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Martes, 16 de mayo /Edificio Sabatini, Auditorio
Apuntes de un proyecto irrealizado
Yve-Alain Bois, en conversación con Olga Fernández
Edificio Sabatini, Auditorio
Yve-Alain Bois es uno de los historiadores del arte que ha trabajado con más rigor y originalidad sobre artistas decisivos de la modernidad, como Pablo Picasso, Henri Matisse, Piet Mondrian y Barnett Newman. Su análisis introduce, sin embargo, elementos que contrarrestan el canon visual, como la presencia del cuerpo y del lenguaje en la abstracción y en la retícula moderna. En la misma línea, ha escrito sobre los asaltos y transformaciones del modelo abstracto en artistas como Mathias Goeritz, Lygia Clark o Katarzyna Kobro. A la luz de sus enfoques, esta conversación aborda las potencias y contradicciones del proyecto moderno.
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Lunes, 29 de mayo /Edificio Nouvel, Auditorio 200
Katarzyna Kobro y Lygia Clark. Las políticas del cuerpo en las modernidades periféricas
Jarosław Suchan
Edificio Nouvel, Auditorio 200
Esta conferencia yuxtapone las obras de Katarzyna Kobro y Lygia Clark, dos artistas que concibieron el arte como un instrumento para relacionarse con el cuerpo. Según Kobro, el arte debe producir prototipos que, basados en las formas pictóricas y escultóricas, permitan ordenar la vida y la sociedad. La plenitud del individuo y del estado de bienestar también estaba en el centro de la práctica artística de Lygia Clark. Para la artista brasileña, el arte debe producir una experiencia multisensorial que permita abandonar el predominio cartesiano de nuestro pensamiento. Estas dos prácticas artísticas y su orientación hacia la realización del sujeto y la sociedad son analizadas en relación con las formas periféricas de modernidad y modernización en las que se desarrollaron.
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Martes, 6 de junio / Edificio Nouvel, Auditorio 200
No-objetos y Quasi-objetos: notas sobre una agenda de investigación al borde de la modernidad
Mónica Amor
Edificio Nouvel, Auditorio 200
En 1959, el poeta brasileño Ferreira Gullar acuña el término “no-objeto” para aludir a la obra de los artistas neoconcretos. Este concepto, que rechazaba la autonomía de la obra de arte, fue ideado tras la influencia decisiva del crítico Mário Pedrosa, quien enfatiza en sus textos la dimensión afectiva de las formas percibidas. El “no-objeto” planteará una serie de propuestas y preguntas en torno a la relación objeto-sujeto, que transformarán profundamente el arte contemporáneo. Esta conferencia sugiere que el “no-objeto” puede plantear hoy un modo expositivo alternativo al del cubo blanco, predominante en los museos de arte moderno.
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Martes, 13 de junio / Edificio Nouvel, Auditorio 200
El Otro de la antropofagia
María Íñigo
Edificio Nouvel, Auditorio 200
Fundada en el Manifiesto Antropófago (1928), de Oswald de Andrade, la antropofagia alude a la absorción y transformación (canibalización) de las influencias occidentales en la modernidad brasileña. Desde su creación en 1928 como burla al eurocentrismo y reconocimiento de la condición poscolonial brasileña, pasando por la relectura del término en los años cincuenta, su posterior reactivación en los años setenta y su uso actual en las recientes bienales de São Paulo, esta conferencia revisa qué tipo de alteridad ha producido en cada momento.
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Martes, 20 de junio / Edificio Nouvel, Auditorio 200
El afecto de Władysław Strzemiński: "A mis amigos los judíos" (1945-1947)
Luiza Nader
Edificio Nouvel, Auditorio 200
Esta conferencia analiza la serie A mis amigos los judíos, de Władysław Strzemiński, a partir de las teorías contemporáneas del afecto. Esta serie de diez collages incluyen fotografía documental, dibujos y textos escritos a mano. Luiza Nader trata aspectos como la culpa, la vergüenza, la empatía y el vínculo con las víctimas judías para revisar la noción de solidaridad e interpretar la obra de Strzemiński como síntoma de una crisis del humanismo y de los valores modernos.
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Lunes, 26 de junio / Edificio Sabatini, Auditorio
Hacia la práctica de una modernidad afectiva: Mário Pedrosa y las leyes de la Gestalt
Kaira Cabañas
Edificio Sabatini, Auditorio
¿Qué significa mirar el arte de los pacientes psiquiátricos para nuestra comprensión de la modernidad en Brasil? Esta conferencia explora la tesis de la psicología de la forma del crítico brasileño Mário Pedrosa. En sus primeros escritos, Pedrosa insiste en la autonomía formal y sus ideas sobre la respuesta estética fueron fundamentales para la comprensión de la abstracción geométrica durante la década de los cincuenta. Sin embargo, Kaira Cabañas plantea que, debido al apoyo del crítico brasileño a la labor creativa de los pacientes psiquiátricos de la doctora Nise da Silveira, Pedrosa articuló una comprensión de la abstracción geométrica como un lenguaje afectivo e íntimo, desbordando lo racional o puramente visual.
La utopía de la forma
Abstracción y construcción entre América Latina y Europa del Este
Celebrada el 16, 29 may, 06, 12, 13, 19, 20, 26 jun 2017
Este seminario, concebido como un ciclo de conferencias, trata las transformaciones y revisiones de la utopía moderna en la abstracción de posguerra entre América Latina y Europa del Este. Programado en relación con las exposiciones Kobro y Strzemiński. Prototipos vanguardistas y Mário Pedrosa. De la naturaleza afectiva de la forma, el ciclo busca presentar relatos novedosos de la modernidad artística producidos en contextos considerados periféricos, como Polonia y Brasil tras la Segunda Guerra Mundial, pero centrales en la redefiniciones y potencialidades de la modernidad a partir de la década de 1940. Ambos márgenes van a experimentar contactos directos e influencias mutuas a nivel estético, aspecto que resulta decisivo para dibujar un nuevo mapa cultural que evite vincular centros artísticos con centros de poder.
La historia dominante argumenta que la Segunda Guerra Mundial supuso el fracaso de las vanguardias artísticas en su intención de transformar e intervenir el mundo. Por ello, en el contexto posterior de la Guerra Fría, se impone el relato del artista abstracto que se repliega en su propia subjetividad trágica y libre a la vez. Esta tesis explicaría el protagonismo de las poéticas del expresionismo abstracto y del informalismo en Estados Unidos y Europa occidental. Sin embargo, esta misma narrativa omite los sucesivos asaltos a lo real que se producen sin abandonar los postulados modernos de abstracción y experimentación formal. En Polonia, Katarzyna Kobro abordará la escultura constructivista a partir de la presencia física del cuerpo, un tema que retomará la brasileña Lygia Clark desde una dimensión clínica y terapéutica. Ambas artistas van a destacar en los sucesivos desbordamientos del objeto artístico centrándose en la experiencia corporal que provocan, una práctica común en los movimientos concretos y neoconcretos de Brasil, Polonia, Venezuela o Argentina. Del mismo modo, la relación entre modernidad y cultura popular cobrará un nuevo sentido a partir de los diálogos entre arte, territorio y modos de vida. El crítico de arte Mário Pedrosa resumirá esta aspiración cuando, influenciado por la antipsiquiatría, considere el arte del enfermo mental, marginado por su diferencia, como el nuevo sujeto de la utopía moderna de posguerra. ¿Cuáles son las características, discursos y mitos de esta modernidad múltiple e internacionalista? Este seminario propone debatir y analizar estas cuestiones en seis conferencias y casos de estudio.
En colaboración con
Organiza
Museo Reina Sofía
Certificación
Se proporcionará certificado de 15 horas para el público que lo solicite. Se requiere demostrar asistencia en cada sesión.
Participantes
Yve-Alain Bois. Historiador del arte. Es profesor en el Instituto de Estudios Avanzados de la Universidad de Princeton, ha enseñado también en las universidades Johns Hopkins y Harvard, donde fue catedrático del departamento de Historia del Arte y Arquitectura. Es autor de una serie de textos clave que abordan la crítica y las posibilidades de la modernidad, como Painting as Model (1990), Formless: A User’s Guide (1997, junto a Rosalind Krauss), Matisse and Picasso (1998) y el volumen, junto a Hal Foster, Rosalind Krauss y Benjamin H.D. Buchloh, Arte desde 1900. Modernidad, antimodernidad, posmodernidad (2006). Ha comisariado exposiciones como Piet Mondrian. A Retrospective (1994) y L´informe, mode d´emploi (1996). Su último proyecto es el catálogo razonado de Ellsworth Kelly.
Jarosław Suchan. Historiador del arte, crítico y comisario. Dirige el Muzeum Sztuki de Lodz desde 2006, tras haber sido subdirector del Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle (Varsovia, 2002-2006) y director de Bunkier Sztuki Gallery (Cracovia, 1999–2002). Ha comisariado un amplio número de exposiciones colectivas e individuales, como Tadeusz Kantor. Interior of Imagination (2005), Katarzyna Kobro/Lygia Clark (2008), Neoplastic Room. Open Composition (2010) y Kobro y Strzemiński. Prototipos vanguardistas (Museo Reina Sofía, 2017). Es autor y editor de un gran número de escritos sobre arte moderno y contemporáneo, entre los que destaca Władysław Strzemiński. Czytelność obrazów [Władysław Strzemiński: Lectura de imágenes, 2012].
Mónica Amor. Historiadora del arte. Es profesora en el Maryland Institute College of Art. Es autora del libro Theories of the Non-object. Argentina, Brazil, Venezuela, 1944-1969 (2016). Es colaboradora habitual de las revistas Artforum, Grey Room, October y ARTMargins y ha comisariado exposiciones como Más allá del documento (Museo Reina Sofía, 2000), Gego: desafiando estructuras (Fundación Serralves, 2006) y Mexico: Expected/Unexpected (Le Maison Rouge, 2008).
María Íñigo. Historiadora del arte. Es investigadora visitante de la Central Saint Martins, University of the Arts London, ha sido investigadora posdoctoral en la Universidad de São Paulo y docente en las universidades de Essex y Europea de Madrid, entre otras. Su trabajo aborda las continuidades de la mirada colonial en el estudio y exhibición del arte moderno y contemporáneo en América Latina.
Luiza Nader. Historiadora del arte. Es profesora en la Academia de Bellas Artes de Varsovia y presidenta de la sección polaca del AICA (Asociación Internacional de Críticos de Arte). Autora del libro Konceptualizm w PRL (Conceptualismo en la República Popular de Polonia, 2009), ha escrito sobre Władysław Strzemiński en distintos artículos, y su libro sobre el artista se encuentra en prensa.
Kaira Cabañas. Historiadora del arte. Profesora en la Universidad de Florida, Gainesville, ha dirigido el MA en Modern Art: Critical & Curatorial Studies de la Universidad de Columbia. Es autora de The Myth of Nouveau Réalisme: Art and the Performative in Postwar France (2013) y Off-Screen Cinema: Isidore Isou and the Lettrist Avant-Garde (2015). En 2012 fue comisaria de Espectros de Artaud: lenguaje y arte en los años 50, en el Museo Reina Sofía. En la actualidad, está ultimando el libro Learning from Madness: Brazilian Modernism and Global Contemporary Art. Es colaboradora frecuente de la revista Artforum.
![Katarzyna Kobro. Kompozycja przestrzenna (4) [Composición espacial (4)], 1929. Óleo y metal 40 x 64 x 40 cm. Muzeum Sztuki, Łódź](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Exposiciones/kobro_1.jpg.webp)
Más actividades
Gerardo Mosquera: pensador insular, curador global
19 MAY 2026
Este encuentro rinde homenaje a Gerardo Mosquera (La Habana, 1945), curador de referencia, ensayista que ha participado en debates cruciales sobre la descolonización o las derivas de la globalización, comunicador y, principalmente, un crítico de arte que ha sido capaz de situar radicalmente los discursos y las prácticas, sin dejar de asumirriesgos y manteniendo siempre posiciones éticas comprometidas.
Mosquera es uno de los curadores más reconocidos internacionalmente. Implicado en la Bienal de la Habana desde su fundación en 1984 hasta 1989, ha realizado exposicionesfundamentales en museos y centros de arte de distintas partes del mundo. Entre los proyectos que ha liderado, pueden destacarse su actividad como curador adjunto del New Museum (Nueva York, 1995-2009), la Bienal de Liverpool (2006) o la exposición No es solo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo (Museo Reina Sofía, 2000).
La mesa redonda, que cuenta con la participación del propio Gerardo Mosquera y de un conjunto de críticos de arte, pensadores y artistas como Fernando Castro Flórez, Diana Cuéllar, Lillebit Fadraga y René Francisco Rodríguez, plantea una aproximación a la actividad poliédrica y extraordinariamente fecunda de Mosquera como un maestro curatorial consagrado.
Conversación entre Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía
18 MAY 2026
Los directores del Museo del Prado y del Museo Reina Sofía, Miguel Falomir y Manuel Segade, conversan el lunes 18 de mayo en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía con motivo de la celebración del Día Internacional de los Museos, que este año se celebra bajo el lema «Museos uniendo un mundo dividido». En la charla, moderada por el periodista y poeta Antonio Lucas, los máximos responsables de estas dos grandes instituciones culturales comparten sus reflexiones sobre el papel que desempeñan en la sociedad actual.
Además de abordar la gestión artística, la conversación pretende profundizar en el potencial de los museos como puntos de encuentro ante las tensiones sociales actuales, cumpliendo así con el mandato internacional de la efeméride de este año.
La actividad puede seguirse en directo a través de este enlace.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.