Residencias Joaquim Jordà 2024: proyecciones de Serge Garcia y Richard Shpuntoff
Celebrada el 20 sep 2024
Los cineastas estadounidenses Serge Garcia y Richard Shpuntoff, seleccionados para la segunda edición del programa de residencias anual Joaquim Jordà, organizado por el Museo Reina Sofía, Doclisboa y FIDMarseille, presentan en esta actividad una selección de sus películas, así como los proyectos que están desarrollando durante su residencia.
Ambos realizadores destacan por su uso innovador del lenguaje de no ficción. La obra en 16mm de Garcia sobre las subculturas musicales, el clubbing y la fiesta como espacio de liberación, retrata iconos de la electrónica underground como Terre Thaemlitz o Jacob Sperber, más conocido como Jackie House. Por su parte, Shpuntoff se inspira en la fotografía directa de la década de 1930, siguiendo la huella de fotógrafos como Walker Evans, Lisette Model o Gordon Parks, para retratar la vida en los barrios populares de Nueva York, donde se entrelazan la memoria personal y las luchas sociales.
En esta actividad, los cineastas ofrecen una introducción a su obra y reflexionan sobre cuestiones diversas como el deseo, el género, la deslocalización, la identidad y la planificación urbana.
Serge Garcia (Los Ángeles, Estados Unidos, 1985) es cineasta y productor residente en Berlín, donde se ha dedicado a filmar subculturas como las del clubbing o noise y a sus particulares protagonistas, cultivando el género del retrato fílmico y mezclándolo con el mundo de la noche, el activismo y la autobiografía. Entre otros, ha dirigido los cortometrajes Subterraneans (2018-2021) y Grand Central Hotel (2021), que fue seleccionado y destacado por festivales como FIDMarseille, Rotterdam International Film Festival, Visionär Film Festival o Actoral - Festival des arts et des écritures contemporaines.
Richard Shpuntoff (Nueva York, Estados Unidos, 1965) es cineasta y fotógrafo residente en Buenos Aires desde 2002. Ha dirigido más de doce cortometrajes seleccionados en múltiples certámenes a nivel internacional, además de los largometrajes Julio Of Jackson Heights (2016), sobre el asesinato del trabajador sexual puertorriqueño Julio Rivera en el Queens de los noventa, y Todo lo que se olvida en un instante (2020), que se estrenó mundialmente en el festival FIDMarseille y fue aclamado como un lúcido ensayo sobre la identidad americana, la migración y el lenguaje.
Viernes 20 de septiembre, 2024 - 19:00 h
Richard Shpuntoff. El Grand 97
Estados Unidos, 2001, blanco y negro, sin diálogos, 12’
El Grand 97, un bar dominicano del Bronx de Nueva York, es filmado por Shpuntoff en blanco y negro, capturando los cafés, los clientes, la vida cotidiana y el ritmo del lugar. La utilización de la toma larga y la textura distintiva de la película en 16 mm dan forma al retrato de este negocio, destacando su atmósfera única y la vida cotidiana que lo caracteriza.
Benedetta Capanna y Richard Shpuntoff. Epiphany of Returning
Estados Unidos y Argentina, 2015, blanco y negro, sin diálogos, 9’30”
Rodado en 16 mm, este cortometraje captura el esfuerzo del cuerpo danzante durante la preparación de una coreografía, deteniéndose en la sutileza de los pequeños gestos, necesarios para concebir una danza y practicarla ante la cámara.
Richard Shpuntoff. El yuyal
Fragmento del largometraje Todo lo que se olvida en un instante, Argentina, 2020, blanco y negro, VO en español e inglés con subtítulos en inglés y español, 8’30”
— Con la presentación del director
Richard Shpuntoff reflexiona en esta pieza sobre su identidad, dividida en dos ciudades y dos idiomas, y los propios límites del lenguaje hablado, escrito y cinematográfico. Este fragmento está extraído del último largometraje del documentalista, pero se presenta como una pequeña pieza independiente.
Richard Shpuntoff. Julio Revisited
Largometraje en desarrollo, España, 2024, color, sin diálogos, 3’
—Con la presentación del director
Esta pieza es un fragmento preliminar del largometraje que el cineasta está desarrollando durante su estancia en la residencia Joaquim Jordà y que se aproxima a veinte años de la historia queer del barrio neoyorquino Queens.
Serge Garcia. Jackie House
Alemania, 2018, color, VO en inglés con subtítulos en español, 6’30”
Un retrato impresionista de Jackie House (Honey Soundsystem), el alter ego del artista y DJ queer Jacob Sperber, quien se confiesa ante la cámara mientras se prepara para impactar al particular público de SNAX Club, la mayor fiesta europea de música electrónica y S&M.
Serge Garcia. Grand Central Hotel
Alemania, 2021, color, VO en inglés con subtítulos en español, 23’
La compositora, escritora y activista trans Terre Thaemlitz pasa una noche en un hotel semivacío. Acompañada por el director y sin revelar completamente su imagen, reflexiona sobre su relación ambivalente con la identidad de género y su lugar en la sociedad convencional, que se complica al alcanzar la mediana edad.
Serge Garcia. Imágenes de inspiración para el largometraje en desarrollo Return to Vega
España, 2024, color, sin diálogos y VO en español con subtítulos en inglés, 15’
—Con la presentación del director
A través de un montaje de fotografías tomadas en 35mm por él mismo, una batería de imágenes de referencia y muestras de sus películas previas, el director presenta el proyecto de su primer largometraje, Return to Vega, que prepara con la ayuda de las Residencias Joaquim Jordà.
Organiza
Museo Reina Sofía
En el marco de
Todas las películas se proyectan en formato digital
Participantes
![Bette Gordon, Variety [La celda de cristal], película, 1983](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/snippet_cine-verano-2024_0.jpg.webp)
![Miguel Brieva, ilustración de la novela infantil Manuela y los Cakirukos (Reservoir Books, 2022) [izquierda] y Cibeles no conduzcas, 2023 [derecha]. Cortesía del artista](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ecologias_del_deseo_utopico.jpg.webp)
![Ángel Alonso, Charbon [Carbón], 1964. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/perspectivas_ecoambientales.jpg.webp)
Más actividades
Hacer es saber. Bordando la memoria
27 de octubre, 2025 - 9 de marzo, 2026
Hacer es saber. Bordando la memoria es una actividad dirigida a grupos de mujeres que participan en programas de espacios de igualdad. Consiste en un breve recorrido por la exposición Maruja Mallo. Máscara y compás y un taller plástico, donde, a través de una selección de obras de la artista gallega, las participantes dialogan y reflexionan mientras crean.
Durante la sesión se aprende a bordar sobre papel, utilizando el bordado sobre fotografía como herramienta creativa para dar voz a la memoria. A través de la exploración de puntos básicos, como flores, tallos, hojas y formas geométricas, se intervienen imágenes del pasado con color, textura y significado. El taller propone, de esta manera, un diálogo simbólico con la obra de Maruja Mallo y su reivindicación de la cultura popular, al mismo tiempo que sirve como inspiración para las propias creaciones de las participantes.
Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera
Martes 16 de diciembre, 2025 - 19:00 h
Como preámbulo a la inauguración de HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, el cineasta Oliver Laxe (París, 1982) conversa con el equipo curatorial de la exposición, Julia Morandeira y Chema González, sobre los procesos de trabajo y referencias visuales que articulan este proyecto concebido específicamente para el Museo Reina Sofía. Esta instalación inaugura la nueva programación del Espacio 1, que se dedica a partir de ahora a proyectos de artistas y cineastas que investigan la imagen en movimiento, el sonido y otros medios en sus formas expositivas.
El cine de Oliver Laxe se sitúa en un territorio resiliente y transfronterizo, donde lo espiritual convive con lo material y lo político. En HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, esta deriva toma la forma de una búsqueda hacia la trascendencia que surge entre cuerpos que bailan, arquitecturas sagradas y paisajes sometidos a fuerzas elementales y cosmológicas. La conversación pretende explorar la relación de la pieza con los imaginarios de los monoteísmos antiguos, las resonancias de la literatura sufí persa o el papel de la abstracción como resistencia frente al significado literal. Asimismo, busca analizar las posibilidades de la imagen y el rol de la música —realizada aquí en colaboración con el músico David Letellier, también conocido bajo el seudónimo de Kangding Ray— en este proyecto.
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en el relato expositivo de las muestras organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
Manuel Correa. La forma del presente
Sábado 13 de diciembre, 2025 – 19:00 h
La forma del presente es una película documental que trata los desafíos y paradojas de la memoria, la reparación y la justicia posconflicto. El filme propone una mirada desafiante e interrogadora hacia el conflicto armado que enfrentó, durante más de sesenta años, al Estado colombiano, a las guerrillas y a grupos paramilitares, y que dejó millones de víctimas en el país. La proyección está programada por el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción y cuenta con presentación y coloquio con el autor Manuel Correa.
La trama de la película recorre las consecuencias de los acuerdos de paz firmados en 2016 entre el Estado colombiano y la guerrilla de las FARC, a partir de la mirada de varias de sus víctimas. La película fue grabada justo después de la firma, en un momento en el que aún no se tenía claro qué sucedería en el país, por lo que múltiples grupos especulan dentro de la narración. Correa utiliza el potencial de las imágenes, la memoria visual y corporal, la ficción y la reescenificación como herramientas para la comprensión del conflicto, la memoria y la sanación, así como para el logro de una paz justa que reconozca y recupere a todas las víctimas.
Esta actividad se enmarca en la investigación impulsada por el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción que desarrolla la Dirección y el Centro de Estudios del Museo. Este grupo anual propone repensar, desde una perspectiva tanto teórico-crítica como histórico-artística, el complejo entramado de conceptos y ejercicios que operan bajo la noción de pacifismo. Este término no solo convoca una multiplicidad de prácticas que van desde el antimilitarismo y los movimientos antibélicos hasta la militancia por la no violencia, sino que también abre debates candentes en torno a la violencia, la justicia, la reparación o la deserción.
En este marco, el visionado busca reflexionar sobre las proposiciones de la justicia transicional y antipunitiva, y su intersección con las prácticas artísticas y audiovisuales, especialmente en conflictos que han supuesto violaciones graves de los derechos humanos. El rol desempeñado en estos conflictos por las producciones audiovisuales plantea múltiples desafíos y debates éticos, estéticos y políticos. Entre ellos, los relativos a los límites de la representación, al problema de la revictimización o a los riesgos que entraña el compromiso artístico con la justicia; cuestiones que se abordan en el coloquio posterior a la proyección.
Francisco López & Barbara Ellison
Jueves 11 de diciembre, 20:00 h
La tercera jornada del ciclo reúne a dos referentes internacionales del arte sonoro en una misma velada, con dos performances independientes que dialogan en su proximidad. Barbara Ellison abre la noche con una propuesta centrada en lo perceptivamente ambiguo y lo fantasmático, donde voces, sonidos y materiales se transforman en presencias espectrales.
Tras ella, Francisco López, el artista sonoro español de mayor proyección internacional, presenta una de sus inmersiones radicales en la escucha profunda. Su propuesta es una invitación a sumergirse en la materia del sonido como experiencia transformadora.
Esta doble cita plantea un encuentro entre dos artistas que, desde perspectivas diferentes, comparten una misma búsqueda: la de abrir el oído hacia territorios donde lo sonoro se convierte en fuerza poética y en espacio de resistencia.
¡Viva el L’Abo! Celuloide y activismo
4, 5, 6 DIC 2025
Esta tercera entrega de Los Comunes del Cine, un proyecto de investigación, programación y edición dedicado a explorar cómo el cine articula comunidades interpretativas, fomenta el debate colectivo e idea propuestas para el espacio común, presenta a L’Abominable, laboratorio cinematográfico independiente gestionado por artistas y cineastas fundado en 1996 en la periferia de París. El programa se articula en tres sesiones: una conferencia-taller sobre L’Abominable a cargo de los cineastas Pilar Monsell y Camilo Restrepo, una sesión de cortos en 16mm producidos en L’Abominable y, por último, la proyección del largometraje Une île et une nuit [Una isla y una noche], realizado por el colectivo Les Pirates des Lentillères.
Conocida por el diminutivo L’Abo, el laboratorio gestionado por artistas nace como respuesta a la desaparición de infraestructuras para el trabajo artesanal en celuloide. Su vocación es ofrecer a la comunidad creativa un espacio autogestionado en el que producir, revelar y proyectar películas en formatos analógicos como Super 8, 16mm y 35mm. Partiendo de este fundamento, L’Abominable promueve la experimentación estética y política del cine analógico frente a la hegemonía digital.
Más allá de una simple herramienta de trabajo, L'Abominable se ha convertido en un espacio de intercambios artísticos y sociales que han tejido una comunidad. Se caracteriza, por ejemplo, por dotar a la técnica de una dimensión poética, ya que es la misma comunidad la que fabrica sus propios dispositivos fílmicos. También por situar en el centro a la pedagogía, puesto que son cineastas y artistas quienes se forman entre sí. Busca, asimismo, una apertura a todos los lenguajes experimentales en torno al celuloide, como la instalación y la performance fílmica, a la vez que constituye un lugar de preservación y conservación de la historia de este medio.
L'Abominable es un ejemplo de cómo, en plena era digital, artistas y cineastas recuperan la cinematografía y reivindican todo el proceso de producción. Esta autonomía inventa rutas alternativas a la industria, al mismo tiempo que genera nuevas herramientas, desarrolla otras formas de expresión y explora territorios desconocidos del cine.