Ute Aurand. Gente, lugares, vidas

Duración total: 76’

Margaret Tait. Portrait of Ga [Retrato de Ga]
Escocia, 1952, 16mm, color, VO en inglés sin subtítulos, 4’30’’

Renate Sami. Wenn du eine Rose siehst [Cuando ves una rosa]
Alemania, 1995, DCP, sonido, 5’

Utako Koguchi. Sleeping Flower [Flor durmiente]
Japón, 1991, 16mm, color, sonido, 1991, 7’

Marie Menken. Notebook [Cuaderno de notas]
Estados Unidos, 1962-1963, 16mm, color, silente, 10’

Maria Lang. Familiengruft - ein Liebesgedicht an meine Mutter [Cripta familiar-un retrato de amor a mi madre]
Alemania, 1981, archivo digital, VO en alemán con subtítulos en español, blanco y negro, 10’

Ute Aurand y Ulrike Pfeiffer. Oh! Die vier Jahreszeiten [¡Oh! Las cuatro estaciones]
Alemania, 1986-1988, archivo digital, color, sonido, 20’

Ewelina Rosinska. Erde im Mund [Tierra en la boca]
Polonia, 2020, DCP, color, sonido, 20’

Aurand pertenece a una tradición lírica y vibrante del cine en primera persona, en la que sostiene un diálogo con autoras del pasado, como la norteamericana Marie Menken (1909-1970) o la escocesa Margaret Tait (1918-1999), pero también del presente, como la polaca Ewelina Rosinska (1987). Una conversación sin fronteras generacionales ni geográficas, a la que se suman la japonesa Utako Koguchi (1961), mentoras como Renate Sami (1935-2023) y coetáneas como Maria Lang (1945) o Ulrike Pfeiffer (1951), todas ellas valedoras del cine como una forma de poesía y en la concepción artesanal del 16mm. 

—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase, con moderación de Pablo Marín, programador y teórico de cine experimental 
Proyección en 16mm
Duración total: 70’

Ute Aurand. To Brasil [Para Brasil]
Alemania, 2023, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 18’

Ute Aurand. Glimpses from a Visit to Orkney in Summer 1995 [Destellos de una visita a Orkney en verano 1995]
Alemania, 2020, 16mm, color, silente, 4’30’’

Ute Aurand. Four Diamonds [Cuatro diamantes]
Alemania, 2016, 16mm, color, sonido, 4’30’’

Ute Aurand. Junge Kiefern [Pinos jóvenes]
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 43’

Lugares visitados por Aurand a lo largo de su vida: Brasil, Japón o Escocia, en los que la fascinación por la cultura local se mezcla con la sensación visual de carácter impresionista. Fragmentos evanescentes de arquitecturas, gentes y naturalezas hablan de la dimensión temporal del viaje, pero también de la propia cineasta, con su cámara siempre en mano, sin trípode y en movimiento, como prolongación de su cuerpo. Una oda al conocimiento y al aprendizaje del viaje. 

—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase
Duración total: 61’

Ute Aurand. Maria und Die Welt [María y el mundo]
Alemania, 1995, archivo digital, color y blanco y negro, sonido, 15’

Ute Aurand. Kopfüber im Gëast [Colgando boca abajo en las ramas]
Alemania, 2009, 16mm, color, silente, 15’

Ute Aurand. Zu Hause [En casa]
Alemania, 1998, 16mm, blanco y negro, sonido,  2’30’’

Ute Aurand. Paulina
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’

Ute Aurand. Franz
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’

Ute Aurand. Lisbeth
Alemania, 2011, 16mm, color, silente, 3’

Ute Aurand. Lisa
Alemania, 2017, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 5’

Ute Aurand. Renate
Alemania, 2021, 16mm, color y b/n, sonido, 6’

Ute Aurand. Zuoz
Alemania, 2009, 16mm, color, sonido, 1’30’’

Ute Aurand. Sakura, Sakura
Alemania, 2015, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 3’

Aurand compone estos retratos fílmicos, plenos de ternura y empatía, a partir de prolongadas convivencias con los retratados, en su mayoría procedentes de la comunidad artística y afectiva de la artista. Esta galería de retratos constituye, en este sentido, un homenaje a la escena cultural alternativa de Berlín durante las últimas décadas. Las figuras se funden con su entorno en un montaje rítmico y veloz que habla del inexorable paso del tiempo.  

Digitalizado en 2021 por el Arsenal Filminstitut en colaboración con el Harun Farocki Institut tras un largo período de invisibilización, On Africa fue realizada por el cineasta, antropólogo visual y pedagogo estadounidense Skip Norman en 1970, tras su graduación en la Academia Alemana de Cine y Televisión de Berlín, de cuya primera promoción formó parte, junto a figuras como Harun Farocki, Hartmut Bitomsky y Holger Meins. 

On Africa es, por diferentes razones, una película de sustitución. Norman pretendía documentar la lucha de liberación contra el colonialismo portugués en Angola. Sin embargo, como las autoridades coloniales le impidieron desembarcar en Luanda —por carecer de permiso de rodaje, como todo parece indicar — el equipo grabó y montó la película en Berlín Occidental. La intrincada historia material del rodaje contribuye de alguna manera a explicar el complejo tejido formal de On Africa y su alto nivel de reflexividad. Dos vectores estructuran dialécticamente la película, en línea y en ruptura respectivamente con el canon del cine anticolonial de aquel período histórico. Un vector didáctico, desarrollado a través del reempleo y montaje de fotografías de archivo coloniales y anticoloniales acompañadas de un coro de voces en off que comienza por dilucidar los engranajes del colonialismo para luego presentar, enumerándolos, los movimientos de liberación anticoloniales africanos. Por otro lado, un vector experimental, desarrollado en dos segmentos narrativos destacados por su elevado grado de experimentación y su dimensión contraetnográfica. Así, los travellings sobre la Kurfürstendamm, una de las principales arterias de la antigua Berlín Occidental —filmados en 16mm y blanco y negro y formalizando un movimiento de rotación de la mirada— son negativizados para hacer visible la dimensión espectral de las infraestructuras de la antigua metrópoli. Por su parte, la secuencia de fotografías de archivo de la Conferencia de Berlín (1884-1885) no solo reconstituye la historia del sistema colonial moderno, sino que confronta a la sociedad alemana con el espejo ya no opaco de su propio colonialismo. On Africa prolonga la dimensión espectral de ciertas sinfonías urbanas que, al manifestar un «desprecio por lo mimético», expresión de la teórica estadounidense Annette Michelson a propósito de Dziga Vertov, se desvían del modelo perceptivo y cognitivo dominante. Más que un manifiesto sobre la política del colonialismo y del anticolonialismo, On Africa se afirma, así, como una expresión y una herramienta de descolonización de la esfera de la representación.

Morgenkreis [Círculo de la mañana, 2025], de la cineasta de origen palestino Basma al-Sharif, transpone al presente enunciativo la mirada contraetnográfica espectral de On Africa, al recorrer las infraestructuras logísticas de Berlín, sus líneas de tránsito y arquitecturas postmodernas. Además de hacer visibles las capas de la historia, estas infraestructuras encarnan al capitalismo posfordista, mientras sus figuraciones evocan la responsabilidad alemana en varios genocidios, incluyendo el genocidio en Armenia, a cuya diáspora pertenecen los personajes. Esta película, filmada en 16mm, interroga los dispositivos biopolíticos de la sociedad alemana a través de la mirada desencarnada y la voz en off del interrogador de la policía, así como de la profanación del círculo matinal del Kindergarten, importante mecanismo disciplinario de los Estados-nación modernos introducido en Alemania en el siglo XIX. Si el círculo es aquí un motivo y una forma, el filme también es atravesado por la dialéctica de la presencia-ausencia, central en la poesía y el cine palestinos, por ausencias que se hacen presencias en las imágenes mediatizadas del genocidio en Palestina.

En diálogo con una genealogía de prácticas de análisis cinematográfico de las «inscripciones de la guerra», Control Anatomy (2024), del cineasta palestino Mahmoud Alhaj, también despliega mecanismos de profanación. En este caso, se trata de reconstituir la historia del colonialismo israelí en Gaza a través de imágenes que documentan la evolución de la tecnología militar de la ocupación y del genocidio. Su reempleo concurre con la apertura de un contracampo sensible a través del plano sonoro para invertir la no-reciprocidad entre la mirada del observador y la del observado. El dominador es sometido simbólicamente por la mirada del dominado.

Dirigida por el cineasta palestino Mustafa Abu Ali en el seno de la Palestine Film Unit, colectivo de cine militante fundado en 1968, Scenes of the Occupation from Gaza (1973) documenta la ocupación israelí en Gaza tras la Guerra de los Seis Días. La película cartografía la biopolítica del colonialismo, a la que opone la lucha de resistencia anticolonial como infraestructura emancipadora. Este filme transgrede el canon del cine militante al generar, a través del montaje, imágenes de pensamiento que inscriben las acciones de resistencia en el sintagma cinematográfico. También aquí la experimentación formal es una herramienta de descolonización en la esfera de la representación.

Ways of Seeing [Modos de ver, 1972] es una de las series de televisión más revolucionarias sobre la historia del arte, el museo y la cultura crítica contemporánea. A lo largo de cuatro episodios, un articulado y entusiasta John Berger desgrana las relaciones del arte clásico con la mirada y las nuevas tecnologías, el desnudo y el feminismo, la pintura sobre óleo y el fetichismo de la mercancía, la publicidad y el consumo. Un nivel de compromiso crítico tan solo equiparable a su capacidad de divulgación; no es de extrañar que la serie, así como el libro que la sintetizara, continúe forjando vocaciones. En esta sesión, los historiadores del arte Alberto López Cuenca y Modesta Di Paola realizan un análisis del Berger audiovisual, con especial énfasis en los capítulos 1 y 4 de la serie. En el primer capítulo, Berger reflexiona acerca de la conexión entre el hecho de ver, mirar y ser a la luz de las nuevas tecnologías, como la cámara de cine. A su vez, analiza cómo la cultura de la reproducción está transformando las pinturas en mensajes o fragmentos de comunicación mientras defiende la importancia del silencio ante las pinturas históricas. En el capítulo cuarto, último de la serie, introduce la publicidad como un nuevo lenguaje icónico-verbal que comparte ciertos principios con el mensaje de la pintura al óleo en tanto que objeto de lujo. 

La sesión abre con el estreno de una carta de Isabel Coixet, una de las cineastas españolas más reconocidas internacionalmente, a John Berger, con quien compartiera una larga amistad y admiración. El corto es un una muestra de la presencia ubicua y duradera del autor de Modos de ver, pese a su fallecimiento el pasado 2017.