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Miércoles 26 de mayo, 2021 - 19:30 h / Cineteca Madrid (Matadero), Sala Azcona
Apertura
Luke Fowler
Patrick
Reino Unido, 2020, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 21’―Con la presentación en vídeo de Luke Fowler y presencial de Chema González, James Lattimer y Gonzalo de Pedro
―Conferencia-performance Jorge Socarras
Patrick, película más reciente del artista, se estrena a nivel nacional en esta proyección. El cortometraje muestra fragmentos de vida, no la biografía, del músico electrónico Patrick Cowley (1950-1982), pionero en el uso del sintetizador en la música disco, productor de himnos como You Make Me Feel (Mighty Real), de Sylvester (1978) o un nuevo remix de I Feel Love, de Donna Summer (1978), así como autor de excepcionales temas enérgicos y vitalistas que definieron aquella etapa de libertad sin parangón previa a la pandemia del sida en la costa oeste norteamericana. La proyección se complementa con una conferencia-performance de Jorge Socarras, acompañado por Luke Fowler. Socarras es un músico de origen español y uno de los protagonistas, junto a Cowley, de la efervescencia de la música electrónica en San Francisco a comienzos de la década de 1980.
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Viernes 28 de mayo, 2021 - 18:00 h / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Programa 1. Hacer música
Segundo pase: domingo 6 de junio, 2021 - 12:00 h
Luke Fowler
Electro-Pythagoras (a portrait of Martin Bartlett) [Electro-Pitágoras (retrato de Martin Bartlett)]
Reino Unido, Canadá, 2017, color y b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 45’For Christian [Para Christian]
Reino Unido, EE. UU., 2016, color, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 6’45’’Country Grammar (with Sue Tompkins) [Gramática del país (con Sue Tompkins)]
Reino Unido, 2017, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 18’29’’Patrick
Reino Unido 2020, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 21’―Con la presentación en vídeo de Luke Fowler y presencial de James Lattimer, en el primer pase
La creación musical es un elemento ineludible en la obra de Fowler, ya sea como proceso específico, proyecto vital, expresión de una posición contracultural o una combinación de todos ellos. Electro-Pythagoras (a portrait of Martin Bartlett) es una biografía distendida del compositor gay canadiense y pionero de la música electrónica Martin Bartlett (1939-1993), que se desliza libremente entre texto, fotografía y vídeo, figuras resaltadas, dispositivos y ubicaciones, entre lo personal y lo profesional, con gráficos retro por ordenador, una voz en off perspicaz y la propia música de Bartlett uniendo todos los fragmentos. En For Christian, el compositor Christian Wolff comenta sus estrategias compositivas en voz en off sobre un torrente de imágenes de su granja de Vermont, mientras que Country Grammar (with Sue Tompkins) entrelaza el proceso de grabación de la pieza homónima de la artista Sue Tompkins, filmada desde innumerables ángulos con sonidos e imágenes de la vida cotidiana del propio Fowler: cineasta y tema a la vez. Patrick, estrenada en este programa, sigue las huellas del pionero productor de música disco Patrick Cowley, quien murió de sida en 1992. Las imágenes luminosas de una caminata soleada por San Francisco y su paisaje circundante se revisten con los brillantes sonidos de Cowley.
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Sábado 29 de mayo, 2021 - 18:30 h / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Programa 2. Escuchar
Segundo pase: lunes 7 de junio, 2021 - 18:00 h
Luke Fowler
A Grammar For Listening – Part 1 [Una gramática para escuchar – Parte 1]
Reino Unido, 2009, color, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 22’A Grammar For Listening – Part 2 [Una gramática para escuchar – Parte 2]
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 21’A Grammar For Listening – Part 3 [Una gramática para escuchar – Parte 3]
Reino Unido, 2009, color, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 13’Depositions [Declaraciones]
Reino Unido, 2014, color y b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 24’32’’―Con la presentación en vídeo de Luke Fowler y presencial de James Lattimer, en el primer pase
Aunque muchas de las películas de Fowler cuestionan el significado de la escucha, el ciclo A Grammar For Listening la sitúa en el centro. Estas tres colaboraciones con los artistas sonoros Lee Patterson, Éric La Casa y Toshiya Tsunoda, respectivamente, constan de hermosas grabaciones envueltas de sonido e imagen en localizaciones que incluyen lugares emblemáticos de Londres, entornos rurales e industriales de Escocia, así como mercados y parques. Las dos primeras partes etiquetan las distintas ubicaciones y los sonidos allí grabados, mientras que la tercera expone directamente el acto de la grabación. ¿Leemos el sonido a través de la imagen o es al revés? Y, si el contexto moldea la percepción, ¿cuándo se convierte en gramática? Depositions lleva la acción de escuchar hacia una dirección diferente, al reunir una selección de documentales de la BBC de las décadas de 1970 y 1980 que ilustra cómo se pedía constantemente a las comunidades de las Tierras Altas escocesas que justificaran su existencia, incluso cuando sus respuestas nunca fueron realmente escuchadas. Sin embargo, más allá de estas declaraciones banales, había mucho más que escuchar: el sonido de un paisaje, del crujido de huesos en un crisol, del viento y del agua, de la canción.
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Domingo 30 de mayo, 2021 - 12:00 h / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Programa 3. Personas, espacios, huellas
Segundo pase: domingo 13 de junio, 2021 - 12:00 h
Luke Fowler
George
Reino Unido, 2008, color, sonido, sin diálogo, AD, 5’Cézanne
Reino Unido, 2019, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 6’36’’Houses (for Margaret) [Casas, (para Margaret)]
Reino Unido, 2019, color, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 4’57’’Mum’s Cards [Fichas de mamá]
Reino Unido, 2018, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 9’3’’To The Editor of Amateur Photographer [Para el editor de Amateur Photographer] (codirigida con Mark Fell)
Reino Unido, 2014, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 68’45’’―Con la presentación de James Lattimer, en el primer pase
Los retratos de Fowler se originan al explorar los espacios fundamentales de sus sujetos, y las huellas y asociaciones que contienen. George recurre a una pantalla dividida y a un estribillo de piano para tomar el pulso de la zona de St. George's Cross de Glasgow, donde el propio Fowler se crió. Cezánne se acerca al maestro posimpresionista saltando de un lado a otro entre su estudio, su jardín y la montaña que inspiró algunas de sus obras más famosas, mientras que Houses (for Margaret) erige un monumento amable a la poeta y cineasta escocesa Margaret Tait, a su casa de campo de las Orcadas, los escritos que contiene y la referencia a su poema sobre el concepto de hogar que da título a este trabajo. Las notas recopiladas de la madre de Fowler, socióloga, estructuran Mum's Cards, el estudio de toda una vida de compromiso teórico a través de un escritorio y todo lo que allí se escribió. En el largometraje To the Editor of Amateur Photographer examina la historia de Pavilion, el primer centro de fotografía feminista de Europa, establecido en Leeds en 1982. Entrevistas con las figuras clave del centro, innumerables fotos tomadas allí y todo el papeleo que lo acompaña, duros crujidos electrónicos y reflexiones sobre lo que significa hacer una película sobre feminismo siendo hombre se funden en un retrato único en este proyecto singular.
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Lunes 31 de mayo, 2021 - 18:00 h / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Programa 4. Todos los yoes divididos
Segundo pase: lunes 21 de junio, 2021 - 18:00 h
Luke Fowler
Helen
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 3´David
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 3’Lester
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 3’Anna
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 3’All Divided Selves [Todos los yoes divididos]
Reino Unido, 2011, color y b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 93’―Con la presentación de James Lattimer, en el primer pase
El cuarteto inicial de cortos de tres minutos son retratos parpadeantes de los habitantes de un edificio victoriano en Glasgow a los que nunca se llega a ver. Sus vidas se evocan mediante cambios de luz, vistas desde la ventana, texturas, formas y patrones, y un número aleatorio de libros. Cuatro individuos distintos moldeados por el mismo espacio dividido. All Divided Selves, que granjeó a Fowler una nominación para el prestigioso Premio Turner, es una frenética biografía a modo de collage del famoso psiquiatra escocés R. D. Laing (1927-1989). Para ello, Fowler se basa en las innumerables apariciones de Laing en la televisión y en la radio del Reino Unido, combinando este amplio material de archivo de manera que la cronología resulta irrelevante. La idea es transmitir la posición del mutable Laing dentro de la sociedad: un cuerpo extraño que destaca en un sistema oficial que espera para masticarlo, y un nodo a través del cual fluían todos los movimientos primarios de la época. El metraje de 16 mm se entrecruza con estas imágenes del pasado con alegría espasmódica, a veces retomando sus ideas centrales pero también desviándose de ellas a voluntad, reproduciendo así el tipo de experiencia sensorial pura que el propio Laing trató de captar: forma y contenido entrelazados de forma deslumbrante.
Celebrada el 26, 27, 28, 29, 30, 31 may, 02, 03, 04, 05, 06, 07, 09, 10, 11, 12, 13, 14, 16, 17, 18, 19, 20, 21 jun 2021
El Museo Reina Sofía y Documenta Madrid, festival internacional de cine impulsado por el Ayuntamiento de Madrid, presentan una retrospectiva dedicada a Luke Fowler (Glasgow, 1978), destacado artista, cineasta y músico británico. Nominado al Premio Turner en 2012, la obra de Fowler explora la relación entre sujeto y archivo, entre memoria e historia, a través de las posibilidades del cine experimental.
Una de las descripciones más certeras del trabajo de Fowler probablemente sea la que apunta a su forma de retratar, ajena a cualquier convención. En sus películas, situadas en la frontera entre el documental y el cine experimental, conocemos las experiencias de sujetos heterodoxos a través de fragmentos audiovisuales de sus vidas, así como de un entorno material y paisajístico cuidadosamente rodado y editado en un rutilante 16 mm con un ritmo trepidante.
Los marginados de la historia cultural y las personalidades que apenas reciben atención son el tema principal de este artista, como la cineasta y poeta Margaret Tait (Houses (for Margaret)); Pavilion, el pionero colectivo feminista de fotografía del Reino Unido (To the Editor of Amateur Photographer); el fundador de la antipsiquiatría R. D. Laing (All Divided Selves); las comunidades remotas de las Tierras Altas escocesas (Depositions); los residentes invisibles de un vecindario de Glasgow (Anna, David, Helen y Lester); o incluso su propia madre (Mum's Cards). Más que seguir una linealidad o integridad, las películas de Fowler son retratos compasivos que generan sensaciones o estados de ánimo, habitando en los espacios en los que estos heterogéneos seres pasaron sus vidas, y recopilando los materiales que acumularon a lo largo del tiempo. Si cada persona deja huellas, ya sean textuales, pictóricas o audiovisuales, Fowler es su archivero reflexivo y sensible al llevarlas a una composición delicada en que se exponen sus múltiples subjetividades, materialidades, temporalidades, ambigüedades e ideologías subyacentes. Su empleo del 16 mm, en sí mismo un proceso de captura de huellas, tiene un cometido perfecto para esta finalidad.
Su cine resulta siempre un ejercicio de escucha, al mismo nivel que de visionado, ya que música y sonido forman una parte integral de sus películas. Fowler, quien asimismo es un músico de exitosa carrera, retrata con generosidad a los músicos dentro de esta amplia galería de marginados y heterodoxos. Así ocurre con el precursor homosexual de la electrónica Martin Bartlett (Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett)), el compositor y profesor del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra Christian Wolff (For Christian) y la artista sonora británica Sue Tompkins (Country Grammar (with Sue Tompkins)). Además, los paisajes sonoros envolventes y los acompañamientos musicales —que forman una parte integral de la obra de Fowler— se construyen mediante colaboraciones directas con artistas sonoros, compositores y sonidistas como Lee Patterson (A Grammar For Listening – Part 1), Éric La Casa (A Grammar For Listening – Part 2) o Toshiya Tsunoda (A Grammar For Listening – Part 3, Cézanne).
El punto de partida de la retrospectiva es el estreno en España del cortometraje más reciente de Fowler, Patrick, el cual resume los enfoques formales y las preocupaciones temáticas que recorren su obra. Este retrato de 21 minutos de Patrick Cowley, pionero de la música electrónica que murió de sida en 1982, explora su legado de una manera cambiante, intercalando entrevistas con sus contemporáneos y tomas de su correspondencia y archivo material, con fragmentos luminosos e impresionistas de California y de los paisajes urbanos que consideraba su hogar, todos unidos por los sonidos dinámicos del propio Cowley.
El rasgo característico de Luke Fowler tal vez sea su ritmo, ya que sonido e imagen se encuentran entrelazados en un compás que emerge de la banda sonora, pero que no se circunscribe a esta. La singular concepción del montaje del artista crea patrones y pulsaciones propios, una sensación nerviosa, hipnótica e intensamente corpórea que encaja con su inquieta curiosidad por los personajes que retrata. Una de las primeras frases de Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett), que da título a este ciclo, nos ofrece la mejor manera de describir estas combinaciones únicas y delicadas de sonidos y movimientos, de historias y sujetos: “una cierta predilección por las cosas fuera de lo común”.
Esta programación se enmarca en el trabajo conjunto entre el Museo Reina Sofía y Documenta Madrid, iniciado en 2019.
Comisariado
James Lattimer
Organizan
Museo Reina Sofía y Documenta Madrid (18º Festival Internacional de Cine)
Más actividades
Gerardo Mosquera: pensador insular, curador global
19 MAY 2026
Este encuentro rinde homenaje a Gerardo Mosquera (La Habana, 1945), curador de referencia, ensayista que ha participado en debates cruciales sobre la descolonización o las derivas de la globalización, comunicador y, principalmente, un crítico de arte que ha sido capaz de situar radicalmente los discursos y las prácticas, sin dejar de asumirriesgos y manteniendo siempre posiciones éticas comprometidas.
Mosquera es uno de los curadores más reconocidos internacionalmente. Implicado en la Bienal de la Habana desde su fundación en 1984 hasta 1989, ha realizado exposicionesfundamentales en museos y centros de arte de distintas partes del mundo. Entre los proyectos que ha liderado, pueden destacarse su actividad como curador adjunto del New Museum (Nueva York, 1995-2009), la Bienal de Liverpool (2006) o la exposición No es solo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo (Museo Reina Sofía, 2000).
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Conversación entre Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía
18 MAY 2026
Los directores del Museo del Prado y del Museo Reina Sofía, Miguel Falomir y Manuel Segade, conversan el lunes 18 de mayo en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía con motivo de la celebración del Día Internacional de los Museos, que este año se celebra bajo el lema «Museos uniendo un mundo dividido». En la charla, moderada por el periodista y poeta Antonio Lucas, los máximos responsables de estas dos grandes instituciones culturales comparten sus reflexiones sobre el papel que desempeñan en la sociedad actual.
Además de abordar la gestión artística, la conversación pretende profundizar en el potencial de los museos como puntos de encuentro ante las tensiones sociales actuales, cumpliendo así con el mandato internacional de la efeméride de este año.
La actividad puede seguirse en directo a través de este enlace.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.