Listado de las obras seleccionadas más planos para realizar el recorrido en el museo

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Exposiciones

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  • 15 junio - 11 julio, 1994

    La caverna (1993) es la obra conjunta del compositor Steve Reich (Nueva York, 1936) y la artista Beryl Korot (Nueva York, 1945) que, estrenada inicialmente en Viena como una ópera al uso, se presenta ahora convertida en una videoinstalación de dos horas y media de duración, con cinco monitores de televisión y una cinta sonora grabada por los cuatro cantantes y los trece instrumentistas que intervenían en la pieza original. 

  • Vista de sala de la exposición. Gerhard Richter, 1994
    7 junio - 22 agosto, 1994

    Gerhard Richter (Dresde, Alemania, 1932) convierte la diversidad derivada de la constante experimentación en el principal activo de su pintura. Ajeno al enfrentamiento entre abstracción y figuración -debido a su convencimiento de que ambos lenguajes son necesarios- Richter hace de la paráfrasis de estilos el suyo propio e irrumpe a comienzos de los años sesenta como uno de los artífices de la quiebra de las jerarquías artísticas dominante, siguiendo así la estela de Joseph Beuys y Blinky Palermo.

  • Lucian Freud. Reflejo con dos niños (Autorretrato), 1965. Óleo sobre lienzo. Museo Thyssen Bornemisza, Madrid
    19 abril - 21 junio, 1994

    La voluntad de Lucian Freud (Berlin, 1922-2011) de mantenerse al margen de toda corriente artística lo convierte en un pintor de un único escenario -su estudio- que convoca la naturaleza física del género humano en sus lienzos. Ello, pese a haber sido adscrito por la historiografía y la crítica a la denominada Escuela de Londres junto a Francis Bacon, Raymond Mason, Michel Andrews, R. B. Kitaj, Frank Auerbach y Leon Kossoff; cuyo rasgo común es la práctica de una pintura figurativa frente a las corrientes abstractas dominantes en Estados Unidos y Europa en la inmediata posguerra: el Expresionismo y el Informalismo respectivamente. Emigrante en su infancia -llega a Londres en 1933- y marino mercante frustrado, a comienzos de la década de 1940 se propone como único objetivo la pintura y, en particular, el retrato.

  • Antoni Clavé. Le gant de New York, 1975. Arte gráfico. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    7 abril - 11 agosto, 1994

    Tras formarse con Ángel Ferrant y Josep Mongrell -de quienes recibe clases de modelado y de dibujo respectivamente- Antoni Clavé (Barcelona, 1913 - Saint-Tropez, Francia, 2005) emigra a Francia en enero de 1939. Allí desarrolla una carrera artística que, inserta en la corriente informalista de los años de posguerra, vira hacia el Expresionismo en la década de los sesenta. Su faceta de grabador aparece indisoluble de su cualidad de pintor, desarrollando mismos temas y planteamientos pero abordados desde técnicas distintas. A este respecto, su producción gráfica se articula entorno a dos ejes: la experimentación y la tradición a la vez que, desde el punto de vista del lenguaje, Clavé fluctúa entre la referencia figurativa y la abstracción.

  • 4 abril - 7 agosto, 1994
    Programa: Biblioteca y Centro de Documentación

    Esta exposición sobre Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874-1949) destaca su carácter de “arquetipo de la vanguardia”, que tal como expresa Miguel Logroño -comisario de la muestra junto con Ángeles Dueñas- es una cualidad reconocible en todos los proyectos artísticos que funda, dirige y en los que participa a lo largo de su trayectoria.

    Biblioteca y Centro de Documentación
  • Vista de sala de la exposición. Stan Douglas, 1994
    22 marzo - 12 mayo, 1994

    Stan Douglas (Vancouver, 1960) desarrolla un trabajo cuyo propósito es proveer al espectador de una experiencia múltiple, con el objetivo de activar una actitud crítica sobre la cultura y los medios de creación y difusión de los denominados “espectáculos culturales”. La presente exposición consta de cuatro obras: Overture (1986), Monodramas (1991), Hors-champ (1992) y Pursuit, Fear, Catastrophe: Ruskin B.C. (1993), todas ellas compuestas de imagen y sonido y realizadas entre 1986 y 1993. El asunto principal de estas piezas lo constituye el cine y la televisión: es el medio elegido por Douglas pero también es el objeto de análisis en el que centra su investigación sobre las tecnologías de la imagen y la configuración del acerbo visual occidental, cuestionando al mismo tiempo dichos medios.

  • Vista de sala de la exposición. Joseph Beuys , 1994
    15 marzo - 6 junio, 1994

    Presentado como caminante, nómada y chamán -en tanto que persona capaz de transitar por las distintas esferas en las que tiene lugar la vida del hombre (cielo, tierra y subsuelo)- Joseph Beuys (Krefeld, 1921 - Dusseldorf, 1986) defiende una naturaleza catártica del arte,sustentado en los principios de sufrimiento, muerte y renacimiento. En la segunda mitad de los años cuarenta, Beuys irrumpe en el panorama artístico europeo y emprende un proyecto en el que cuestiona el papel de la creatividad, del arte y del artista en la era del socialismo real postcapitalista y postsocialista. Para ello formula la noción del hombre-creador y reivindica como vía necesaria para la consecución y reconocimiento del hombre libre en un mundo libre el principio de plástica social.

  • José Guerrero. Composición, 1956. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    28 febrero - 9 mayo, 1994

    Con José Guerrero (Granada, 1914 - Barcelona, 1991) el arte español establece una de sus más estrechas conexiones con el panorama artístico internacional, en particular con el Expresionismo Abstracto norteamericano. Su marcha a Nueva York en 1950, tras haber pasado por Roma y París (1948-1949) responde a la búsqueda del escenario donde el arte moderno tiene lugar. 

  • Martín Chirino. Mi patria es una roca I. El viento (70), 1986-1987. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    10 febrero - 31 marzo, 1994

    Esta exposición, tercera del proyecto que se pretende mostrar bajo nombres y temas la Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pone de manifiesto que uno de los rasgos definitorios de la producción artística española durante los años ochenta y noventa es la pluralidad. También, las obras y la trayectoria de los artistas representados revelan la paulatina inserción y participación de estos últimos en los debates artísticos y estéticos internacionales. La exposición queda restringida a dos ámbitos de la producción nacional: la pintura y la escultura, además de considerar el viraje de ésta hacia la instalación.

  • Pepe Espaliú. Sin título. Diez últimos dibujos, 1993. Dibujo. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    10 febrero - 29 marzo, 1994

    Con el nombre de “Proyectos”, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía pone en marcha un programa expositivo que pretende mostrar los trabajos más recientes o en curso de artistas actuales -nacionales y extranjeros- cuya relevancia radica en lo inhabitual y originalidad de sus propuestas. La exposición inaugural es también la exposición póstuma de las últimas obras de Pepe Espaliú (Córdoba, 1955-1993) que hace de su condición homosexual la coartada de supervivencia en un mundo (y sociedad) del que se sabe y siente excluido.

  • 1 febrero - 1 marzo, 1994
    Programa: Biblioteca y Centro de Documentación

    España tiene una importancia fundamental en el desarrollo del Surrealismo. Aunque este movimiento destaque por sus manifestaciones plásticas, también existe un amplio conjunto de literatura. El Surrealismo es prolífico en manifiestos, panfletos y proclamas, desde que André Breton publica el Primer manifiesto surrealista en 1924. Este texto se puede leer en lengua castellana a través de la traducción de Fernando Vela, colaborador de José Ortega y Gasset, publicada en la Revista de Occidente.

    Biblioteca y Centro de Documentación
  • Bruce Nauman. Sin título (Modelo para zanja, pozo y túnel), 1978. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    30 noviembre, 1993 - 21 febrero, 1994

    El trabajo de Bruce Nauman (Fort Wayne, Indiana, 1941) supone la adquisición o tentativa del control de la experiencia del espectador ante un evento, acción o situación. Los sesenta y tres proyectos que componen esta exposición retrospectiva, realizados entre 1965 y 1990, constituyen un recorrido en el que el artista propone (y espera) reacciones e insinuaciones perceptivas psicológicas por parte del espectador, sustentado en muchos casos en la creación de cacofonías de imagen y sonido. El público deviene objeto, además de audiencia ante una obra que siempre está en proceso de suceder, como se puede apreciar en Sal de mi mente, sal de esta habitación (1968) o en Tortura de payaso (1987). A esto contribuye el protagonismo del cuerpo y de la acción física en sus obras, además de la asunción de la escala humana como medida artística, tal como queda patente en su obra Plantillas de neón de la mitad izquierda de mi cuerpo tomadas a intervalos de diez pulgadas (1966). Además, por su formación como escultor, el espacio conserva a lo largo de su carrera un papel perceptivo y psicológico fundamental.

  • Vista de sala de la exposición. Agnes Martin, 1993
    16 noviembre, 1993 - 24 enero, 1994

    El trabajo de Agnes Martin (Maklin, Saskatchewam, Canada, 1912 - Taos, Nuevo México, 2004) está determinado por el giro que experimenta la noción de lo sublime, que va de la pintura de paisaje, a la abstracción en la pintura de la segunda mitad del siglo XX. Formada dentro del panorama neoyorquino marcado por el Expresionismo Abstracto en la década de los cincuenta, Barnett Newman y Mark Rothko se convierten en sus principales referencias artísticas, reconociendo en ambos pintores que “la geometría podía ponerse al servicio de la contemplación espiritual”, tal como señala Barbara Haskell, comisaria de la exposición que acoge el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

  • Vista de sala de la exposición. Viena 1900, 1993
    06 octubre, 1993 - 17 enero, 1994

    Siguiendo el ejemplo de otros contextos europeos que en el cambio de siglo llevan a cabo una renovación del lenguaje, prácticas y sistemas de producción artísticos; a comienzos del siglo XX Viena extiende su voluntad renovadora y de superación del modelo romántico e historicista, a todos los campos de la expresión artística.

  • Pablo Picasso. Joie maternelle, 1922. Arte gráfico. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    22 septiembre, 1993 - 31 enero, 1994

    Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973) trabaja el grabado a lo largo de toda su trayectoria, aunque con mayor intensidad a partir de los años treinta. En este momento se afianza su lenguaje y se advierte cierto cambio de estilo, al conceder un progresivo protagonismo a los aspectos gráficos. En la faceta de Picasso como grabador se aprecia la insistencia en unos asuntos vinculados con la tradición clásica literaria o extraídos de ella, que resultan más propensos a la narración. El tema del pintor y la modelo o el mito de Minotauro se incorporan entonces a la iconografía picassiana, aparecen de manera recurrente durante su carrera y también encuentran su correspondencia en el ámbito pictórico.

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