Arte e imaginarios turísticos I
Bajo los adoquines, la playa: La comuna de Otto Muehl en Canarias

Celebrada el 05 jun 2018
Esta conferencia inaugura una serie anual que aborda la relación entre los imaginarios turísticos y las artes visuales a partir de 1960. En colaboración con el grupo de investigación interuniversitario TURICOM. La experiencia turística: imagen, cuerpo y muerte en la cultura del ocio, el Museo presentará una vez al año un caso de estudio para reflexionar sobre de qué manera el turismo masivo, en tanto que industria de la experiencia, está conectado con la búsqueda de la vivencia que caracteriza al arte desde 1960.
Bajo este prisma, resulta pertinente, como parte de la línea investigadora del grupo, analizar el proceso paradójico de modernización iniciado en el tardofranquismo español. Por un lado, la internacionalización económica dependió de la recreación del costumbrismo local; por otro, las élites culturales aspiraban a una modernidad cosmopolita importada. En esta tensión contradictoria se desarrollaron las tendencias más experimentales de nuestra vanguardia a partir de las décadas de 1960 y 1970.
Así, la primera conferencia de la serie presenta una investigación iniciada por José Díaz Cuyás, historiador del arte y coordinador del grupo TURICOM, y desarrollada en profundidad por el artista Ralph Kistler, que toma el caso de la comuna de El Cabrito como ejemplo para analizar el contexto en el que surgieron estas comunidades de inspiración utópica, con ilusión de libertad emancipadora, que muchas veces desembocaron en experiencias de signo opuesto, devoradas por contradicciones internas y perversiones ideológicas. El análisis de este caso invita a reflexionar, además, sobre su impacto en el despertar del turismo en España, en el fomento de la venta de espacios públicos en los primeros años de la democracia, en las innovadoras tendencias artísticas posteriores a los setenta que formaron parte de El Cabrito, y en las tensiones entre la nueva permisividad en los comportamientos y las persistentes restricciones morales.
La comuna adquirió la finca de El Cabrito en 1987, un frondoso barranco en la isla La Gomera. En este espacio el artista vienés Otto Muehl (1925-2013) participó en una colonia que daría continuidad a la que había creado anteriormente, en 1973, cerca de Viena, para desarrollar sus ideas de fusión entre arte y vida desde la síntesis del psicoanálisis con el accionismo artístico. Este modelo trataba de instaurar un orden político y social basado en la libertad sexual, la propiedad colectiva y la creatividad libre, de acuerdo con un contexto internacional favorable a experiencias similares. En cuestión de pocos años, la comuna creció de manera excepcional, convirtiéndose en uno de los mayores espacios contraculturales en la Europa del siglo XX.
A principios de los años noventa, El Cabrito se situó en el centro de las críticas de los medios de comunicación nacionales e internacionales, en gran parte por el escándalo que supuso el encarcelamiento en Austria de Otto Muehl por varios delitos sexuales. La comuna acabó por disolverse en 1992 y hoy El Cabrito es un alojamiento de turismo rural basado en la agricultura sostenible y consciente de su turbulenta historia: al fin y al cabo, no deja de ser el escenario final donde la mitología emancipadora de la comuna se vio colapsada y vaciada por sus propias contradicciones internas.
En colaboración con
Grupo de investigación interuniversitario TURICOM. La experiencia turística: imagen, cuerpo y muerte en la cultura del ocio
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
José Díaz Cuyás. Historiador del arte, es profesor de Estética y Teoría del Arte en la Universidad de La Laguna. Ha comisariado exposiciones como Ir y venir de Valcárcel Medina (Fundació Antoni Tàpies, Sala de Verónicas y Centro José Guerrero, 2002) y Encuentros de Pamplona 72. Fin de fiesta del arte experimental (Museo Reina Sofía, 2008). Coordina el grupo de investigación TURICOM. La experiencia turística: imagen, cuerpo y muerte en la cultura del ocio. Ha dirigido el número 10 de la revista Concreta, dedicado a las relaciones entre arte y turismo.
Ralph Kistler. Artista. Es autor de la mayor investigación hasta la fecha sobre Otto Muehl y la colonia de El Cabrito, a la que ha dedicado su tesis doctoral La modernidad y los territorios del ocio: el caso de El Cabrito en La Gomera (2014).
Más actividades

Christian Nyampeta y la École du soir
13, 14, 15 NOV, 11, 12, 13 DIC 2025
Christian Nyampeta es un artista, músico y cineasta ruandés cuyo trabajo aborda pedagogías y formas comunitarias de producción y transmisión del conocimiento. Su Ècole du soir (la escuela vespertina) es un proyecto artístico concebido como un espacio móvil de aprendizaje colectivo. El nombre rinde homenaje a Ousmane Sembène (1923-2007), pionero del cine africano, quien definía sus películas como una «escuela vespertina» para el pueblo, un medio de educación y emancipación a través de la cultura.
Este bloque cuenta con tres sesiones con pase doble: la obra en vídeo de Christian Nyampeta, las películas de la École du soir y un largometraje de Ousmane Sèmbene. Todos los primeros pases son introducidos por el artista.

DES/ARRAIGO
11, 12, 13, 14, 15, 16 NOV 2025
El Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) lanzan la convocatoria para la edición 2025 de la School of Common Knowledge (Escuela de los conocimientos comunes), que se celebra del 11 al 16 de noviembre en Madrid y Barcelona.
El proyecto School of Common Knowledge (SCK) surge de las experiencias, redes y saberes de L’Internationale, una confederación de museos, organizaciones artísticas y universidades que busca reimaginar y practicar el internacionalismo, la solidaridad y la comunalidad dentro del sector cultural. Este año, el programa de la SCK aborda el campo de fricciones interpretativas que las nociones de arraigo y desarraigo abren en el marco de los desafíos —coloniales, migratorios y ecológicos— actuales.
Tomando como punto de partida el legado del Glossary of Common Knowledge y el actual programa europeo Museum of the Commons, la SCK invita a las personas participantes a reflexionar sobre el poder del lenguaje para configurar nuestra comprensión del arte y la sociedad, a través de metodologías de coaprendizaje. Su ambición es ser a la vez nómada y situada, abordando situaciones culturales y geopolíticas específicas, a la vez que se exploran sus relaciones e interdependencias con el resto del mundo.
En este presente marcado por el militarismo y la guerra, la criminalización de la migración y el hiperidentitarismo, los conceptos de pertenencia y no-pertenencia se vuelven inestables, demandando una reflexión colectiva que podría partir de las siguientes preguntas:
¿Cómo podemos reformular el sentido y la práctica de pertenencia a un contexto alejándonos de los reductivos paradigmas nacionalistas o de la violencia del desplazamiento? ¿Cómo sostener críticamente el entrelazamiento entre las rutas coloniales y las raíces culturales de las que formamos parte? ¿Qué hacemos con los legados tóxicos que heredamos, y con las genealogías y prácticas emancipadoras con las qué elegimos alinearnos? ¿Puede una práctica renovada de arraigo planteada a través de la construcción de coaliciones desde la afinidad formar parte de un proceso de desidentificación? ¿Qué geografías —culturales, artísticas, políticas— designan estas prácticas de descentramiento, (des)arraigo, (no)pertenencia y (des)alineamiento?
Partiendo de estos planteamientos, el programa de la escuela incluye una serie de visitas a iniciativas cuya práctica aborda estas cuestiones desde una perspectiva situada (como Museo Situado, Paisanaje o La Cocina del MACBA, entre otras); exposiciones y proyectos en curso (Proyectar un planeta negro: El arte y la cultura de Panáfrica); una conferencia inaugural a cargo de Stefano Harney y Fred Moten, así como sesiones diarias de lectura y debate, sesiones de cosecha editorial y momentos de convivencia colectiva.

Residencias Joaquim Jordà 2025
Viernes 7 de noviembre, 19:00 h
En esta actividad, los galardonados de la convocatoria 2024-2025 de las Residencias Joaquim Jordà, María Aparicio (Argentina, 1992) y Andrés Jurado (Colombia, 1980), presentan sus proyectos en relación con su corpus artístico. Una sesión abierta en la que descubrir los intereses creativos de dos de los cineastas independientes más prometedores de América Latina en la actualidad.
María Aparicio presenta el proceso de trabajo de su película De sol a sol, que acompaña a su vez con un breve recorrido por las películas que anteceden el proyecto y las búsquedas cinematográficas que viene realizando en los últimos años. Aparicio sintetiza el argumento de De sol a sol a partir de las siluetas de un grupo de hombres que asoman entre las ramas de un cañaveral. El sol sobre sus cuchillos produce destellos que aparecen y desaparecen según el movimiento de sus manos; los aprendices fraccionan las cañas sin un método, los experimentados cortan con destreza. Son trabajadores de un ingenio azucarero del norte argentino y quien los mira es Juan Bialet Massé, acompañado por Rosich, asistente y fotógrafo. Es la Argentina de 1904 y ese hombre cumple una misión que el gobierno de su país le encomendó: recorrer las provincias argentinas para revelar el estado de las clases trabajadoras.
Por su parte, durante la sesión, Andrés Jurado realiza un recorrido por sus trabajos y los de La Vulcanizadora, su productora. Asimismo, abre el archivo del proceso de investigación del proyecto Tonada, un viaje por la espiral de las traiciones a los acuerdos de paz en la historia de Colombia. Desde la época colonial, entendida como una turbulencia, un huracán que todavía sigue girando, hasta los tiempos actuales, rastrea las historias de quienes, como Tacurrumbí, Benkos Biohó, Bateman y tantas mujeres y hombres fueron traicionados por gobiernos y opresores. La película busca construir un diálogo sonoro y cinematográfico entre el desarme guerrillero de 1953 y el periodo posterior al acuerdo de paz de 2016. Tonada conjura este y otros acontecimientos y enfrenta los traumas de la traición a través de una composición cinematográfica pensada para ser cantada. ¿Y qué canta? En esta presentación se escuchan algunos de estos cantos y se comparten algunas voces.
Las Residencias Joaquim Jordà son un programa de estancias para cineastas y artistas iniciado por el Museo Reina Sofía en el año 2022. La iniciativa consiste en una beca para la escritura de un proyecto fílmico de carácter experimental y ensayístico, así como dos estancias posteriores en FIDMarseille y Doclisboa, dos festivales internacionales dedicados a explorar el cine de no-ficción y las nuevas formas de expresión en el audiovisual.

Ylia & Marta Pang
Jueves 6 de noviembre, 20:00 h
El encuentro entre la productora y DJ española Ylia y la artista visual Marta Pang se presenta como un estreno en el Museo Reina Sofía. Ambas creadoras llegan desde trayectorias distintas para dar forma a un proyecto nuevo concebido específicamente para este ciclo. Ciclo que tiene como objetivo crear nuevos proyectos escénicos a partir de la fricción entre artistas y el diálogo entre disciplinas.
![Carol Mansour y Muna Khalidi, A State of Passion [Estado de pasión], 2024, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/palestine%20cinema%20day%202.jpg.webp)
Palestine Cinema Days
Sábado 1 de noviembre, 2025 – 19:00 h
El Museo Reina Sofia se une a la acción global de apoyo a Palestina con la proyección de A State of Passion [Estado de pasión, 2024] de Carol Mansour y Muna Khalidi. Esta película documental está incluida en Palestine Cinema Days Around the World, un festival anual celebrado globalmente, cada mes de noviembre, con el objetivo de mostrar cine realizado en Palestina al público internacional. La iniciativa se concibe como una forma de resistencia cultural que persigue dar voz a artistas de Palestina, cuestionar narrativas dominantes y generar redes de solidaridad con el pueblo palestino.
Palestine Cinema Days Around the World tiene su origen en Palestine Cinema Days, un festival organizado en Palestina desde 2014 con la idea de visibilizar el cine palestino y de apoyar a la comunidad fílmica local. En 2023 el festival fue pospuesto debido a la guerra de Gaza y, desde entonces, ha cobrado una dimensión sin fronteras, con una muestra en 2024 de cerca de 400 proyecciones internacionales en casi sesenta países. Este esfuerzo global es una muestra de solidaridad con Palestina y una amplificación de las voces y redes de apoyo al pueblo palestino en todo el mundo.
A State of Passion expone las atrocidades cometidas contra la población en Gaza a través del testimonio del doctor palestino-británico Dr. Ghassan Abu Sittah. Un cirujano plástico en Londres que toma la decisión de volver a Gaza y salvar vidas en los hospitales de la ciudad, en medio del bombardeo indiscriminado del ejército israelí contra la población. Una película necesaria que expone en primera persona la experiencia de cuarenta y tres días trabajando 24 horas sin descanso en los hospitales Al Shifa y Al Ahli de la ciudad de Gaza.

![Bette Gordon, Variety [La celda de cristal], película, 1983](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/snippet_cine-verano-2024_0.jpg.webp)

![Miguel Brieva, ilustración de la novela infantil Manuela y los Cakirukos (Reservoir Books, 2022) [izquierda] y Cibeles no conduzcas, 2023 [derecha]. Cortesía del artista](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ecologias_del_deseo_utopico.jpg.webp)
![Ángel Alonso, Charbon [Carbón], 1964. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/perspectivas_ecoambientales.jpg.webp)