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Esta exposición retrospectiva que el Museo Reina Sofía dedica al artista Mario Merz (Milán, Italia, 1925-2003) recorre las derivas de una obra suspendida en una suerte de tiempo prehistórico, ajeno al discurso de la historia en la era moderna. Dicha perspectiva anacrónica, evidente en la elección de los materiales y la iconografía, es resultado de la posición ideológica y comprometida del artista en relación con el contexto político e intelectual italiano de los años sesenta y setenta del siglo XX, así como de su rechazo a la penetración del capitalismo y el modo de vida estadounidense en el mundo de la posguerra.

Delphine Seyrig (1932-1990) es conocida sobre todo por los papeles que interpretó en el cine francés de autor y, muy especialmente, en El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais. Sin embargo, en los años setenta destacó por su intensa labor como activista en compromiso con las redes del movimiento feminista. Junto con la vídeo-realizadora Carole Roussopoulos y la traductora Ioana Wieder, produjeron una serie de vídeos bajo el nombre colectivo de Les Insoumuses [Las Insumusas], en los que utilizaron el vídeo como una herramienta emancipadora y un agente de activismo político.

A partir de la emergencia de este y otros colectivos de vídeo, y atendiendo a la red de alianzas creativas que surgieron en un tiempo de gran agitación política, la exposición propone reconsiderar la historia del movimiento feminista en Francia. Películas, vídeos, obras de arte, fotografías, documentos y materiales de archivo muestran las preocupaciones políticas que este movimiento puso sobre el tapete en aquel momento histórico y que siguen resonando hoy.

Este vídeo muestra la exposición dedicada al artista David Wojnarowicz (Nueva Jersey, EE. UU., 1954-Nueva York, EE. UU., 1992) quien, desde finales de la década de 1970 hasta su prematura muerte en 1992 debido a complicaciones relacionadas con el sida, realizó una obra conceptualmente rigurosa y estilísticamente diversa. Su trayectoria combina una amplia variedad de formas, medios y dispositivos, entre los que se encuentran el uso de la fotografía como herramienta narrativa; el recurso del collage como soporte para la crítica y el posicionamiento político, apoyándose en la pobreza del propio medio; la adopción de la pintura para explorar diferentes procedimientos alegóricos, o el empleo del fotomontaje y el texto con el objeto de abordar las políticas queer y de identidad que marcaron también su papel como activista.

El Palacio de Velázquez acoge la primera gran retrospectiva que se realiza fuera de Japón del artista Tetsuya Ishida (Yaizu, Shizuoka, 1973-Tokio, 2005), cuya obra pone rostro a la experiencia del sujeto contemporáneo, indagando en la incertidumbre y la desolación de la sociedad japonesa radicalmente alterada por el desarrollo tecnológico y por las sucesivas crisis que han afectado a la economía y a la política a escala planetaria. En concreto, Ishida retrata con precisión descriptiva el estado de ánimo de su generación, marcada por el estallido de la burbuja financiera e inmobiliaria y los despidos masivos que en 1991 sumieron a su país en una profunda recesión.

Yendo leyendo, dando lugar, primera gran retrospectiva de la obra de Rogelio López Cuenca (Nerja, 1959), examina las constantes y diferentes derivaciones y ramificaciones que se han sucedido en su trayectoria. Su obra, de vocación explícitamente política —sin por ello renunciar ni a la ironía ni a una cierta perspectiva lúdica—, aborda cuestiones como, entre otras, las motivaciones e implicaciones de las políticas migratorias contemporáneas, la memoria histórica, la crítica poscolonial o la instrumentalización del arte y la cultura para promover procesos de especulación urbanística. La muestra concluye con la instalación Las islas, producida especialmente para la exposición, en la que López Cuenca hace una relectura crítica de textos y grabados históricos relacionados con el Descubrimiento de América.

La revista peruana Amauta (1926-1930), fundada y dirigida por José Carlos Mariátegui (Moquegua, Perú, 1894 – Lima, Perú, 1930), fue, sin duda, una de las más influyentes del arte del siglo XX. Concebida como una plataforma para los debates centrales de la modernidad, a diferencia de otras publicaciones de vanguardia, Amauta no fue la expresión de un grupo ni buscó imponer un único programa estético o político; más bien aspiró a convertirse en un medio de exploración y discusión en torno a los diferentes movimientos de transformación social. Precisamente, esta perspectiva abierta y plural posibilita que la presente exposición, en principio limitada a una revista, suponga una auténtica radiografía de las vanguardias en América Latina.

El norteamericano Horace Clifford Westermann (Los Ángeles, 1922-Danbury, 1981) armó una escultura propia y característica, generalmente realizada en madera con artes de ebanista virtuoso, aunque también trabajó con extraordinaria precisión otros materiales y técnicas, como el metal, el vidrio o el esmaltado. En esta exposición retrospectiva presentada por el Museo Reina Sofía, se observa cómo surge pronto una preocupación por volver al refugio, ya sea de la casa o del propio cuerpo –al que sin embargo contaminan amenazas de confinamiento y muerte–, así como una persistencia del personaje obstinado o desamparado.

Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la Transición tiene su origen en la investigación emprendida en 2008 por el departamento de Colecciones del Museo Reina Sofía, con el objetivo de reivindicar las experiencias artísticas excluidas del discurso institucional de la historia del arte español de la década de 1970. En este vídeo, Manuel Borja Villel, director del Museo, y Rosario Peiró, Jefa del área de Colecciones, explican este proceso de investigación llevado a cabo por el Museo durante una década, rememorando un periodo en el cual, junto a las demandas civiles en favor de las libertades democráticas, la justicia social y el autogobierno, surge una nueva estética vinculada a prácticas culturales innovadoras que buscan subvertir el orden franquista y los diseños institucionales que tratan de heredarlo.

En este vídeo, el director del Museo Manuel Borja-Villel y el comisario de la exposición, Serge Guilbaut, realizan un recorrido por esta extensa muestra colectiva ofrece un amplio recorrido por la producción artística de la ciudad de París durante las décadas que siguen a la Segunda Guerra Mundial, tomando como punto de partida las experiencias de los numerosos artistas extranjeros que se dieron cita en la capital y contribuyeron a forjar una heterogénea y efervescente escena cultural. Se da cuenta así de la vitalidad y la vivacidad del ambiente artístico en una época de intensos debates políticos que tenían como telón de fondo el nuevo escenario global abierto por la Guerra Fría.

Desde sus comienzos como escultor, Jaume Plensa, galardonado con el Premio Velázquez de las Artes 2013, recurre a la espiritualidad, el cuerpo y la memoria colectiva para la creación de sus obras, en las que la literatura, la psicología, la biología, el lenguaje y la historia devienen herramientas estratégicas. Con un amplio espectro de materiales (acero, hierro fundido, resina, vidrio, agua o sonido), Plensa proporciona peso y volumen físico a los componentes de la condición humana. Lo invisible es la esencia de su intervención en el Palacio de Cristal: un grupo escultórico conformado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de figuras suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo.

Esta retrospectiva ofrece una visión global y contextualizada de la multifacética propuesta desarrollada por el artista uruguayo de origen alemán Luis Camnitzer (Lübeck, 1937) a lo largo de casi sesenta años. Como ensayista, crítico de arte, comisario, pedagogo, conferenciante, creador de objetos, acciones o composiciones musicales, Camnitzer se centra en la capacidad transformadora del arte, al que considera en esencia un producto de la reflexión. A lo largo de su trayectoria aborda asuntos controvertidos de nuestro tiempo, como la crítica al arte-mercancía, la desmitificación y obsolescencia del papel del artista en la sociedad de consumo, o la capacidad de las sociedades neoliberales de convertir la educación en un instrumento propagandístico.

Esta exposición reúne parte de la extensa, meticulosa y expresiva producción de pinturas, dibujos, diseños de vestuario y decorados para ballets, esculturas “blandas”, novelas y poemas realizados por Dorothea Tanning entre Estados Unidos y Francia durante más de seis décadas. Son obras que cuentan historias de un universo personal con el que la artista trata de dar sentido a la vida moderna, y en un espacio surreal que se presenta al mismo tiempo como seductor y pernicioso. También la exposición en el Museo Reina Sofía abandona el modelo expositivo del cubo blanco para evocar la concepción surrealista del espacio y busca trasladar las figuraciones oníricas de Tanning al ámbito real, en una sucesión de habitaciones temáticas donde se despliegan las obsesiones artísticas y vitales presentes en las distintas etapas de su obra.

La donación excepcional de la familia Autric-Tamayo a la colección fotográfica del Museo Reina Sofía, unida a aportaciones anteriores de otros autores y herederos de Afal, convierte al Museo en el referente para el conocimiento de este colectivo fotográfico que se reunió en torno a la revista AFAL (1956-1963), dirigida desde Almería por José María Artero y Carlos Pérez Siquier. Sus planteamientos fueron un revulsivo para la fotografía española de la segunda mitad del siglo XX, anclada en el pictorialismo, además de lograr relacionarse con otros grupos del ámbito internacional.

La exposición Una aproximación a Afal. Donación Autric-Tamayo, que despliega la obra de Joan Colom, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Gonzalo Juanes, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Leopoldo Pomés, Alberto Schommer, Carlos Pérez Siquier, Ricard Terré y Julio Ubiña, se articula en torno a las tensiones estéticas y los propósitos vitales que definieron a los fotógrafos del grupo, enmarcados entre el formalismo y el documentalismo, el humanismo y la experimentación, el reportaje y el ensayo.

Esta exposición se aproxima al arte ruso de vanguardia desde la óptica de los cánones antiartísticos asociados al movimiento internacional Dadá. Las obras seleccionadas demuestran la intención de numerosos artistas, no solo de involucrarse en proyectos de agitación pública con connotaciones cercanas a una perspectiva marxista, sino también de adoptar la negación, la ironía, el absurdo y el azar como principios básicos de sus manifestaciones artísticas.

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color.

La exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con Kandinsky y Klee y una amplia representación de los gouaches que Sempere realizó en París, ciudad a la que llegó por vez primera en 1948 con una beca que le permitió imbuirse del conocimiento del arte moderno, durante la década de los cincuenta, época que marca un punto de inflexión en la trayectoria del artista.

Esta muestra, que abarca tres décadas del trabajo de Sempere incluye también relieves luminosos, pinturas sobre tabla, collages, móviles metálicos y esculturas móviles.

Dedicada a la artista Dora García (Valladolid, 1965), esta exposición propone un recorrido abierto por un número significativo de sus trabajos en formatos y medios diversos —películas, performances, textos y dibujos— e incide en algunas de las constantes que marcan su trayectoria. Segunda Vez toma su título del relato homónimo de Julio Cortázar, escrito en 1974, y da nombre también al proyecto más reciente de García: cuatro cortometrajes y una película, en la que estos se integran a modo de episodios, inspirados en las ideas sobre la construcción del acontecimiento y de la audiencia de Oscar Masotta, contemporáneo de Cortázar y teórico clave de la vanguardia argentina.

La muestra incluye una programación específica de performances de la artista.

La obra de Beatriz González (Bucaramanga, 1938), considerada una de las figuras más influyentes de la escena artística colombiana, ocupa un lugar único dentro de la historia del arte latinoamericano, no solo como pionera del arte pop, sino también, y casi sin proponérselo, como una incisiva y lúcida cronista de la historia reciente de Colombia. Partiendo de la cita anónima “el arte cuenta lo que la historia no puede contar”, que como nos explica la propia artista suele utilizar muy a menudo, la obra de González se articula en torno a la cuestión de la memoria. Pero no recurre a la memoria como una coartada nostálgica, todo lo contrario, su trabajo está estrechamente ligado al presente.

La exposición Pessoa. Todo arte es una forma de literatura toma su título de una cita de Álvaro de Campos, uno de los heterónimos más vanguardistas de Fernando Pessoa (Lisboa, 1888-1935), publicada en la influyente revista portuguesa presença.

Paulismo, Interseccionismo o Sensacionismo son algunos de los términos acuñados por el poeta en sus numerosos textos y que vertebran la especificidad de la modernidad portuguesa. Esta exposición recurre a esos ismos para articular un relato visual de esta escena lusa, reuniendo para ello una selección de obras de José de Almada Negreiros, Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Sarah Affonso o Júlio, entre otros, relacionadas con las principales corrientes estéticas portuguesas desde comienzos del siglo XX hasta 1935.

La reunión de la Colección Cubista de Telefónica con los fondos cubistas del Museo Reina Sofía es una propuesta en favor de la concepción plural de la experiencia cubista. Y la reunión de ambas colecciones implica, además, el dominio expositivo y argumental de la obra de Juan Gris. Plantear la experiencia cubista es, sin duda, plantear la prevalencia de la obra de Pablo Picasso y Georges Braque. Pero en el momento presente, la reconsideración de la experiencia cubista atendiendo a las formulaciones de Juan Gris es no solo lícita y posible, sino que es, además, deseable, pues contiene en sí misma la complejidad de lo que el cubismo realmente fue.

La exposición William Kentridge. Basta y sobra se centra en la producción escénica de William Kentridge, que incluye teatro, ópera y performance, y se acerca también a sus proyectos plásticos desde esta perspectiva.

William Kentridge, artista, Soledad Liaño, comisaria y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, hablan de la exposición.

Esther Ferrer, artista y Laurence Rassel, co-comisaria hablan de la exposición dedicada a la obra de la pionera de la performance en España.

Brian Walker, co-comisario de la exposición y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, hablan de la exposición dedicada a la obra del historiestista George Herriman.

Doris Salcedo y Manuel Borja-Villel, hablan de esta exposición en el Palacio de Cristal. A lo largo de su carrera, la artista Doris Salcedo (Bogotá, 1958), partiendo de una concepción expandida de la escultura y apoyándose en una rigurosa labor de investigación experiencial, ha desarrollado un complejo y multifacético trabajo en torno a la violencia política y el sufrimiento de aquellos que han quedado excluidos de unas condiciones de vida digna. Con sus creaciones busca (re)construir la historia, incompleta y fragmentada, de los seres que habitan en la periferia de la vida. No en vano, Salcedo suele describirse a sí misma como una escultora al servicio de las víctimas, concibiendo su obra como una oración fúnebre con la que trata de erigir los principios de una "poética del duelo". Y lo hace desde la premisa de que solo a través del duelo, que ella considera la acción más humana que existe, se puede devolver la dignidad y la humanidad arrebatadas.

Soledad Lorenzo, Salvador Nadales y Manuel Borja-Villel, hablan de esta exposición que presenta una amplia selección de las obras que forman parte del depósito temporal que en 2014 realizó la galerista Soledad Lorenzo al Museo Reina Sofía.

La exposición aborda los conceptos de espacio y geometría desde diversas ópticas. Partiendo de dos autores clave en la colección de Soledad Lorenzo, como Pablo Palazuelo y Antoni Tàpies, se propone un recorrido en distintos formatos de reconocidos artistas vinculados a la trayectoria de la galerista como Soledad Sevilla, Ángeles Marcos o el denominado Grupo Vasco (Txomin Badiola, Peio Irazu, Sergio Prego o Jon Mikel Euba, entre otros).

La presente exposición es la primera retrospectiva en España del grupo de artistas NSK (Neue Slowenische Kunst) [Nuevo arte esloveno], que protagonizó una de las experiencias más significativas en la eclosión cultural de la Yugoslavia de los años ochenta del siglo XX, durante la Guerra Fría.

La muestra, titulada NSK from Kapital to Capital, acoge abundante material sobre el trabajo del grupo en sus distintas manifestaciones: actos públicos, conciertos, exposiciones, producciones teatrales, performances, manifiestos, entrevistas y numerosos documentos y testimonios.

El brasileño Mário Pedrosa (Pernambuco, 1900 – Río de Janeiro, 1981) fue uno de los pensadores latinoamericanos más importantes del siglo xx. Pedrosa encarna el paradigma del intelectual público, comprometido con el debate sobre el futuro de la sociedad tanto en términos culturales como políticos.
La presente exposición trata de rendir homenaje a Mário Pedrosa a través de una selección de arte brasileño e internacional que responde a cuestiones artísticas trabajadas por él en diferentes momentos de su producción intelectual.

Un lugar para el cuerpo es la primera gran exposición antológica de Franz Erhard Walther en España, en la que se presenta un amplio conjunto de esculturas, dibujos, pinturas, documentación fotográfica y material de archivo de toda su trayectoria. La exposición se articula en torno a dos temas: la acción y el lenguaje.

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento? Los comisarios de la muestra T.J Clark y Anne Wagner, junto con Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, explican los elementos claves de la tesis de esta exposición en torno al Guernica, piedra angular de la colección del Museo.

Pablo Picasso (1881-1973) es entrevistado pocas semanas antes de la inauguración de la exposición homenaje que se le rinde en el Petit Palais de París. Preguntado por cuál de sus obras o época quisiera que perdurara en el tiempo, Picasso evita responder de manera directa, señalando que cada obra es fruto de un momento, unas circunstancias y un estado. No obstante, enseguida menciona Guernica (1937), como ejemplo que ilustra su respuesta: detrás del cuadro hay una guerra. Para Picasso Guernica, como el resto de su trabajo, no se explica desde la interpretación de los signos o del mayor o menor éxito que obtenga, sino que cada obra constituye una página de un gran cuaderno de memorias y apuntes, de su propia biografía, donde lo personal es indisociable de lo artístico.

Entrevista a Pablo Picasso. En: Panorama, 21 de octubre de 1966.
Office national de radiodiffusion télévision française.

Montaje de la exposición.

Rudolf Frieling y Gary Garrels, comisarios de la exposición Bruce Conner. Es todo cierto y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, hablan de uno de los artistas norteamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. La obra de Conner surge en la escena artística de California y aborda diversas cuestiones que preocupaban a la sociedad norteamericana de posguerra: desde la incipiente cultura del consumo al terror ante el apocalipsis nuclear. En su trabajo cultiva la alternancia de medios, convertida en la seña de identidad del arte del siglo XXI, adoptando diferentes técnicas y, a menudo, creando piezas híbridas que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura, el cine y la performance, el dibujo y el grabado.

Till Fellrath, co-comisario de la muestra y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, presentan esta exposición que muestra por primera vez de manera monográfica la actividad del grupo Art et Liberté, un colectivo de artistas establecido en El Cairo durante la Segunda Guerra Mundial. La muestra está integrada por un conjunto de alrededor de cien obras pictóricas y numerosos materiales fotográficos y documentales.
El grupo Art et Liberté, fundado por Georges Henein, Ramses Younane, Kamel el-Telmisany y Fouad Kamel, cultiva una práctica artística vernácula ligada al surrealismo y al debate artístico internacional.

La línea es el enunciado elemental del imaginario de Anne-Marie Schneider (Chauny, Francia, 1962) en el que la actividad autobiográfica está muy presente. El trazo remite a la escritura gestual y da forma a un enigmático universo de personajes cuyos cuerpos a menudo se desarman y rearman en fragmentos, se prolongan en el espacio doméstico y se proyectan en el paisaje.

Lothar Baumgarten se centra en la fragilidad de la estructura abovedada del Palacio de Cristal para crear una pieza sonora a partir de una serie de grabaciones en audio del deshielo del río Hudson al norte del Estado de Nueva York. Basándose en la transparencia de la presencia arquitectónica de su armazón de cristal, establece una analogía tonal entre el sonido atronador que provoca el hielo y el derrumbe de los mercados financieros, haciendo referencia a la especulación provocada por el crecimiento económico ilimitado y sus efectos en el dramático cambio climático.