Documental y neovanguardia

Esta conferencia se aproxima al replanteamiento crítico del documental surgido en los años 70. La presentación transita entre fotografía, cine y teoría, centrándose principalmente en los trabajos de Estados Unidos y Reino Unido que buscaron reinventar la práctica documental como un proyecto radical. En consecuencia, se analizan las obras de Martha Rosler, Allan Sekula, Victor Burgin, Jo Spence o el Berwick Street Film Collective. La presentación profundiza en las importantes diferencias y tensiones que surgen entre estas nuevas prácticas documentales, ofreciendo de este modo un contexto de análisis a la exposición Aún no.

¿Existieron prácticas fotográficas feministas en la España de los años 70? ¿Cómo se estructuraron o cual fue su sentido? Con el objetivo de ofrecer una serie de apuntes que enriquezcan la prácticamente inexistente historiografía feminista de la fotografía española, esta propuesta se estructura a partir del estudio de la fotografía publicada de Colita (Isabel Esteva Hernández. Barcelona, 1940) durante la Transición. Entender su fotografía en contexto, a través de su participación en revistas como Vindicación Feminista o Interviú, o en el libro Antifémina (1977, en colaboración con Maria Aurèlia Capmany), posibilita indagar sobre una praxis que va más allá de la perspectiva autora-artista y que ofrece una perspectiva renovada no solo del trabajo de esta fotógrafa, sino también de las relaciones que entre fotografía y feminismo que se dieron en el Estado español durante la década de los setenta.

A raíz del movimiento estudiantil del 68, la discusión sobre los medios de comunicación políticos de izquierdas emergió en la Alemania Occidental dentro y fuera de los círculos universitarios – abarcando desde los debates sobre el fotoperiodismo de guerra en Vietnam hasta las cuestiones en torno a la  autorrepresentación de las nuevas comunidades. En 1973, grupos de fotógrafos amateur cercanos a los sindicatos se organizaron a nivel local denominando su actividad como Arbeiterfotografie (fotografía obrera), entroncando así en la tradición de los años 20 y 30. A ellos se uniría a finales de los 70 un gran número de actividades estudiantiles. Cada vez más próximos al nuevo partido comunista DKP, estos grupos recibieron financiación de la administración de la República Democrática Alemana, que trataba de incorporar esta tradición de Arbeiterfotografie a su propio patrimonio fotográfico. Todo esto fue entretejido en la historia alemana por distintas aproximaciones teóricas, tanto antifascistas como de izquierda radical. En esta conferencia se analizan y presentan ejemplos de este trabajo fotográfico.

El cine militante frances del 68 es testigo de la fascinación por el mundo obrero. Ésta llevará a una serie de cineastas a aproximarse a las fábricas e impondrá nuevos modelos de creación colectiva. La esperanza de ver realizado un “cine obrero” auténtico, por y para los propios trabajadores, atraviesa todo este período. En Besançon y Sochaux, las películas de los grupos Medvedkin oponen así una voluntad de emancipación social y cultural e ilustran, con gran inventiva, una manera diferente de concebir la producción de imágenes. Esta conferencia trata de evocar, en el contexto post-mayo del 68 en Francia, algunas tentativas de apropiación de la "herramienta- cine" por, o al servicio de, la clase obrera.

Susan Meiselas reveló abiertamente las limitaciones cognitivas que asedian al fotoperiodista cuando se enfrenta a un acontecimiento complejo, como era el caso de la revolución sandinista. Más allá de informar y cubrir los hechos, Meiselas introdujo un reflexión insólita sobre el papel del fotógrafo en un proceso revolucionario. Con esta idea concibió Mediations, un archivo personal que retoma los avatares de sus propias imágenes publicadas en medios impresos de todo el mundo. Tal como diría la artista y escritora Hito Steyerl, estamos frente a un temprano caso de “circulacionismo”. O como lo denomina Guerra, un buen ejemplo de “antifotoperiodismo”. En cualquiera de los casos, ésta es una obra que revitaliza el potencial crítico de un género documental a menudo denostado por su servilismo.

El trabajo de Jo Spence como fotógrafa, educadora y crítica cultural se enmarca en el amplio y radical giro cultural “anti-profesional” que operó en los años 70 en Gran Bretaña. Crecida en las tradiciones de la Nueva Izquierda de posguerra, su análisis social de la fotografía y su desarrollo de una práctica documental educativa fue moldeado por el impacto transformador del movimiento feminista. Esta conferencia explora cómo la obra de Spence aborda las tradicionales dicotomías entre público/privado, subjetivo/social y personal/político desde esta mirada. A la luz del heterodoxo trabajo de Spence, ¿qué tipo de preguntas siguen planteándose ante la actual proliferación y transformaciones sociales dentro del tráfico digital de fotografías?