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Lucy Lippard (1937) es una de las críticas y comisarias cruciales en la concepción e historia del arte contemporáneo. Sus escritos, exposiciones y biografía han sido objeto de numerosos estudios y muestras, como los recientes Materializing “Six Years”: Lucy R. Lippard and the Emergence of the Conceptual Art (Brooklyn Art Museum, 2012-2013) y From Conceptualism to Feminism. Lucy Lippard’s Numbers Shows 1969-74 (Afterall, 2012). Lippard fue invitada a la inauguración de la Cátedra Juan Antonio Ramírez, que trata diferentes aproximaciones a la historia del arte, entendiendo esta como un discurso en constante transformación, y marca el comienzo de la actividad del Centro de estudios del Museo Reina Sofía. Con motivo de su visita, impartió una conferencia magistral y un taller y realizó esta entrevista. En ella, repasa por vez primera el conjunto de su trayectoria, como la histórica exposición Eccentric Abstraction (1966), que supuso una crítica feminista y orgánica al minimalismo, el término clave de la “desmaterialización del arte” (1972) o su desplazamiento del sistema institucional del arte por prácticas estéticas y sociales basadas en la comunidad y en el territorio.

El norteamericano Horace Clifford Westermann (Los Ángeles, 1922-Danbury, 1981) armó una escultura propia y característica, generalmente realizada en madera con artes de ebanista virtuoso, aunque también trabajó con extraordinaria precisión otros materiales y técnicas, como el metal, el vidrio o el esmaltado. En esta exposición retrospectiva presentada por el Museo Reina Sofía, se observa cómo surge pronto una preocupación por volver al refugio, ya sea de la casa o del propio cuerpo –al que sin embargo contaminan amenazas de confinamiento y muerte–, así como una persistencia del personaje obstinado o desamparado.

La revista peruana Amauta (1926-1930), fundada y dirigida por José Carlos Mariátegui (Moquegua, Perú, 1894 – Lima, Perú, 1930), fue, sin duda, una de las más influyentes del arte del siglo XX. Concebida como una plataforma para los debates centrales de la modernidad, a diferencia de otras publicaciones de vanguardia, Amauta no fue la expresión de un grupo ni buscó imponer un único programa estético o político; más bien aspiró a convertirse en un medio de exploración y discusión en torno a los diferentes movimientos de transformación social. Precisamente, esta perspectiva abierta y plural posibilita que la presente exposición, en principio limitada a una revista, suponga una auténtica radiografía de las vanguardias en América Latina.

Yendo leyendo, dando lugar, primera gran retrospectiva de la obra de Rogelio López Cuenca (Nerja, 1959), examina las constantes y diferentes derivaciones y ramificaciones que se han sucedido en su trayectoria. Su obra, de vocación explícitamente política —sin por ello renunciar ni a la ironía ni a una cierta perspectiva lúdica—, aborda cuestiones como, entre otras, las motivaciones e implicaciones de las políticas migratorias contemporáneas, la memoria histórica, la crítica poscolonial o la instrumentalización del arte y la cultura para promover procesos de especulación urbanística. La muestra concluye con la instalación Las islas, producida especialmente para la exposición, en la que López Cuenca hace una relectura crítica de textos y grabados históricos relacionados con el Descubrimiento de América.

El Palacio de Velázquez acoge la primera gran retrospectiva que se realiza fuera de Japón del artista Tetsuya Ishida (Yaizu, Shizuoka, 1973-Tokio, 2005), cuya obra pone rostro a la experiencia del sujeto contemporáneo, indagando en la incertidumbre y la desolación de la sociedad japonesa radicalmente alterada por el desarrollo tecnológico y por las sucesivas crisis que han afectado a la economía y a la política a escala planetaria. En concreto, Ishida retrata con precisión descriptiva el estado de ánimo de su generación, marcada por el estallido de la burbuja financiera e inmobiliaria y los despidos masivos que en 1991 sumieron a su país en una profunda recesión.

Este vídeo muestra la exposición dedicada al artista David Wojnarowicz (Nueva Jersey, EE. UU., 1954-Nueva York, EE. UU., 1992) quien, desde finales de la década de 1970 hasta su prematura muerte en 1992 debido a complicaciones relacionadas con el sida, realizó una obra conceptualmente rigurosa y estilísticamente diversa. Su trayectoria combina una amplia variedad de formas, medios y dispositivos, entre los que se encuentran el uso de la fotografía como herramienta narrativa; el recurso del collage como soporte para la crítica y el posicionamiento político, apoyándose en la pobreza del propio medio; la adopción de la pintura para explorar diferentes procedimientos alegóricos, o el empleo del fotomontaje y el texto con el objeto de abordar las políticas queer y de identidad que marcaron también su papel como activista.

Delphine Seyrig (1932-1990) es conocida sobre todo por los papeles que interpretó en el cine francés de autor y, muy especialmente, en El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais. Sin embargo, en los años setenta destacó por su intensa labor como activista en compromiso con las redes del movimiento feminista. Junto con la vídeo-realizadora Carole Roussopoulos y la traductora Ioana Wieder, produjeron una serie de vídeos bajo el nombre colectivo de Les Insoumuses [Las Insumusas], en los que utilizaron el vídeo como una herramienta emancipadora y un agente de activismo político.

A partir de la emergencia de este y otros colectivos de vídeo, y atendiendo a la red de alianzas creativas que surgieron en un tiempo de gran agitación política, la exposición propone reconsiderar la historia del movimiento feminista en Francia. Películas, vídeos, obras de arte, fotografías, documentos y materiales de archivo muestran las preocupaciones políticas que este movimiento puso sobre el tapete en aquel momento histórico y que siguen resonando hoy.

Esta exposición retrospectiva dedicada a la obra de Jörg Immendorff (Bleckede, Alemania, 1945-Düsseldorf, Alemania, 2007) abarca las más de cuatro décadas de trayectoria del artista, presentando sus etapas y transformaciones esenciales: desde sus primeros cuadros, en los que deja claro que le interesaban tanto el aspecto corriente de los objetos cotidianos como el cariz artesanal de la práctica pictórica, hasta las pinturas codificadas de su último periodo creativo basado en la "depuración" del lenguaje visual con las que adquiere una renovada energía pictórica y una mayor luminosidad.

Esta exposición retrospectiva que el Museo Reina Sofía dedica al artista Mario Merz (Milán, Italia, 1925-2003) recorre las derivas de una obra suspendida en una suerte de tiempo prehistórico, ajeno al discurso de la historia en la era moderna. Dicha perspectiva anacrónica, evidente en la elección de los materiales y la iconografía, es resultado de la posición ideológica y comprometida del artista en relación con el contexto político e intelectual italiano de los años sesenta y setenta del siglo XX, así como de su rechazo a la penetración del capitalismo y el modo de vida estadounidense en el mundo de la posguerra.

Por tercer año, el programa Archipiélago invita a comprender la complejidad del mundo contemporáneo mediante la escucha, indagando en lo que se entiende por música experimental y su relación con lo popular a partir de diferentes narrativas y geografías.
Esta edición explora el concepto de tradición: un término asociado al conservadurismo y la involución frente al cambio, pero cuyo significado también implica la transmisión de conocimiento, de una persona a otra y de una generación a la siguiente.

En marzo de 2019 el Museo lanzó una convocatoria para participar en la interpretación de la pieza Udlot Udlot (1975) del compositor filipino José Maceda, cuya obra aúna su interés por la música tradicional del Sudeste asiático y de Europa. Para interpretar esta pieza no eran necesarios conocimientos musicales previos, solo asistir al taller organizado por el Museo con la colaboración de la Escuela Municipal de Música y Danza del Distrito Centro María Dolores Pradera. Cerca de cien personas aprendieron juntas la partitura acompasando sus ritmos. Aquella experiencia nos recuerda algo esencial durante esta pandemia: la potencia que reside en la unión y la convivencia respetuosa no solo entre humanos, sino con el resto de organismos vivos del planeta. 

El martes 21 de abril, 2020 tuvo lugar una conversación pública virtual entre el fotógrafo Clemente Bernad y el comisario Jorge Moreno Andrés en torno al proyecto Ante el umbral. Fue un encuentro cálido y a la vez reflexivo que partió de homenajear a las miles de víctimas del COVID 19. Las condiciones de producción de esta serie de fotografías, apenas una pequeña muestra de un vasto conjunto que no ha dejado de crecer día a día desde que comenzó el confinamiento en Madrid, parten del acto de trasponer una frontera, salir a deambular por el espacio público vedado a la mayoría pero todavía habitado y transitado. Recorrer las calles y los lugares conocidos que se han vuelto anómalos, inciertos y fantasmagóricos, para capturar fragmentos marcados por la extrañeza. Entre l+s participantes, desde distintas partes del mundo, se compartieron percepciones y experiencias de la pandemia y sus efectos de miedo, encierro y fragilidad.

La obra de Marwan Rechmaoui (Beirut, 1964) está estrechamente relacionada con el interés que surge, entre los artistas de su generación, por archivar y documentar la historia contemporánea de su país tras la guerra civil libanesa (1975-1990). Su trabajo, fundamentalmente escultórico, es fruto de la experimentación con materiales del entorno urbano como el hormigón, el plástico o el caucho, y deriva de largos procesos de investigación en los que el artista reivindica el mapa como herramienta para la deconstrucción de significados.

En esta entrevista, Rechmaoui nos desvela la importancia que tiene la conformación del espacio urbano, en su dimensión simbólica, social y política, en nuestra interpretación del pasado. Traza un recorrido por algunas piezas inspiradas en el complejo urbanismo de Beirut, como Blue Building (2015), perteneciente a la Colección del Museo Reina Sofía y en la que aborda el descontrolado desarrollo urbano de una ciudad que guarda la memoria de sucesivos terremotos, incendios y guerras. Sus instalaciones registran la historia de una ciudad en permanente reconstrucción y sometida a constantes tensiones, como las derivadas de la revolución que, en respuesta a las políticas neoliberales de las últimas décadas, ocupa hoy las plazas del Líbano.

Con motivo de la exposición David Wojnarowicz. La historia me quita el sueño (Museo Reina Sofía, 29 mayo – 30 septiembre, 2020), el artista Diego del Pozo Barriuso realizó una performance —Sin título (el erotismo lo funde todo)— a modo de paseo por la muestra. En el recorrido, que se llevó a cabo en varias jornadas, l+s participantes realizan lecturas de textos y declaraciones de Wojnarowicz, encarnando su voz a través de muchas otras voces. La propuesta se pregunta cómo vivir colectivamente ahora con el miedo al contacto después de la crisis del sida, pero también cómo celebrar el amor, la amistad y el erotismo.

Diego del Pozo Barriuso (Valladolid, 1974) es artista y profesor en la Facultad de Bellas Artes de la USAL. Su trabajo está motivado por cómo se producen las emociones con las economías y políticas afectivas que les dan forma. También es miembro de los colectivos artísticos C.A.S.I.T.A., Subtramas, y Declinación Magnética.

El 2 de septiembre de 2020 se llevó a cabo un encuentro virtual organizado por Museo Situado, en el que se dio lugar a la reflexión y al debate en torno a la pregunta cómo queremos envejecer, formulada desde las problemáticas actuales en tiempos de pandemia. La actividad fue moderada por Elisa Fuenzalida, investigadora y cuidadora durante la pandemia, y contó con la participación de Ana Gallardo, artista argentina cuya obra imagina otros modos colectivos del envejecer; Javier Rosa, fisioterapeuta en residencias geriátricas de la Comunidad de Madrid e investigador, y Rita Segato, antropóloga y feminista argentina.

La conversación giró en torno a las problemáticas que conlleva, en la actualidad, el ser ancian+ y en las distintas formas que esto toma. En este sentido, se puso la atención en la invisibilidad y el olvido que sufre este colectivo por parte de la sociedad y de las autoridades. La intervención de l+s distintas panelistas como las que surgieron por parte del público permitieron que nos cuestionemos, de ahora en más, por posibles alternativas que reviertan esta situación, donde el derecho a vivir y morir con dignidad no sea un privilegio.