Exposición. Ree Morton. Sé un lugar, sitúa una imagen, imagina un poema

Ree Morton, Signs of Love (Detalle), estudio de la artista, 1976 © Estate of Ree Morton. Courtesy Alexander and Bonin, New York and Annemarie Verna, Zurich

Ree Morton, Signs of Love (Detalle), estudio de la artista, 1976 © Estate of Ree Morton. Courtesy Alexander and Bonin, New York and Annemarie Verna, Zurich

El trabajo de Ree Morton (Ossining, Nueva York, 1936 – Chicago, 1977) se sitúa en el contexto de la escena artística de los Estados Unidos a principios de los años 70, caracterizada por una enérgica reacción contra el expresionismo abstracto de la posguerra, que se plasmó, por un lado, en el minimalismo; y, por otro, en el arte conceptual y el arte pop. Sin embargo, su labor se encuentra más próxima a las estrategias artísticas surgidas en torno a movimientos como el  Pattern and Decoration, el Fiber Art o a lo que Lucy R. Lippard definió como la “abstracción excéntrica”.

Si bien los inicios de su carrera a finales de los años sesenta estuvieron caracterizados por un apropiacionismo de tendencia minimalista y post-minimalista, Morton contrarrestaba los dogmas minimalistas de la asepsia, la no composición, la serialidad y el uso de materiales industriales con prácticas como el ritualismo y el animismo así como con una exploración cartográfica y fenomenológica del espacio. Más adelante, desarrolló un repertorio alegórico excepcional adoptando un uso específico de los materiales para crear escenarios altamente teatrales y emblemáticos que recurrían a giros retóricos, la historia del arte, los códigos de lo llamado femenino y el potencial performativo de la escultura.

La exposición, con más de 100 obras, entre instalaciones, dibujos, pinturas y esculturas, aspira a convertirse en un nuevo punto de referencia en el estudio de su trabajo, consolidando la investigación realizada hasta ahora para crear la retrospectiva más completa hasta la fecha.

Fecha: 20 mayo - 28 septiembre, 2015
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3
Comisariado: Sabine Folie e Ilse Lafer
Organización: Museo Reina Sofía

 

Artes en vivo. Resonancia. Conciertos para otra escucha

Plano del Edificio Sabatini con los espacios de las distintas intervenciones sonoras

Plano del Edificio Sabatini con los espacios de las distintas intervenciones sonoras

Resonancia es un ciclo de intervenciones sonoras para un lugar específico que activa el espacio acústico e histórico del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía. Evitando el uso del auditorio y de la amplificación eléctrica, los artistas, músicos y compositores invitados presentan una serie de piezas que introducen contextos alternativos para el sonido y la música contemporánea.

Este ciclo propone otros paradigmas de escucha, desarrollando aquellas propiedades que el sonido tiene según el lugar donde se produzca, una condición que el cuidado diseño de los auditorios, los altavoces y los auriculares ha tratado de hacernos olvidar. ¿Dónde estamos cuando escuchamos? Cuando escuchamos estamos fuera del mundo y dentro de la música, escribe Veit Earlman.

Seis intervenciones sonoras y un taller se presentan como posibles alternativas a la historia tradicional de la resonancia moderna, e incluyen, entre otras, una performance colectiva para voces y bóvedas de Mattin, un concierto de viento no soplado para jardín y habitaciones de Alex Mendizabal, una performance para palmas y salas de Itziar Okariz o un dúo para dos saxofones y dos escaleras de Jean Luc Guionnet y Artur Vidal.

Fecha: 20 mayo - 24 junio, 2015
Lugar: Edificio Sabatini (diferentes localizaciones)
Hora: 19:30 h
Entrada: Gratuita hasta completar aforo
Programa: Consultar página web
Comisariado: José Luis Espejo

 

Conversaciones. Néstor García Canclini. Creativos, precarios e interculturales

¿Qué son la innovación y la originalidad en tiempos de mezcla? ¿Cómo participa el artista precarizado de las denominadas economías de la creatividad? En esta conferencia, el teórico y crítico cultural argentino Néstor García Canclini analiza las redistribuciones y alternativas a la creatividad que convergen en el nuevo entramado contemporáneo de instituciones, movimientos, públicos y redes.

Fecha: 20 mayo, 2015
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 200
Hora: 19:00 h
Entrada: Gratuita hasta completar aforo

 

Ciclo de conferencias. Documental y neovanguardia. Prácticas fotográficas en los años 70

Continúa el ciclo documental que contextualiza la exposición Aún no. Sobre la reinvención del documental y la crítica de la modernidad, con conferencias de Rolf Sachsse, en un análisis sobre la segunda generación del movimiento de la fotografía obrera en las dos Alemanias; Sébastien Layerle, sobre los grupos Medvedkin y otras prácticas fílmicas colaborativas en el contexto del cine militante francés de 1968; Carles Guerra, sobre la crítica al fotoperiodismo de Susan Meiselas; y, por último, Siona Wilson, en una intervención sobre el feminismo, el documental y la "historia de la gente" en la obra de Jo Spence.

Fecha: Hasta el 26 mayo, 2015
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 200
Hora: 19:00 h
Entrada: Gratuita, hasta completar aforo
Programa: Consultar página web

 

Biblioteca y Centro de documentación. Muestra Prefiero llamarlos simplemente “libros”

Jean François Bory. Post-scriptum. Paris, Eric Losfeld éditeur, 1970 © Jean François Bory, VEGAP, Madrid, 2015

Jean François Bory. Post-scriptum. Paris, Eric Losfeld éditeur, 1970 © Jean François Bory, VEGAP, Madrid, 2015

La muestra Prefiero llamarlos simplemente “libros”, dedicada al «libro como libro», puede ser vista como la continuación de No es nuevo, es un libro, en la que se realizó un acercamiento puramente conceptual a los libros de artista. El título de la exposición es una frase de Peter Downsbrough, artista estadounidense que desde 1972 ha realizado numerosos “libros”.

En torno al libro Un coup de dés jamais n'abolira le hasard (1897) de Stéphane Mallarmé, poeta que, por primera vez en la historia, liberó el texto de la disposición tradicional de las páginas, se muestran 19 libros-«icono» de los años 60 y 70 en los que los artistas, al igual que Mallarmé, toman el control del espacio del libro de múltiples formas obligando al lector-espectador a cuestionar su propio acercamiento al libro. El concepto tiene prioridad sobre la materia. A medida que el contenido del libro se despliega, el lector-espectador puede seguir la lógica de la obra del artista paso a paso. De este modo, los artistas visuales se vengan del dictado de la palabra y de su sistema de poder. Entre los autores seleccionados se incluyen obras de Marcel Broodthaers, Daniel Buren, James Lee Byars, José Luis Castillejo, Mirtha Dermisache, Peter Downsbrough, Sol LeWitt, Richard Long, Michael Snow y Bernard Villers.

Fecha: 18 mayo - septiembre, 2015
Lugar: Edificio Nouvel, Centro de Documentación y Biblioteca. Espacio D, Planta 0
Comisariado: Guy Schraenen
Organización: Museo Reina Sofía

 

Conservación-Restauración. Estudio de la obra Portrait of Joella (Retrato de Joella) de Salvador Dalí y Man Ray

Proceso de restauración de la obra Portrait of Joella (Retrato de Joella) de Salvador Dalí y Man Ray

Proceso de restauración de la obra Portrait of Joella (Retrato de Joella) de Salvador Dalí y Man Ray

Tras el estudio de restauración y conservación que recientemente se ha llevado en la obra Portrait of Joella (Retrato de Joella) de Salvador Dalí y Man Ray, este importante objeto surrealista vuelve a las salas de la Colección.

Portrait of Joella, es una intervención pictórica de Salvador Dalí sobre un retrato en yeso que Man Ray había realizado de la esposa del galerista de Nueva York Julien Levy, Joella Bayer, en 1933. Se trata de una obra realizada en pleno desarrollo de su método paranoico-crítico, una propuesta que permite asociaciones de imágenes con sus significados ocultos, con frecuencia relacionados con la sexualidad y la muerte.

Un vídeo producido por el Museo, recoge el interesante proceso de conservación llevado a cabo, en el que los responsables de la intervención explican las conclusiones del estudio.

Lugar: sala 205, Edificio Sabatini, Planta 2
Departamento de Conservación-Restauración patrocinado por FUNDACIÓN MAPFRE
El trabajo de restauración ha sido financiado mediante una ayuda del Bank of America Merrill Lynch Art Conservation Programme

 

Educación. Habitar la pintura. Taller de artista con Miren Doiz

Miren Doiz. Sin título, 2008

Miren Doiz. Sin título, 2008

El Taller de artista, proyecto colaborativo entre artistas y educadores dirigido a niños y niñas de 8 a 11 años, que celebra este año su quinta edición, propondrá un diálogo entre la trayectoria creativa de Miren Doiz (Pamplona, 1980) y las obras que se muestran en dos de las exposiciones temporales del Museo: Fuego Blanco. La colección moderna del Kunstmuseum Basel, y Coleccionismo y Modernidad. Dos casos de estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin.

Los proyectos de Miren Doiz giran alrededor de la pintura, la fotografía y la instalación. Sus trabajos sobre el entorno, que interviene mediante la pintura expandida, provocan experiencias que interpelan directamente al espectador a través de lo sensitivo. Su concepto de la pintura transgrede los marcos que la contienen e incluye diversas técnicas, lo que permitirá a los niños y niñas participantes descubrir, a lo largo de los cinco días que dura el taller, cómo esta puede generar espacios habitables.

Dirigido a: Niños de 8 a 11 años/ Asociaciones de apoyo a la infancia
Aforo: 15 niños por taller / Asociaciones consultar
Modo de inscripción: Consultar página web
Fecha: 4 semanas, del 22 de junio al 17 julio, 2015
Organiza: Museo Reina Sofía
Programa educativo desarrollado con el mecenazgo de: Fundación Banco Santander

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