Celebrada el 17 dic 2016
El Museo Reina Sofía presenta la pieza 20 Dancers for the XX Century del coreógrafo francés y actual director del Musée de la danse, Boris Charmatz, que contará con la participación de veinte bailarines y performers, y se desarrollará en diferentes salas de la Colección del Museo.
20 Dancers for the XX Century está concebida como un archivo vivo en el que veinte bailarines de diferentes generaciones interpretan, recuerdan, se apropian, reproducen, explican y transmiten extractos de una selección de solos de la danza del siglo XX originalmente creados o interpretados por figuras relevantes del arte. Cada bailarín presenta su propio “museo”, interactuando libremente con diversos espacios de la Colección. Con esta pieza, Charmatz explora y expande la noción de museo como institución viva, donde tiene cabida la práctica dancística.
Parafraseando a Boris Charmatz, este proyecto aborda, más que la herencia, una especie de arqueología: pretende extraer gestos del pasado, gestos restaurados, reinterpretados por el cuerpo del bailarín en el presente. Desde un punto de vista metafórico, así como literal, la colección de un museo de la danza reside en los cuerpos de los bailarines. El cuerpo es el espacio de almacenamiento más operativo: formado por los gestos, habitado por recuerdos listos para ser activados, en el presente y en el futuro. Los bailarines, artistas y actores que participan en esta pieza son libres de elegir y recordar, de enseñar, de hablar, de repetir, de reproducir, de reapropiarse de los solos que deseen. El conocimiento que poseen sobre las distintas obras puede provenir de la educación o de haberlas interpretado antes, y sus ejercicios pueden adoptar la forma de una reapropiación salvaje o de un respetuoso homenaje, de una partición, de un texto, de la lectura de documentos. Los solos se muestran donde los bailarines piensan que es prudente mostrarlos, presentarlos, encarnarlos, pero sin ser asignados a un lugar, a un tiempo estricto. De esta forma, se hace hincapié en la movilidad, la fluidez de los cuerpos: no hay programa a seguir, ningún horario a prever; nadie sabe exactamente quién presentará qué, ni cuándo, ni dónde. Pero todos están invitados a discutir, hablar, cuestionar, comentar.
La actividad se acompaña de un encuentro con el coreógrafo que tendrá lugar el martes 13 de diciembre en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel.
Los proyectos de Boris Charmatz (Chambéry, Francia, 1973) se centran en investigar, repensar y desarrollar la danza desde distintas perspectivas. Reconocido internacionalmente por sus creaciones experimentales, sus obras se han presentado en importantes festivales internacionales y en museos como el MoMA de Nueva York. Recientemente la Tate Modern y el Sadler´s Wells de Londres le han dedicado un programa atendiendo a su faceta más coreográfica, por un lado, y a la más performativa, por otro.Tras su paso por Les Champs Libres (Rennes, 2012); el MoMA (Nueva York, 2013); el Festival Foreign Affairs (Berlín, 2014); la Tate Modern (Londres, 2015), y el Palais Garnier (París, 2015), 20 Dancers for the XX Century llega al Museo Reina Sofía coincidiendo con la participación de la compañía Musée de la danse en el XXXIV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, con su pieza manger (miércoles 14 y jueves 15 de diciembre, a las 20:00 h, en los Teatros del Canal). Ambas propuestas se presentan en el marco un programa doble que permite acercar al público la figura del coreógrafo desde distintas perspectivas.
Organiza
Museo Reina Sofía en colaboración con la Comunidad de Madrid
En colaboración con
Un proyecto de
Boris Charmatz / Musée de la danse
Bailarines
Boglárka Börcsök, Magali Caillet-Gajan, François Chaignaud, Ashley Chen, Raphaëlle Delaunay, Olga Dukhovnaya, Antonia Franceschi, Latifa Laâbissi, La Ribot, Mark Lorimer, Filipe Lourenço, Vera Mantero, Fabrice Mazliah, Mani Mungai, Olga Pericet, Sonja Pregrad, Marlène Saldana, Frédéric Seguette, Frank Willens y Thomas Wodianka.
* elenco susceptible de cambios
Regidor general
Mathieu Morel
Dirección de producción
Martina Hochmuth con la colaboracion del equipo del Musée de la danse
Proyecto producido por
Musée de la danse / Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne, dirigido por Boris Charmatz. La asociación está subvencionada por el Ministerio de Cultura y Comunicación (Dirección Regional de Asuntos Culturales / Bretagne), la ciudad de Rennes, el Regional Council of Brittany y el Ille-et-Vilaine Departamental Council. El Institut Français apoya regularmente las giras internacionales del Musée de la danse.
Gracias a
Vito Acconci, Jerôme Bel, Anne Teresa De Keersmaeker, Esther Ferrer, William Forsythe, Sanja Iveković, Eszter Salamon, Meg Stuart, The Mike Kelley Foundation for the Arts, The George Balanchine Trust.
Coreografía de Merce Cunningham © The Merce Cunningham Trust. La coreografía de Merce Cunningham es interpretada por el Sr. Ashley Chen con el permiso y el apoyo del Merce Cunningham Trust. Todos los derechos reservados.
Marco Antonio Álvarez Fernández, Laura Andreu Sedeño, Elisa Angelina Antunes, Matías Daporta González, Ana Isabel Guzmán Morales, Irene Holguín Gómez, Anastasiia Lauhina, Helena Llorente de Carli, Ana Martín García, Nicole Pérez Rapp, Daniel Raventós Puchol, Marta Salas Lozano y Clara Santiago Beato
Recursos
Bailarines y programa
Más actividades
In situ. African Guernica, de Dumile Feni
De lunes a sábados, del 1 de abril al 22 de septiembre, 2026 – Consultar horarios
In situ es un nuevo formato de mediación en sala que, en lugar de proponer una visita al uso o un itinerario, invita a una conversación cercana y pausada con el personal de Educación para compartir detalles y activar reflexiones abiertas en torno a distintas obras, artistas o salas del Museo.
En esta ocasión, la atención se centra en African Guernica [Guernica africano], una obra creada en 1967 por el artista sudafricano Dumile Feni en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. El monumental dibujo de Dumile Feni se expone por primera vez fuera de Sudáfrica y lo hace en diálogo con otro gran alegato contra la violencia y el antiautoritarismo, Guernica, la icónica obra de Pablo Picasso en la que se inspiró, pintada treinta años antes.
Manel Muntaner. Especial 84
28 MAR 2026
—Con la presentación y coloquio de Manel Muntaner
El ciclo de cine cierra con una distopía sobre la década de 1980, considerada una de las piezas de culto del vídeo español y, sin embargo, una de las más olvidadas hasta la fecha. En Especial 84, Manel Muntaner entremezcla pasajes clave de la novela 1984 de George Orwell con imágenes contemporáneas de vigilancia, dominación, violencia, resistencia y sometimiento. El vídeo recuerda el reverso tenebroso de los años ochenta, tiempo de giro neoconservador en políticas internacionales y de la pandemia del SIDA, a través de una cuidada selección de fragmentos de ficción y noticias reales que, narradas con una apocalíptica voz en off, parece convertir las advertencias de Orwell en una acuciante profecía.
Pensar con el Guernica africano de Dumile Feni
Miércoles 25 de marzo, 2026 - 19:00 h
La comisaria Tamar Garb reúne en un panel a especialistas en diferentes disciplinas, desde el arte y la antropología social hasta los estudios africanos y la historia de la violencia, con motivo de la primera edición del ciclo La historia no se repite, pero rima que gira en torno a African Guernica [Guernica africano, 1967] de Dumile Feni (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991). El encuentro tiene como objetivo reflexionar de manera colectiva sobre los puntos de encuentro entre la obra de Pablo Picasso y la del artista sudafricano.
Guernica africano es el dibujo monumental creado por Dumile Feni en los años sesenta y se expone por primera vez fuera de Sudáfrica, en un diálogo con Guernica (1937) de Picasso. Este encuentro físico provocador invita a considerar ambas obras como manifiestos antibelicistas y antitotalitarios, aunque relativos a lugares y momentos diferentes.
En el panel, Siyabonga Njica presenta el contexto artístico y cultural de Johannesburgo en la década de 1960, momento en el que se enmarca la obra de Feni. Por su parte, Pumla Gobodo-Madikizela se encarga de abordar el trauma del apartheid desde el punto de vista de lo estético y lo onírico. Thozama April analiza el corpus del artista en relación con las prácticas de archivo y la conservación. Por último, Elvira Dyangani ofrece una visión del Guernica Africano desde la problemática de la modernidad panafricana y el colapso del binomio centro-periferia.
Estos encuentros, que forman parte de las líneas de trabajo principales de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar y acercar al público las Colecciones y exposiciones temporales del Museo.
![Dumile Feni, You Wouldn’t Know God if he Spat in your Eye [No conocerías a Dios ni aunque te escupiera en un ojo], 1975, detalle](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/dumie_feni_charla_grande.png.webp)
La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano
Martes 24 de marzo, 2026 - 18:30 h
Con motivo de la exposición La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano, su comisaria Tamar Garb, introducida por el director del Museo Reina Sofía Manuel Segade, expone las oportunidades de reflexión que ofrece la exhibición en el espacio del Museo de la pieza African Guernica [Guernica africano, 1967], el hermano africano de la emblemática obra de Pablo Picasso. El encuentro finaliza con el estreno en directo de una pieza musical que los artistas sudafricanos Philip Miller y Tshegofatso Moeng han compuesto para esta ocasión.
African Guernica, el dibujo monumental creado por el artista sudafricano Dumile Feni (Worcester, Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991) en los años sesenta, se expone por primera vez fuera de Sudáfrica en diálogo con Guernica (1937) de Picasso. La obra de Dumile Feni está profundamente vinculada a la procedencia de su autor, ya que surge en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. Contemplar ambas obras en espejo permite considerar sus referencias y recursos compartidos, similitudes y sinergias, y también las diferencias formales y figurales que son en gran medida consecuencia de su separación geográfica y temporal.
Por su parte, la composición musical de Philip Miller y Tshegofatso Moeng trata de establecer un diálogo paralelo entre los sonidos tradicionales sudafricanos y el repertorio clásico de cuerda, voz y viento. Para ello, se ha reunido un completo elenco de intérpretes procedentes de Sudáfrica y España.
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
Kebyart
23 MAR 2026
El cuarteto Kebyart, una de las formaciones de música de cámara más innovadoras del panorama europeo, regresa al ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) con un programa de gran densidad expresiva y exploración tímbrica.
El grupo catalán se adentra en la escritura refinada y casi espectral de Georg Friedrich Haas, de quien interpretan su primer cuarteto de saxofones y estrenan su Cuarteto de saxofones n.º 2, una obra que promete llevar los recursos del instrumento a sus límites más poéticos. Les acompañan los brillantes Fragments striés de Hèctor Parra y la aplaudida Entr’acte de Caroline Shaw, en la que la compositora neoyorquina subvierte con ironía y belleza los moldes clásicos del cuarteto.