigo es el silencio!”. Así se dirige el cineasta Mario Marret a los obreros el día de su llegada a la planta textil de Rhodiaceta en Besançon, donde se está desarrollando una huelga que anticipa las que habrán de tener lugar unos meses después, durante Mayo del 68. El documental de Marker y Marret recoge las reflexiones de los obreros sobre su trabajo y su vida cotidiana. Sin imagen, La Charnière es una pura banda sonora que registra la discusión entre cineastas y obreros tras el estreno de À bientôt, j’espère. Ese debate daría lugar a la experiencia colectiva de los Grupos Medvedkin, llamados así en homenaje al cineasta soviético Aleksandr Medvedkin. Classe de lutte es la primera película de tales grupos y supone el paso definitivo de una “película militante sobre la condición obrera a una película obrera militante” (Benoliel).
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Lunes, 7 de mayo - 19:00 h
Sesión 3
Segundo pase: jueves, 17 de mayo - 19:00 h
Grupo Medvedkin de Besançon
Serie Nouvelle société No. 5 - 7 [Serie Nueva sociedad nº 5 – 7], 1969-1970
Francia, AD, b/n, VOSE, 30 min.
Rhodia 4 x 8, 1969
Francia, AD, b/n, VOSE, 4 min.Grupo Medvedkin de Sochaux
Sochaux, 11 juin 68 [Sochaux, 11 de junio de 1968], 1970
Francia, AD, b/n, VOSE, 19 min.Jean-Pierre Thiébaud / Grupo Medvedkin de Besançon
Le Traîneau-échelle [El trineo-escala], 1971
Francia, AD, color, VOSE, 8 min.Michel Desrois / Grupo Medvedkin de Besançon
Lettre à mon ami Pol Cèbe [Carta a mi amigo Pol Cèbe], 1970
Francia, AD, color, VOSE, 17 min.De la alianza entre obreros y cineastas que se constituyó en los Grupos Medvedkin surgen un conjunto de películas que desbordan los parámetros convencionales de lo que se entiende como cine militante. Denominada genéricamente en irónica alusión a la “nueva sociedad” prometida en la época por el primer ministro francés, la serie Nouvelle société recoge distintos conflictos en fábricas francesas. En Rhodia 4 x 8 una canción de la cantautora militante francesa Colette Magny acompaña secuencias que muestran los repetitivos ritmos y extenuantes turnos de trabajo en la cadena de montaje. Sochaux, 11 juin 68 recuerda uno de los más brutales episodios de represión gubernamental de Mayo del 68. Le Traîneau-échelle conforma un singular poema visual donde se yuxtaponen imágenes de esperanza con aquellas que documentan el horror de la historia. Un único plano-secuencia, rodado desde el interior de un automóvil, estructura la Lettre à mon ami Pol Cèbe, en el que la permanente visión de la carretera es paralela al diálogo de los tres ocupantes, miembros de los Grupos Medvedkin, que reflexionan sobre las posibilidades del cine militante.
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Jueves, 10 de mayo – 19:00 h
Sesión 4
Segundo pase: viernes, 25 de mayo - 19:00 h
Grupo Medvedkin de Sochaux
Les trois-quarts de la vie [Las tres cuartas partes de la vida], 1971
Francia, AD, b/n, VOSE, 18 min.Grupo Medvedkin de Sochaux
Week-end à Sochaux [Fin de semana en Shochaux], 1971
Francia, AD, color, vOSE, 53 min.El Grupo Medvedkin de Sochaux continuará, a partir de 1969, el proyecto del cine obrero militante que se había iniciado en Besançon. En palabras de Bruno Muel, el colectivo trataba de "mostrar las prohibiciones culturales que hay que vencer, lo que podríamos calificar como usurpaciones al saber, para conseguir los medios con los que luchar de igual a igual contra aquellos que piensan que cada uno debe permanecer en su lugar". Obreros de la planta industrial de Peugeot en Sochaux, junto a algunos de los promotores del anterior grupo, como Pol Cèbe o Muel, realizan las películas Les trois-quarts de la vie y Week-end à Sochaux para denunciar tanto su situación laboral en las cadenas de montaje como una existencia diaria completamente sometida al trabajo. A ello se refieren esas “tres cuartas partes de la vida” que dan título al primer mediometraje, cuyos registros y recursos, que incluyen una inédita, irreverente y satírica dimensión teatral tan cercana al carácter popular de la commedia dell´arte como a la performance, habrán de profundizarse en el posterior Week-end à Sochaux.
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Viernes, 11 de mayo - 19:00 h
Sesión 5
Segundo pase: lunes, 28 de mayo – 19:00 h
Bruno Muel / Grupo Medvedkin de Sochaux
Avec le sang des autres [Con la sangre de los otros], 1974
Francia, AD, color, VOSE, 52 min.Avec le sang des autres certifica la disolución de la experiencia colectiva de los Grupos Medvedkin. Concebida como una iniciativa común, será finalmente el cineasta Bruno Muel quien filme este abrumador documental sobre la explotación laboral en la fábrica Peugeot de Sochaux, la más grande de Francia. Nada queda en ella del humor ni del sentido provocador que poseían las películas inmediatamente anteriores del Grupo Medvedkin. La cadena de montaje y la reducción de la vida a fuerza de trabajo, el tiempo administrado y la deshumanización de los cronómetros son registrados en toda su insoportable dimensión: “En este rodaje, los trabajadores insistieron tanto en la duración adecuada de los planos —de modo que se tuviera el tiempo suficiente para ver el avance de la cadena y experimentar la violencia del ruido que nunca se detiene— como en la importancia de filmar las manos de los obreros”, escribe Muel.
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Lunes, 14 de mayo – 19:00 h
Sesión 6
Segundo pase: jueves, 24 de mayo – 19:00 h
Presenta el segundo pase Sylvain George
Jean-Marie Straub
Europa 2005 / 27 octobre (cinétract) [Europa 2005/27 de octubre (cinepanfleto)], 2006
Francia, AD, color, VOSE, 11 min.
Joachim Gatti, 2009
Francia, AD, color, VOSE, 1,30 min.Sylvain George
N'entre pas sans violence dans la nuit [No entres sin violencia en la noche], 2005
Francia, AD, b/n, VOSE, 20 min.
Ils nous tueront tous [Nos matarán a todos], 2009
Francia, AD, b/n, VOSE, 10 min.
Les Nuées (my black mama's face) [Las nubes (la cara de mi mamá negra)], 2012
Francia, AD, b/n, VOSE, 8 min.
Joli mai (celui qui a tué moins de cent fois, qu'il me jette la première pierre) [Bello mayo (aquel que haya matado menos de cien veces, que me arroje la primera piedra)], 2017
Francia, AD, b/n, VOSE, 10 min.
Un peu de feu que vole (sa geste en mille éclats) [Un poco de fuego que vuela (su gesto en mil pedazos)], 2017
Francia, AD, b/n, VOSE, 11 min.Los cortometrajes de Jean-Marie Straub y de Sylvain George evidencian las continuidades y las rupturas entre los cinétracts de Mayo del 68 y el presente. El uso explícito del término por parte de los cineastas no es solo una manera de designar un determinado formato, sino que supone una afirmación del vínculo histórico y político que se establece con aquel legado. De los cinétracts realizados en 1968 deriva su planteamiento contrainformativo, tanto en lo que respecta a su inmediata inscripción en los acontecimientos contemporáneos — las revueltas en las banlieues parisinas, la represión policial, la lucha de los sans-papiers por sus derechos, el campo de refugiados de Calais o el movimiento Nuit debout— como en su oposición al lenguaje dominante de los media.
![Sylvain George. Un peu de feu que vole (sa geste en mille éclats) [Un poco de fuego que vuela (su gesto en mil pedazos)], Película, 2017](https://recursos.museoreinasofia.es/legacy_programs/06_sgeorge-peq.jpg "Sylvain George. Un peu de feu que vole (sa geste en mille éclats) [Un poco de fuego que vuela (su gesto en mil pedazos)], Película, 2017")
Celebrada el 03, 04, 07, 10, 11, 14, 17, 18, 21, 24, 25, 28 may 2018
En mayo de 1968, el desafío al poder, movilizado en las manifestaciones, en la reapropiación de la calle, en las nuevas formas de autoorganización, en la ocupación de las fábricas o de las universidades y en la larga huelga general, estuvo impulsado ante todo por la potencia subversiva del encuentro horizontal entre identidades y ámbitos que la sociedad mantenía separados, por la toma de la palabra colectiva y por el cuestionamiento de cualquier forma de representación, fuera esta política, cultural, mediática o sindical.
La dimensión colectiva y anónima, crucial en el acontecimiento, encuentra su reflejo en los cinétracts, literalmente cinepanfletos o panfletos cinematográficos, y en las películas de los Grupos Medvedkin, formados por obreros y cineastas (realizadores y técnicos). Estas prácticas, que constituyen el centro del presente ciclo, conforman las expresiones más sustanciales de un cine que impugnaba tanto la noción tradicional de autoría como los dispositivos habituales de producción fílmica. En ellas parece revelarse lo que el filósofo Jacques Rancière ha enunciado como el principio mismo de una política y una democracia radical: “el reconocimiento del poder de cualquiera”.
Los cinétracts son cortometrajes de dos a cinco minutos de duración, rodados bajo una política de anonimato por una serie de directores profesionales, entre ellos Jean-Luc Godard, Alain Resnais o Chris Marker –a quien se debe la iniciativa–, y de cineastas aficionados. Pueden considerarse el equivalente fílmico de los célebres carteles y grafitis de Mayo: factura y recursos sencillos e impacto visual para una labor de contrainformación.
La experiencia colectiva de los Grupos Medvedkin, llamados así en homenaje al cineasta soviético Aleksandr Medvedkin (1900-1989), creador del “cine-tren” en la década de 1930, supuso la realización de películas militantes por parte de los obreros. Algunos profesionales, como Chris Marker, Mario Marret o Bruno Muel, organizan talleres en Besançon y Sochaux, y ceden cámaras y material cinematográfico con la voluntad de compartir sus saberes técnicos especializados con los trabajadores, de modo que estos puedan apropiarse de la imagen y generar la propia representación de sus condiciones de existencia y trabajo. De esta alianza surgen, entre 1967 y 1974, un conjunto de películas que desbordan en sus contenidos y en su inventiva formal los parámetros convencionales de lo que se entiende como cine militante.
Este ciclo propone una aproximación a esas prácticas cinematográficas anónimas y colectivas que surgen en Mayo del 68, pero también quiere ser un modo de interrogar el propio acontecimiento cuando se cumple su cincuenta aniversario. Por ello, junto a los cinétracts del 68, se proyectan otros panfletos cinematográficos más recientes, filmados por Straub y por Sylvain George, en los que se reflejan las rupturas y continuidades entre aquel legado y el presente de un género audiovisual insurrecto.
Con el apoyo de
Comisariado
David Cortés Santamarta
Organiza
Museo Reina Sofía
Recursos
Cuaderno digital con ensayo y programa ampliado
Más actividades
Clínica 2628. Comunidad de escritura e investigación en artes
Febrero – octubre, 2026
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.
¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Paisajes en trance. El cine de Oliver Laxe
Del 5 al 28 de febrero, 2026 – Consultar programa
El Museo organiza durante el mes de febrero una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe. El ciclo dialoga con la obra HU/هُو. Bailad como si nadie os viera, una instalación del autor de Sirāt concebida para el Espacio 1 del Museo Reina Sofía. El programa incluye los cuatro largometrajes realizados hasta la fecha por el cineasta, así como sus cortometrajes y una carta blanca de cuatro sesiones programadas por el autor en correspondencia con sus películas e intereses creativos.
Oliver Laxe representa una de las miradas más radicales del panorama fílmico contemporáneo. Su cine es un espacio resiliente, espiritual y transcultural, impregnado de un nomadismo cultural y social que refleja la vida y las creencias del cineasta, y que, en último término, propone una ética antimaterialista para afrontar nuestro tiempo. Su filmografía se caracteriza por una profunda espiritualidad, un tiempo contemplativo y una conexión íntima con la naturaleza y lo sagrado. En sus películas, Laxe ha abordado temas universales, como la redención o el sentido de la existencia, a través de relatos que se desarrollan en paisajes remotos, rurales y atemporales con atmósferas influidas por el cine de género, como el western o el policíaco. Los personajes de su cine, en su mayoría actores no profesionales, atraviesan territorios físicos a la vez que experimentan viajes interiores insuflados por la culpa, el deseo de reintegrarse en comunidad o la realización de un propósito final que ignoran. La naturaleza, con especial énfasis en el desierto y en el paisaje, es otro personaje más, una presencia viva y panteísta que condiciona y refleja los conflictos humanos. El tiempo dilatado, la atención a la experiencia sensorial y las alusiones a la religiosidad antigua nos sitúan en una concepción meditativa del cine que apela a ser un manifiesto para reencantar el mundo.
En la carta blanca el cineasta ha programado cuatro películas que cartografían sus obsesiones. Highway (1999), de Serguei Dvortsevoy, una ruta por los páramos de Kazajistan a través de un circo ambulante; Las estaciones (1975), de Artavazd Peleshian, una oda al transcurrir del tiempo a través del paisaje; Trás-os-Montes (1976), de António Reis y Margarida Cordeiro, una ficción etnográfica del campesinado portugués en sus rituales y pureza vital; y La isla desnuda (1960), de Kaneto Shindô, la lucha cotidiana de una familia de cuatro miembros en un paraíso natural.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
«Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar "esteticidio"— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?».
—T.J. DemosEste seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.
Ensemble Sonido Extremo
2 FEB 2026
El ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta al Ensemble Sonido Extremo, bajo la dirección de Jordi Francés, con un programa de marcada vocación contemporánea que combina obras de referencia y estrenos absolutos. El barítono Toni Marsol participa en esta propuesta que incluye música de Georg Friedrich Haas, un nuevo encargo del CNDM a Mercedes Zavala que estrenará Aieganz y el estreno absoluto de Pierrot lunaire de Carlos Fontcuberta, concebido como una obra en espejo de la célebre partitura homónima de Arnold Schoenberg.
El programa plantea así un juego de resonancias entre pasado y presente, identidad y transformación, dentro del lenguaje camerístico actual. Una muestra clara de la voluntad del ciclo por acompañar la creación más reciente con intérpretes de referencia en el repertorio contemporáneo.