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La exposición William Kentridge. Basta y sobra se centra en la producción escénica de William Kentridge, que incluye teatro, ópera y performance, y se acerca también a sus proyectos plásticos desde esta perspectiva.

William Kentridge, artista, Soledad Liaño, comisaria y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, hablan de la exposición.

Esther Ferrer, artista y Laurence Rassel, co-comisaria hablan de la exposición dedicada a la obra de la pionera de la performance en España.

Brian Walker, co-comisario de la exposición y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, hablan de la exposición dedicada a la obra del historiestista George Herriman.

Doris Salcedo y Manuel Borja-Villel, hablan de esta exposición en el Palacio de Cristal. A lo largo de su carrera, la artista Doris Salcedo (Bogotá, 1958), partiendo de una concepción expandida de la escultura y apoyándose en una rigurosa labor de investigación experiencial, ha desarrollado un complejo y multifacético trabajo en torno a la violencia política y el sufrimiento de aquellos que han quedado excluidos de unas condiciones de vida digna. Con sus creaciones busca (re)construir la historia, incompleta y fragmentada, de los seres que habitan en la periferia de la vida. No en vano, Salcedo suele describirse a sí misma como una escultora al servicio de las víctimas, concibiendo su obra como una oración fúnebre con la que trata de erigir los principios de una "poética del duelo". Y lo hace desde la premisa de que solo a través del duelo, que ella considera la acción más humana que existe, se puede devolver la dignidad y la humanidad arrebatadas.

Soledad Lorenzo, Salvador Nadales y Manuel Borja-Villel, hablan de esta exposición que presenta una amplia selección de las obras que forman parte del depósito temporal que en 2014 realizó la galerista Soledad Lorenzo al Museo Reina Sofía.

La exposición aborda los conceptos de espacio y geometría desde diversas ópticas. Partiendo de dos autores clave en la colección de Soledad Lorenzo, como Pablo Palazuelo y Antoni Tàpies, se propone un recorrido en distintos formatos de reconocidos artistas vinculados a la trayectoria de la galerista como Soledad Sevilla, Ángeles Marcos o el denominado Grupo Vasco (Txomin Badiola, Peio Irazu, Sergio Prego o Jon Mikel Euba, entre otros).

A lo largo de su carrera como intérprete y compositora, Joan La Barbara, figura destacada en el ámbito de la música experimental contemporánea, ha explorado la voz humana en su condición de instrumento multifacético. En su práctica recupera grandes clásicos, como el canto coral, e indaga en el potencial de la diversidad de timbres en un solo tono, la respiración circular inspirada en los intérpretes de corno francés y los multifónicos, por mencionar solo algunos aspectos de sus investigaciones.

La presente exposición es la primera retrospectiva en España del grupo de artistas NSK (Neue Slowenische Kunst) [Nuevo arte esloveno], que protagonizó una de las experiencias más significativas en la eclosión cultural de la Yugoslavia de los años ochenta del siglo XX, durante la Guerra Fría.

La muestra, titulada NSK from Kapital to Capital, acoge abundante material sobre el trabajo del grupo en sus distintas manifestaciones: actos públicos, conciertos, exposiciones, producciones teatrales, performances, manifiestos, entrevistas y numerosos documentos y testimonios.

El brasileño Mário Pedrosa (Pernambuco, 1900 – Río de Janeiro, 1981) fue uno de los pensadores latinoamericanos más importantes del siglo xx. Pedrosa encarna el paradigma del intelectual público, comprometido con el debate sobre el futuro de la sociedad tanto en términos culturales como políticos.
La presente exposición trata de rendir homenaje a Mário Pedrosa a través de una selección de arte brasileño e internacional que responde a cuestiones artísticas trabajadas por él en diferentes momentos de su producción intelectual.

Un lugar para el cuerpo es la primera gran exposición antológica de Franz Erhard Walther en España, en la que se presenta un amplio conjunto de esculturas, dibujos, pinturas, documentación fotográfica y material de archivo de toda su trayectoria. La exposición se articula en torno a dos temas: la acción y el lenguaje.

Entrevista a Leonor Antunes (Lisboa, 1972) cuyas intervenciones escultóricas construyen su significado desde su densa materialidad, sin remitir a un contenido simbólico concreto, transformando los lugares en los que se instalan y visibilizando las tensiones y energías que hay en ellos. En su obra se reivindica la autonomía material y significante de las formas, la potencia del gesto puro y nociones como medida, escala o proporción desempeñan un papel clave. Antunes, que vive y trabaja en Berlín, concibe la restricción como un elemento articulador de su propuesta. Al igual que artistas como Duchamp, John Cage o Rodney Graham, se autoimpone una serie de reglas metodológicas muy estrictas que, paradójicamente, le permiten trabajar con un alto grado de libertad e incorporar en sus esculturas -en las que a menudo queda patente su modo de construcción- el azar y lo arbitrario.

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento? Los comisarios de la muestra T.J Clark y Anne Wagner, junto con Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, explican los elementos claves de la tesis de esta exposición en torno al Guernica, piedra angular de la colección del Museo.

Pablo Picasso (1881-1973) es entrevistado pocas semanas antes de la inauguración de la exposición homenaje que se le rinde en el Petit Palais de París. Preguntado por cuál de sus obras o época quisiera que perdurara en el tiempo, Picasso evita responder de manera directa, señalando que cada obra es fruto de un momento, unas circunstancias y un estado. No obstante, enseguida menciona Guernica (1937), como ejemplo que ilustra su respuesta: detrás del cuadro hay una guerra. Para Picasso Guernica, como el resto de su trabajo, no se explica desde la interpretación de los signos o del mayor o menor éxito que obtenga, sino que cada obra constituye una página de un gran cuaderno de memorias y apuntes, de su propia biografía, donde lo personal es indisociable de lo artístico.

Entrevista a Pablo Picasso. En: Panorama, 21 de octubre de 1966.
Office national de radiodiffusion télévision française.

Montaje de la exposición.

Rudolf Frieling y Gary Garrels, comisarios de la exposición Bruce Conner. Es todo cierto y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, hablan de uno de los artistas norteamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. La obra de Conner surge en la escena artística de California y aborda diversas cuestiones que preocupaban a la sociedad norteamericana de posguerra: desde la incipiente cultura del consumo al terror ante el apocalipsis nuclear. En su trabajo cultiva la alternancia de medios, convertida en la seña de identidad del arte del siglo XXI, adoptando diferentes técnicas y, a menudo, creando piezas híbridas que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura, el cine y la performance, el dibujo y el grabado.

Till Fellrath, co-comisario de la muestra y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, presentan esta exposición que muestra por primera vez de manera monográfica la actividad del grupo Art et Liberté, un colectivo de artistas establecido en El Cairo durante la Segunda Guerra Mundial. La muestra está integrada por un conjunto de alrededor de cien obras pictóricas y numerosos materiales fotográficos y documentales.
El grupo Art et Liberté, fundado por Georges Henein, Ramses Younane, Kamel el-Telmisany y Fouad Kamel, cultiva una práctica artística vernácula ligada al surrealismo y al debate artístico internacional.

Un espacio, un lugar es una iniciativa para grupos familiares desarrollada íntegramente en las salas de exposición que nace con el objetivo de plantear diferentes reflexiones en torno al espacio museístico y cómo este es transformado por las propias obras. El acercamiento a las piezas trasciende su pura contemplación e invita a los niños y a los adultos pensar las formas en que circulamos y nos relacionamos a partir de las mismas.

La línea es el enunciado elemental del imaginario de Anne-Marie Schneider (Chauny, Francia, 1962) en el que la actividad autobiográfica está muy presente. El trazo remite a la escritura gestual y da forma a un enigmático universo de personajes cuyos cuerpos a menudo se desarman y rearman en fragmentos, se prolongan en el espacio doméstico y se proyectan en el paisaje.

La conservación de ciertos materiales singulares presentes en las obras de arte contemporáneo requiere la utilización de métodos y sistemas específicos. En este encuentro se aborda el caso concreto de la obra Objet surréaliste [Objeto surrealista, 1936] de Salvador Dalí, compuesta por un guante de chocolate y otros objetos, para la que se ha diseñado una vitrina con atmósfera controlada, de bajo contenido de oxígeno (anoxia). Esta fórmula resulta adecuada para la exhibición de este tipo de piezas que contienen materiales particularmente sensibles a agentes químicos y biológicos, y, por tanto, son difíciles de preservar.

Lothar Baumgarten se centra en la fragilidad de la estructura abovedada del Palacio de Cristal para crear una pieza sonora a partir de una serie de grabaciones en audio del deshielo del río Hudson al norte del Estado de Nueva York. Basándose en la transparencia de la presencia arquitectónica de su armazón de cristal, establece una analogía tonal entre el sonido atronador que provoca el hielo y el derrumbe de los mercados financieros, haciendo referencia a la especulación provocada por el crecimiento económico ilimitado y sus efectos en el dramático cambio climático.

Esta presentación de los fondos de la Colección del Museo Reina Sofía, compuesta en su mayoría por adquisiciones recientes, se aproxima a los lenguajes y prácticas artísticas que caracterizan el periodo comprendido entre finales de los años noventa y el año 2007, tanto en el contexto nacional como internacional, a partir de una serie de cuestiones compartidas que marcan el comienzo del siglo y llegan hasta la actualidad.

El Museum of Modern Art de Nueva York y el Museo Reina Sofía han organizado una de las retrospectivas más completas dedicadas al artista belga Marcel Broodthaers (1924-1976). Su extraordinaria producción artística durante las décadas de los años sesenta y setenta del siglo XX, lo situó como uno de los artistas más importantes del panorama internacional, ejerciendo desde ese momento hasta la actualidad una gran influencia en muchos artistas contemporáneos.

Otro Family Plot es una exposición antológica de Txomin Badiola cuya preparación pone de manifiesto el binomio entre construcción y deconstrucción crítica que caracteriza todo su trabajo. El artista responde a la invitación del Museo Reina Sofía con esta exposición, resultado de un proceso curatorial fruto de un proceso de discusión con un grupo de artistas que ha acompañado constantemente su trabajo, entre los que se encuentran Ana Laura Aláez, Ángel Bados, Jon Mikel Euba, Pello Irazu, Asier Mendizabal, Itziar Okariz o Sergio Prego.

Cuando algo es posible ofrece una visión panorámica de las acciones y programas que desarrolla el Departamento de Educación del Museo Reina Sofía, a partir de las voces de sus protagonistas: participantes, educadores, mediadores, profesores y miembros del equipo educativo. Este caleidoscopio de experiencias revela la gran diversidad de lenguajes, afectos y saberes que se entretejen en la labor educativa del Museo, así como las múltiples subjetividades que pueden encontrar un lugar en él.

Damián Ortega (Ciudad de México, 1967) se inicia como dibujante de historietas para periódicos en los años ochenta, abordando la escena política con acidez. Sus inquietudes plásticas dan un giro cuando se incorpora al Taller de los Viernes en Tlalpan (activo de 1987 a 1992), una suerte de escuela autónoma, donde entra en contacto con una comunidad creativa plural y alternativa al muralismo reaccionario dominante en México en aquel momento. En este marco realiza sus primeras esculturas, conservando el tono irónico de su anterior ocupación.

"Cuando algo es posible" ofrece una visión panorámica de las acciones y programas que desarrolla el Departamento de Educación de Museo Reina Sofía, a partir de las voces de sus protagonistas: participantes, educadores, mediadores, profesores y miembros del equipo educativo. Este calidoscopio de experiencias revela la gran diversidad de lenguajes, afectos y saberes que se entretejen en la labor educativa del Museo, así como las múltiples subjetividades que pueden encontrar un lugar en él.

En esta entrevista, la comisaria de la exposición realiza un recorrido por la muestra con varios caminos posibles, que tienen en cuenta las cronologías pero no se someten a la linealidad temporal. Invocando el espíritu crítico de Campo cerrado (Ciudad de México, 1943), la novela de Max Aub centrada en los años previos a la Guerra Civil, esta exposición revisa la posguerra española a partir de un trabajo de investigación que combina panorámicas generales con casos de estudio, obras conocidas con otras rescatadas del olvido, e incluye piezas de naturalezas muy diversas, en ocasiones inéditas para la historia del arte.

Este proyecto se realiza conjuntamente con un grupo de personas con y sin discapacidad interesadas en el mundo de la danza como opción profesional. El diseño, a cargo de la bailarina y coreógrafa Patricia Ruz, busca dotar al grupo de nuevas destrezas y herramientas de expresión corporal contemporáneas. Otro de los objetivos fundamentales del proyecto es favorecer un trabajo en colaboración entre personas con diferentes capacidades, enfocado hacia la construcción de una propuesta escénica que ofrezca una visión alternativa desde la diversidad.

¿Es posible hoy soñar un modelo diferente de ciudad, y una forma diferente de vida? ¿Cómo podrían ser las ciudades del futuro? Este taller relacionado con la exposición Constant. Nueva Babilonia (21 octubre, 2015 – 29 febrero, 2016) invita a los alumnos de Educación Secundaria y Bachillerato a cuestionar la ciudad que conocen, y a imaginar la ciudad que desearían habitar.

 A través de su participación en una visita comentada a la exposición y un taller diseñado por el arquitecto y artista visual Guillermo Trapiello, los alumnos reflexionan en torno a los modelos urbanísticos que habitamos y la manera en que condicionan nuestras vidas, para después proponer nuevas y creativas soluciones de convivencia social.

La exposición  de Wifredo Lam (Sagua La Grande, 1902 - París, 1982), vuelve sobre la génesis de su trabajo pero también sobre las diversas etapas y condiciones de la recepción e integración progresivas de una obra pacientemente construida entre España, París-Marsella y Cuba, trazando la singular trayectoria del artista a través de alrededor de doscientas cincuenta obras –pinturas, dibujos, grabados, cerámicas– completada con más de trescientos documentos –cartas, fotografías, revistas, libros–.

Cuatro décadas contemplan el trabajo del artista suizo Rémy Zaugg (Courgenay, 1943 – Basilea, 2005), que se muestra en el Palacio de Velázquez. La exposición Cuestiones de percepción, fruto de la estrecha colaboración entre el Museo Reina Sofía y el Museum für Gegenwartkunst de Siegen, revisa su obra basada en el estudio de la percepción, en la relación entre texto e imágenes, entre color y lenguaje, entre lo real y lo subjetivo, ente el plano y el espacio.

Salto al vacío tiene su base en los vínculos que pueden establecerse entre las artes circenses y algunas prácticas artísticas contemporáneas: la importancia concedida a las acciones y a la experiencia corporal, la relación entre arte y vida, el uso de objetos cotidianos y el papel activo que juega el espectador. Un inesperado encuentro en las salas del museo con dos artistas circenses es sólo el comienzo de una experiencia lúdica y sorprendente.

Ulises Carrión (1941, San Andrés Tuxtla, México - 1989, Ámsterdam, Holanda), figura clave del arte conceptual mexicano, fue artista, editor, comisario de exposiciones y teórico de la vanguardia artística internacional posterior a la década de 1960.

La exposición reúne alrededor de 350 piezas, entre las que se incluyen libros, revistas, vídeos, obras sonoras, arte correo, proyectos públicos y performances, junto a sus iniciativas como comisario, editor, distribuidor, conferenciante, archivero, teórico del arte y escritor. Un gran corpus de obras originales, estructurado en función de cada aspecto de su producción.

Alexandre Estrela (Lisboa, 1971) utiliza la película y el vídeo como medios centrales de su práctica artística, en la que cuestiona la materialidad de la imagen, dialogando con una historia del cine experimental, del vídeo y de la fotografía, que encuentra algunas de sus evidencias simbólicas en las películas de Marcel Duchamp, en la fotografías de Man Ray o en las narrativas cut up de Burroughs, por ejemplo.

Juan Giralt (Madrid, 1940-2007) se inició de forma autodidacta en el informalismo imperante de los años cincuenta. Una breve estancia en Holanda a finales de esa década le permitió entrar en contacto con el grupo CoBrA y empezar a definir un lenguaje pictórico más personal y permeable a una nueva interpretación de la figuración, que caracterizó su obra en las décadas de los setenta y ochenta, y le convirtió en uno de los principales referentes de la Nueva figuración madrileña. En los siguientes años, y hasta su muerte en 2007, fue incorporando paulatinamente la abstracción, sin nunca abandonar del todo el elemento figurativo, presente en el constante uso del collage y de la palabra pintada.