1926–2026: Cien años del Lyceum Club Femenino
Cultura, feminismo y modernidad

Martín Santos Yubero, Inauguración de la exposición de figurines de Victorina Durán en el Lyceum Club Femenino de Madrid, octubre de 1933
Museo Nacional de Artes Escénicas
Celebrada el 02 jul 2026
En la primavera de 1926 se constituyó en Madrid el Lyceum Club Femenino, un espacio que abrió nuevas formas de participación para las mujeres en la vida intelectual, artística y pública de la España del primer tercio del siglo XX, del que formaron parte mujeres como la diseñadora Victorina Durán, la pedagoga María de Maeztu, la abogada y política Victoria Kent o la artista Ángeles Santos, entre otras. En su centenario, esta jornada científica aborda el papel del club madrileño como un lugar clave para el estudio de la cultura femenina y feminista de la Edad de Plata española, mediante el análisis y la reivindicación de las distintas agencias, trayectorias y proyectos culturales que integraron este espacio.
A través de tres conferencias y dos mesas redondas, la jornada propone un recorrido por las múltiples dimensiones del Lyceum Club Femenino y del contexto cultural en el que surgió, desde su carácter como institución pionera, hasta el estudio de la cultura material del período y del proceso de construcción de la figura de la «mujer moderna». Las intervenciones buscan mostrar cómo se configuraron nuevas maneras de pensar, crear y ocupar el espacio público, ampliando la mirada sobre las redes culturales, educativas y sociales vinculadas al Lyceum: tanto a sus vínculos con otros círculos intelectuales y artísticos como a la continuidad y transformación de estas redes durante el exilio republicano. Finalmente, la jornada cuenta con tres intervenciones artísticas concebidas para recuperar el legado artístico de este espacio de Madrid.
El Museo Reina Sofia se une al programa cultural en torno al centenario del Lyceum Club Femenino impulsado por el Ministerio de Cultura con estas jornadas coorganizadas con el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC).
Organiza
Museo Reina Sofía y Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), a través del proyecto Hacedoras de Cultura. Conexiones e intercambios artísticos transatlánticos en el siglo XX (PID2022-142633OA-I00), financiado por MICIU/AEI/10.13039/501100011033/ FEDER «Una manera de hacer Europa»
Dirección científica
Mónica Monmeneu González y Carmen Gaitán Salinas
Agradecimientos
Departamento de Historia del Arte y Patrimonio del Instituto de Historia (Consejo Superior de Investigaciones Científicas, CSIC)
Creadoras de la escena musical madrileña en la Edad de Plata (PHS-2024/PH-HUM-351). Ayudas destinadas a la realización de programas de actividades de I+D entre Grupos de Investigación de la Comunidad de Madrid en Procesos Humanos y Sociales. Convocatoria 2024. Comunidad de Madrid
Spain on Stage. Dance and the Imagination of National Identity (ERC-2023-COG: 101125179). European Research Council




Agenda
jueves 02 jul 2026 a las 10:00
Bienvenida institucional
jueves 02 jul 2026 a las 10:10
Concierto inaugural
—A cargo de Samuel Diz, concertista de guitarra e investigador. Obras de Manuel de Falla, Rosita García Ascot, Federico García Lorca y Emiliana Zubeldía con comentarios del guitarrista. Palabras introductorias de Carmen Gaitán Salinas
jueves 02 jul 2026 a las 10:30
El Lyceum Club Femenino de Madrid, institución cultural (1926-1939)
—Conferencia inaugural a cargo de Mónica Monmeneu
jueves 02 jul 2026 a las 11:15
Cosas de artistas: creadoras y materialidad en el campo cultural del primer tercio del siglo XX
—Conferencia marco a cargo de Irene García Chacón
jueves 02 jul 2026 a las 12:00
Pausa para café
jueves 02 jul 2026 a las 12:30
Las redes del Lyceum Club de Madrid: tres miradas
—Mesa redonda. Modera: Mónica Monmeneu. Participan: Juan Aguilera Sastre, Patricia Molins y Carmen Gaitán Salinas
jueves 02 jul 2026 a las 13:30
Descanso
jueves 02 jul 2026 a las 16:00
Intervención dancística
—A cargo de María Cabrera Fructuoso, bailarina, investigadora y miembro del proyecto de investigación ERC Spain On Stage. Dance and the Imagination of National Identity. Interpretación del «Tango Tachito» de Antonia Mercé, «La Argentina». Palabras introductorias de Idoia Murga Castro
jueves 02 jul 2026 a las 16:15
Educación, cultura y mujeres en la Edad de Plata
—Mesa redonda. Modera: Carmen Gaitán Salinas. Participan: Pilar Piñón, Mercedes Gómez Blesa y María del Mar del Pozo Andrés
jueves 02 jul 2026 a las 17:15
Figuras de lo nuevo: mujeres y modernidad en la cultura española del siglo XX
—Conferencia de clausura a cargo de Xon de Ros
jueves 02 jul 2026 a las 18:00
Descanso
jueves 02 jul 2026 a las 18:30
Concierto de clausura
—A cargo de Irene Alfageme (piano), Jessica Bogado (soprano), Jorge Trillo (bajo-barítono), y Aurelio Viribay (piano), de la Escuela Superior de Canto de Madrid. Integral de composiciones para voz y piano de María Rodrigo, estreno absoluto de canciones inéditas. Palabras introductorias de Mónica Monmeneu
Participantes
Juan Aguilera Sastre
es doctor en Filología Hispánica por la Universidad de Zaragoza. Estudioso de la literatura española de la Edad de Plata, ha publicado numerosos libros y artículos sobre el teatro del siglo XX: De Madrid a Ginebra. El feminismo español y el VIII Congreso de la Alianza Internacional para el Sufragio de la Mujer (Icaria, 2010) junto con Isabel Lizarraga Vizcarra, y tres volúmenes, editados por Renacimiento, sobre la labor periodística de Clara Campoamor (La forja de una feminista, 2019; Del Foro al Parlamento, 2021; y Clara Campoamor, de viva voz, 2021). De María Lejárraga, ha editado sus dos libros de memorias (Una mujer por caminos de España, 2019; y Gregorio y yo: medio siglo de colaboración, 2023), y reeditado con Isabel Lizarraga, otras obras como Tragedia de la perra vida y otras diversiones. Teatro del exilio (2009), Viajes de una gota de agua (2018), Cartas a las mujeres de España (2022), Feminismo, feminidad (2023), Canción de cuna (2024), Nuevas cartas a las mujeres (2024) y Granada. Guía emocional (2025), todos ellos en la editorial Renacimiento.
Carmen Gaitán Salinas
es doctora en Historia Contemporánea por la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y científica titular en el Departamento de Historia del Arte y Patrimonio del Instituto de Historia del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC). Actualmente es investigadora principal del proyecto Hacedoras de Cultura. Conexiones e intercambios artísticos transatlánticos en el siglo XX (PID2022-142633OA-I00), financiado por MICIU/AEI/10.13039/501100011033/ FEDER «Una manera de hacer Europa». También es directora de Cultura, arte y género. Seminario permanente de investigación para otras historias posibles. Es autora de Las artistas del exilio republicano español. El refugio latinoamericano (Cátedra, 2019) y de la edición crítica de los diarios de Manuela Ballester Mis días en México. Diarios (1939-1953) (Renacimiento, 2021), y coeditora de las memorias en tres volúmenes de Victorina Durán Mi vida (Residencia de Estudiantes, 2018). Ha realizado numerosas estancias de investigación en centros de excelencia internacionales, participado en diversos comités de evaluación de proyectos y premios científicos nacionales e internacionales, así como organizado numerosas actividades de divulgación científica.
Irene García Chacón
es doctora en Historia del Arte y profesora ayudante doctora en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Ha sido profesora permanente laboral de la Universidad de Valladolid. Recibe el Premio Extraordinario por su tesis doctoral (2018), realizada gracias a una ayuda FPU en el CCHS-CSIC. Ha desarrollado estancias en New York University, Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3, University of Cambridge y Università Ca’ Foscari. Asimismo, gracias a un contrato posdoctoral de Recualificación del Profesorado Universitario NextGenerationEU, fue investigadora visitante en Università di Bologna. Sus trabajos han sido publicados en revistas como Ínsula, Investigaciones Feministas o Rassegna Iberistica y en editoriales como Visor, Comares o CSIC. En el ámbito expositivo, ha sido comisaria de Universo Ferrant (Museo Patio Herreriano, 2022) y de Mujeres de papel. Trazos de la generación del 27 (Sociedad Económica de Amigos del País de Málaga, 2017).
Mercedes Gómez Blesa
es doctora en Filosofía y ensayista. Sus investigaciones se centran en la obra de las artistas, escritoras y ensayistas de la Edad de Plata, especialmente en María Zambrano, autora a la que consagra el ensayo La razón mediadora: Filosofía y Piedad en María Zambrano (2008), con el que obtuvo el Premio Gran Vía de Ensayo. En 2007 publica Las Intelectuales Republicanas: la conquista de la ciudadanía y su primer poemario Los nuevos bárbaros. En 2009 aparece Modernas y vanguardistas. Mujer y democracia en la II República. Prepara en 2018 la edición crítica de La mujer moderna y sus derechos de Carmen de Burgos y publica Modernas y vanguardistas. Las mujeres-faro de la Edad de Plata (2019). Sus últimos ensayos son Estéticas de la ausencia (2021) y La constelación femenina de María Zambrano (2026). Es patrona de la Fundación María Zambrano y directora de las Obras Completas de María Zambrano.
Mónica Monmeneu González
(European University Institute) es graduada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid (UCM, 2017), máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por las universidades Autónoma (UAM) y Complutense de Madrid (UCM, 2018). Actualmente, es investigadora predoctoral en European University Institute (Florencia), con una tesis que explora el papel de las instituciones culturales femeninas de la primera mitad del siglo XX como lugares de gestión artística, sociabilidad e intercambio intelectual en el espacio transatlántico a través de la historia de los Lyceum Club de Madrid y La Habana. Sus investigaciones abarcan distintos aspectos de la historia de las mujeres en el arte desde los estudios culturales y de género. Ha codirigido actividades como el curso de posgrado Modernas por asociación. El Lyceum Club Femenino de Madrid y sus legados (1926-1960) (2023), organizado por el Instituto de Historia del Centro Superior de Investigaciones Científicas (CSIC).
Patricia Molins de la Fuente
es historiadora del arte y comisaria de exposiciones. Ha trabajado hasta 2025 en el Museo Reina Sofía. Como investigadora, se interesa por la búsqueda de un espacio crítico en los límites del arte, a partir del estudio de la cultura material y los haceres de las mujeres. Es autora de «La heterogeneidad como estrategia de afirmación. La construcción de una mirada femenina antes y después de la Guerra Civil» (Desacuerdos, n.º 7, 2012), un ensayo sobre arte y género en el que investiga las redes culturales de mujeres de los años treinta a cincuenta en España. Recientemente, ha curado exposiciones dedicadas a artistas pioneras en la construcción de un imaginario femenino, como Delhy Tejero (Museo Patio Herreriano, 2024) o Maruja Mallo (Museo Reina Sofía, 2025). En la actualidad comisaría el proyecto «Memoria, tejidos, museos. Los barrios bajos de la atención» (2025-2026), junto con Selina Blasco: un ciclo de muestras con artistas contemporáneas en torno a las colecciones de tejidos de los museos nacionales españoles.
Pilar Piñón Varela
es economista por la Universidad Complutense de Madrid (UCM), doctora por la Facultad de Ciencias Políticas y Sociología de la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) y directiva con más de veinticinco años de experiencia en liderazgo institucional, educación internacional y relaciones transatlánticas entre España y Estados Unidos. Combina responsabilidades de alta dirección con una actividad investigadora centrada en la relaciones culturales y educativas entre España y Estados Unidos en el siglo XX y las redes transatlánticas de mujeres. Esta labor se apoya en la experiencia institucional, la investigación en archivos y la colaboración continuada con universidades y entidades académicas de Estados Unidos. Participa activamente en iniciativas culturales y académicas orientadas a fortalecer el diálogo educativo y cultural entre ambos países, con especial atención al papel de las redes femeninas y a la dimensión histórica del intercambio académico transatlántico.
María del Mar del Pozo Andrés
es catedrática de la Universidad de Alcalá desde el año 2011. Desde esa misma fecha coordina el Máster Universitario en Memoria y Crítica de la Educación y, desde 2021, es directora del Museo de Educación Antonio Molero. Ha sido presidenta de la Sociedad Española de Historia de la Educación (SEDHE) (2021-2025) y miembro del Comité Ejecutivo de la International Standing Conference for the History of Education (ISCHE) (2006-2012). Desde 2022 es coeditora de Paedagogica Histórica. International Journal of the History of Education. Sus líneas de investigación son la historia de la educación urbana, la recepción y transferencia de corrientes educativas internacionales, el papel de la educación en la construcción de las identidades nacionales, los estudios visuales en educación, la historia de la educación de las mujeres y la historia de la cultura escolar. Una de sus obras más conocidas es el libro Justa Freire o la pasión de educar. Biografía de una maestra atrapada en la historia de España (Octaedro, 2013).
Xon de Ros
es catedrática emérita de estudios culturales y literatura moderna peninsular en la Universidad de Oxford (Reino Unido). Trabaja en las áreas de estudios de la mujer, literatura comparada, poesía modernista y artes visuales. Ha impartido conferencias en numerosos foros académicos y culturales, entre ellos: Cátedra Ángel González (Universidad de Oviedo), Ca’ Foscari (Universidad de Venecia), Chapter Arts Centre (Cardiff), The Barbican Milton Court (Londres), Museo Picasso Málaga y Museo Reina Sofía. Es integrante de diversos organismos académicos como el Centre for the Study of Contemporary Women’s Writing (Institute of Romance Studies, Londres) o el Centre for Iberian and Latin-American Visual Studies (Birkbeck College, Londres), y asesora de consejos editoriales como Bulletin of Spanish Studies. Entre sus ensayos más recientes figuran The Cultural Legacy of Maria Zambrano (Legenda, 2021), A Companion to Spanish Women Studies (Boydel and Brewer, 2017), Primitivismo y Modernismo: el legado de Maria Blanchard (Peter Lang, 2007) y The poetry of Antonio Machado (OUP, 2015).
Irene Alfageme
es pianista, especializada en el repertorio vocal del panorama español. Ha colaborado en recitales con cantantes como Bryn Terfel, Plácido Domingo, así como en ensayos con Felicity Lott, Magdalena Kozena, Miah Persson o Ian Bostridge, y con directores como Jesús López-Cobos, Josep Pons o Vasily Petrenko. Como maestro correpetidor colabora con Eta Hoffmann Theater de Bamberg y el Teatro Calderón de Valladolid, donde también realizó la coordinación artística del proyecto Calderón Lírico. Ha ofrecido numerosos recitales en Europa, Canadá, Emiratos Árabes, Sudáfrica o Japón. Entre sus galardones destacan el Janet Duff Greet Prize, Concurso Ciudad de San Sebastián, Monserrat Alavedra y Certamen Pedro Bote.
Jessica Bogado
es soprano. Ha desarrollado una trayectoria marcada por la versatilidad de su voz y una intensa capacidad expresiva, que le permite transitar con naturalidad desde el repertorio antiguo hasta la creación contemporánea. Su actividad artística se ha presentado en destacados escenarios europeos, donde combina una sólida labor escénica y concertística con un especial interés por la canción española y la nueva creación. Ha sido reconocida con el Premio a la Mejor Intérprete de Canción Española en el Concurso de Canto Ciudad de Logroño y ha formado parte del programa Crescendo del Teatro Real de Madrid. Asimismo, ha ofrecido recitales junto a reconocidos pianistas como Aurelio Viribay, Jorge Robaina y Rubén Fernández Aguirre. Comprometida con la creación contemporánea, ha presentado su trabajo en espacios emblemáticos como el Auditorio Nacional, Museo del Prado, Palacio de Cibeles, Casa de América y Museo Reina Sofía.
María Cabrera Fructuoso
es doctora en Humanidades: Lenguaje y Cultura por la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) e investigadora posdoctoral en el proyecto ERC Spain On Stage. Dance and the Imagination of National Identity, liderado por la doctora Idoia Murga Castro. Su ámbito de estudio se centra en la reconstrucción de piezas coreográficas de artistas pertenecientes a la Edad de Plata, ocupándose de los aspectos sociológicos, estilísticos, musicales y técnicos. Es, además, bailarina profesional de danza española. Su trayectoria académica y artística incluye un Grado en Pedagogía de las Artes Visuales y Danza (Universidad Rey Juan Carlos, URJC), un Máster en Flamencología (Escola Superior de Música de Catalunya, ESMUC) y un Grado Profesional en Piano (Conservatorio Profesional Francisco Casanovas de Torrevieja). Actúa como intérprete en compañías destacadas y como solista y concertista de palillos, realizando giras tanto a nivel nacional como internacional. Anteriormente, fue investigadora posdoctoral Margarita Salas (Universidad Rey Juan Carlos, URJC).
Samuel Diz
es concertista, investigador y comisario musical especializado en la Edad de Plata. Su trabajo revisa el canon historiográfico desde una perspectiva de género y recupera el legado cultural del exilio republicano de 1939. Entre sus proyectos discográficos destacan Memoria de la melancolía (Poliédrica, 2020), grabado con la guitarra histórica de Lorca en diálogo con textos de María Teresa León, y El mal de amor: The Songbook of Gustavo Durán (Poliédrica, 2026), realizado junto a las hijas del compositor de la generación del 27 como ejercicio de memoria democrática. Ha actuado en espacios como la Fundación Juan March de Madrid y el Palau de la Música de Barcelona, y ha impartido conferencias performativas en las universidades de Oxford, Harvard, Boston, CUNY o Yale. Colabora con la Residencia de Estudiantes y la Biblioteca Nacional de España (BNE) en la salvaguarda de archivos personales y participa en los proyectos de investigación Hacedoras de Cultura (Centro Superior de Investigaciones Científicas, CSIC) y Creadoras de la escena musical madrileña en la Edad de Plata (Universidad Complutense de Madrid, UCM).
Jorge Trillo
es bajo-barítono, graduado en Musicología y máster en Patrimonio Musical por la Universidad de Oviedo, donde cursa el doctorado. Comienza sus estudios de canto en 2018 bajo la tutela de la soprano María Antonia Entrialgo de Castro en el Conservatorio Profesional de Música de Gijón, donde se gradúa en 2022 con el Premio Extraordinario Fin de Grado y el Premio «Jóvenes Intérpretes» otorgado por el Conservatorio. Actualmente, cursa el grado superior en la Escuela Superior de Canto de Madrid, con las profesoras Teresa Barrientos e Irene Alfageme. Asimismo, ha recibido clases magistrales de técnica vocal de profesores como Carlos Mena, Juliane Banse, Gemma Bertagnolli, Filippo Mineccia, Eva Maria Riedl-Buschan o Carlos Álvarez.
Aurelio Viribay
es catedrático en la Escuela Superior de Canto de Madrid y especialista en el acompañamiento de cantantes. Ha actuado en recitales en diferentes países junto a cantantes como Walter Berry, Celso Albelo, María Bayo, Ainhoa Arteta, Annalisa Stroppa, Alicia Nafé, Saioa Hernández u Ofelia Sala. Ha sido profesor de Repertorio Vocal en la Universität für Musik und darstellende Kunst y en Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien, ambas en Viena y, como pianista acompañante, ha colaborado en cursos impartidos por Thomas Quasthoff en Mozarteum University de Salzburgo, Walter Berry en Austria y Berganza en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. Ha obtenido el Premio Extraordinario de Doctorado de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid con la tesis La Canción de Concierto en el Grupo de los Ocho de Madrid (Editorial Doble J, 2014).
Más actividades
![Jean Vigo, Taris, ou la natation [Taris, rey del agua], 1931, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-7.jpg.webp)
Leni Riefenstahl. Olimpiada, parte 2. El festival de la belleza y Jean Vigo. Taris, rey del agua
Viernes 24 de julio, 2026
El cuerpo en el agua como objeto de la ideología, ese es uno de los grandes temas de la década de 1930 y de esta sesión, en la que nazismo y anarquismo se dirimen en sendas piscinas. Dos grandes películas de ideologías contrapuestas que han pasado a la historia como ejemplos del poder del cine para representar una visión del mundo. En Olimpiada, parte 2. El festival de la belleza, Leni Riefenstahl filma los Juegos Olímpicos de Berlín en 1936, organizados durante el Tercer Reich. La cámara sale del estadio de atletismo para mostrar el repertorio de los deportes modernos —esgrima, polo, ciclismo, pentatlón— hasta culminar en la piscina olímpica con Adolf Hitler como anfitrión, donde los cuerpos bellos, disciplinados y clásicos de los nadadores nos recuerdan, como escribiera Susan Sontag, la fascinación visual propia del fascismo. Por su parte, Jean Vigo, hijo del anarquismo español, filma al campeón olímpico francés Jean Taris en un ejercicio lúdico y humorístico donde la piscina se convierte en un campo de juego sin reglas en el que se suceden los elementos vanguardistas del cine de la década de 1930, como ralentizaciones, sobreimpresiones o el montaje dinámico. Dos películas vanguardistas, dos películas en las antípodas, que muestran que, durante un tiempo, la piscina no fue un objeto de placer y deseo, sino un espacio en liza desde el que demostrar el poder de las grandes ideologías del siglo XX.
![Lloyd Bacon, Footlight Parade [Desfile de candilejas], 1933, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_portrait/public/Actividades/ciclocine-piscinas-8_0.jpg.webp)
Lloyd Bacon. Desfile de candilejas
Sábado 25 de julio, 2026
La piscina y los cuerpos acuáticos danzantes como un lugar de ensoñación y fascinación al servicio del primer Hollywood y de la temprana industria del entretenimiento. Un musical previo al moralista código Hays en el que un visionario Busby Berkeley dirige las coreografías más fastuosas y multitudinarias de la historia del cine. La principal es By a Waterfall [Cerca de la cascada], con una piscina y cientos de bañistas como protagonistas absolutos. El propio Salvador Dalí, tras observar el número, consideraría a Busby Berkeley como un igual en su delirio paranoico y como una gran influencia en sus instalaciones, como la realizada por el artista en la Exposición Universal de Nueva York en 1939.
La historia sigue a un ingenioso productor teatral que concibe grandes números musicales para ser representados en los cines antes de cada proyección, y así salvar los espectáculos en directo frente a las primeras películas habladas. Para ello, se embarca en una carrera para mostrar al mundo los tres espectáculos musicales más fastuosos jamás imaginados. Junto con Honeymoon Hotel o Shanghai Lil, destaca By a Waterfall, considerada la coreografía fílmica más imponente centrada en las posibilidades plásticas de la piscina. Cientos de nadadoras transforman sus cuerpos en monumentales y abstractas figuras geométricas en un crescendo de asombro y estupefacción que construye la piscina en la arquitectura esencial para un Hollywood concebido como la nueva fábrica de sueños.
![Mike Nichols, The Graduate [El graduado], 1967, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ciclocine-piscinas-9_0.jpg.webp)
Mike Nichols. El graduado
Viernes 31 de julio, 2026
Benjamin Braddock (Dustin Hoffman) es un joven graduado perteneciente a una familia burguesa de California. Tras retornar a casa, conoce a la señora Robinson (Anne Bancroft), quien lo seducirá en continuos encuentros y le enseñará aquello que no está en los libros. La hija de la señora Robinson, Elaine (Katharine Ross), entrará en su vida para cambiar por completo sus sentimientos.
El excelente papel de Anne Bancroft nos muestra esa necesidad de sentirse viva en un mundo caduco, y las armas que el sexo posee frente al amor romántico. Ese aprendizaje es el que transita el joven Ben, y son los momentos en los que habita la piscina los que provocan su paso del aturdimiento a la lucidez. Pasa de ser un bufón con escafandra, perdido en el fondo de la pileta, a dejarse mecer por las aguas del placer o a ver el manto de la piscina manchado de hojarasca por la llegada del amor. La piscina es el lugar que permite el cambio de estado: el despertar a las fuerzas de la vida.

Sol Iglesias. Los nadadores
Sábado 1 de agosto, 2026
El fin del mundo, provocado por la crisis climática, ha llegado y un grupo de amigos deambula de piscina en piscina en medio del verano eterno de Buenos Aires. De pileta en pileta, atraviesan la ciudad en una deriva placentera y ociosa. En ese tránsito, encuentran a distintos supervivientes que buscan desesperadamente el agua hasta su propio final.
A modo de réplica de la película El nadador (1968) de Frank Perry y Sydney Pollack, Los nadadores de Sol Iglesias es, de igual forma, un camino hacia el crepúsculo. Las piscinas simbolizan, en este escenario quemado por el sol, una metáfora de refugio, pero invariablemente también de muerte dulce. El calor extremo es lo que la convierte en un final fresco y placentero. La piscina representa, además, el letargo de una juventud cansada de luchar contra lo que cree «inevitable». Al colarse los jóvenes en piletas de vecindarios privados, en lugar de mostrar espacios públicos, la piscina termina siendo un reducto de intimidad que es necesario asaltar: el falso paraíso de una sociedad que ha colapsado. El filme acerca conceptualmente al espectador a otra película argentina también presente en este ciclo, La ciénaga (2001) de Lucrecia Martel, donde los cuerpos buscan recodos de agua estancada.

Jack Hazan. A Bigger Splash
Viernes 7 de agosto, 2026
La pintura dota de permanencia y estabilidad a un instante fugaz e irrepetible. Esa es la visión del recientemente fallecido David Hockney cuando, pincelada tras pincelada, regresa a la piscina de A Bigger Splash: la gran zambullida en una piscina californiana que congela una sensación de felicidad. Quien se zambulle no es otro que Peter Schlesinger, pareja del pintor con el que este acaba de romper.
En A Bigger Splash, Jack Hazan retrata el mundo de un artista de éxito, la presión del mercado y de los marchantes, la tensión entre el ego y la fragilidad personal o la obligación para continuar con un estilo y una iconografía que, pese a su sello inconfundible, generan dudas para el propio pintor. En medio de un Londres gris y lluvioso, un Hockney melancólico y víctima del mal de amor sigue retornando a la piscina californiana como promesa de felicidad, a modo de una arcadia homosexual en la que el pintor convive con su joven pareja y un grupo de amigos igualmente lozanos y atractivos. La piscina, después de todo, como recuerda Jack Hazan en este pionero documental de artista, es un símil de la misma pintura en su función primigenia: asir lo fugaz para, pese a que ya no exista, dotarlo de permanencia para el que mira. Hockney, como uno de los últimos grandes pintores, sabe que su medio apenas ha cambiado en cientos de años de historia.