Listado de las obras seleccionadas más planos para realizar el recorrido en el museo

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  • Salvador Dalí. Visage du Grand Masturbateur (Rostro del Gran Masturbador), 1929. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    1 octubre - 2 diciembre, 1991

    El movimiento surrealista, definitivamente visible y teóricamente argumentado con la publicación del Manifeste du Surréalisme (1924), que firma André Breton (Tinchebray, Francia, 1896- París, 1966), constituye una cosmología organizada por y en torno al propio Breton. Sus pretensiones revolucionarias -que tiñen todas sus publicaciones, exposiciones y determinaciones- se entienden como la voluntad de subversión general (por medio de la acción) en todos los ámbitos de la vida cotidiana, partiendo de la poesía y el arte hasta alcanzar la ética, la religión y la política. Así, el Surrealismo no es sólo una manifestación artístico-literaria, sino una toma de posición contra los valores tradicionales de la cultura y sociedad burguesas y contra el realismo en arte. Defiende la idea del modelo interior en todo acto creativo, de la otredad, del automatismo absoluto (aplicado a la práctica poética y artística), así como la adopción de métodos meta-artísticos procedentes del psicoanálisis, como la hipnosis, que permiten la liberación de la consciencia humana y la vuelta a estados primitivos y primigenios del pensamiento.

  • Jorge Rueda. Pepino, 1975. Fotografía. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    19 septiembre - 22 diciembre, 1991

    La exposición Cuatro direcciones. Fotografía contemporánea española. 1970-1990 encierra un doble propósito. Por un lado, plantea un recorrido por los nombres propios que conforman la historia y la práctica fotográfica española de los últimos veinte años; y, por otro, tiene la voluntad de constituir el primer paso para la creación de una base documental que sirva en un futuro para ampliar su estudio y conocimiento. El comisario de la muestra, Manuel Santos, ha contado con el asesoramiento de un comité internacional de expertos para la selección de los fotógrafos para cuya presentación se ha establecido cuatro direcciones o líneas de trabajo que atienden a las diferencias conceptuales y estilísticas de los cincuenta artistas presentes en la exposición. Éstas son: 1) “Reflexión y concepto”, donde se evidencia el empleo de ideas conceptuales e imaginería de herencia surrealista; 2) “Sueño y sugerencia”, donde los autores desarrollan conceptos de introspección y emoción; 3) “Tradición documental”, la que parte del orden natural de la vida, fijándose en aspectos sociales, culturales y políticos y que, en ocasiones, remite al fotoperiodismo y a la fotografía documental; 4) “Proceso al medio”, en la que los artistas exploran y llevan al límite el medio y los materiales fotográficos, lo cual les permite formular un nuevo idioma de la imagen.

  • Julian Schnabel. Epitafio (L.S.J.T) (Panel tumba V), 1989. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    16 septiembre - 31 octubre, 1991

    El Palacio de Velázquez es la sede de esta exposición, organizada por el Grupo 16 en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. El Salón de los 16 es una iniciativa del grupo editorial para promover la difusión del Arte Contemporáneo. En sus primeras ediciones esta convocatoria anual se centra en reunir obra de las nuevas generaciones de artistas madrileños. Con el paso del tiempo, El Salón de los 16 extiende su propuesta al territorio nacional. En esta undécima exposición se incorporan artistas extranjeros, que exponen junto a los nombres destacados del arte nacional, en lo que se plantea como un resumen de las mejores exposiciones de la temporada 1990-1991.

  • Pablo Picasso. Mujer en azul, 1901. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    5 septiembre - 10 noviembre, 1991

    La exposición Picasso, Miró, Dalí y los orígenes del Arte Contemporáneo en España, 1900-1936 pretende articular la producción artística española (en varios y notorios casos realizada fuera de España) a partir del concepto “Arte Nuevo”. Eugenio Carmona, comisario de esta muestra, concede un valor instrumental a este concepto y lo explica como un principio que subyace en gran parte del arte que se realiza durante las primeras décadas del siglo XX. En este tipo de arte se evidencia un deseo de renovación de los lenguajes plásticos y cuyo paradigma es encontrado por los artistas nacionales en las corrientes europeas coetáneas. Desde este planteamiento, la exposición propone un discurso para el arte español en sintonía con los nombres y los presupuestos estéticos y teóricos vanguardistas reunidos bajo el paraguas de Movimiento Moderno, al tiempo que imbricado en ellos. Así, los artistas españoles, que toman como referente los distintos “ismos” (Cubismo, Futurismo, Ultraísmo, Surrealismo y Realismo) participan en la dimensión internacional del arte de vanguardia. Aun así, como señala el comisario, el “Arte Nuevo” no fue la única posibilidad que tuvo el arte español en el período comprendido entre 1900 y 1936.

  • Joaquín Torres García. Objeto plástico. Forma 140, 1929. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    18 junio - 21 agosto, 1991

    Con esta exposición dedicada al pintor Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874-1949) se quiere presentar su obra al hilo de su trayectoria y constatar su lógica de acuerdo a su discurso teórico y estético. Lo que se pretende es destacar cómo los principios de tradición, construcción y universalidad son las constantes sobre las que se sostiene el trabajo del uruguayo a lo largo de su periplo artístico, que se extiende por toda la primera mitad del siglo XX. Las palabras de Tomàs Llorens, comisario de la exposición, referidas a la obra de Torres-García sintetizan el propósito de la exposición: “[su trabajo] es indisociable de la agudeza y la coherencia de las opiniones que defendió como artista”.

  • Vista de sala de la exposición. La Escuela del Sur. El taller Torres-García y su legado, 1991
    18 junio - 12 agosto, 1991

    El proyecto de universalismo constructivo, fundamento de la producción plástica y teórica de Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874-1949) alcanza su cota máxima cuando el artista regresa procedente de París a su ciudad natal en 1934 y organiza, un año después, la Asociación de Arte Constructivo (1935-1939), precedente del Taller Torres-García (1943-1962). El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía hace coincidir a través de dos extensas exposiciones ambos argumentos: la carrera de Torres-García y su herencia artística, presentada esta última bajo el título La Escuela del Sur. El taller de Torres-García y su legado. Instalado en Montevideo, Torres-García lleva a cabo la idea de organizar un taller en cuyas enseñanzas hace converger, evidenciando su igualdad plástica, estética y teórica, los principios del arte precolombino con los del arte abstracto de vanguardia, en cuyo desarrollo él había participado como miembro del grupo Cercle et Carré.

  • Gustavo Torner. Ocre-Chatarra oxidada, 1961-62. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    28 mayo - 28 julio, 1991

    La exposición retrospectiva dedicada a Gustavo Torner (Cuenca, 1925) quiere destacar el carecer polifacético de uno de los artistas españoles vivos más sobresalientes de la segunda mitad del siglo XX. Torner se inscribe en el denominado grupo de Cuenca, surgido en los años cincuenta y próximo a artistas del grupo El Paso, y ejemplifica la posibilidad de un arte que no abandona nunca la referencia al mundo real como motivo y fundamento, desde un vocabulario plástico aparentemente abstracto. La obra reunida da cuenta de los distintos registros y técnicas que Torner emplea: pintura, escultura, collage, dibujo, monotipos y ediciones de bibliófilo, a los que se añaden catorce proyecciones en vídeo sobre algunos de sus trabajos.

  • Martín Chirino. Homenaje a Malevich, 1986-1987, Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    19 mayo - 21 julio, 1991

    La exposición de la obra escultórica de Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925) ofrece una visión de conjunto de una trayectoria iniciada en los años cincuenta y que llega a nuestros días; y propone un doble reconocimiento de la persona de Chirino. Por un lado, como heredero de la vanguardia escultórica española de la primera mitad del siglo XX, siguiendo la línea iniciada por Julio González y Pablo Gargallo, además de su particular interés por la cultura aborigen canaria (guanche). En segundo lugar, por su destacado papel en la renovación de los lenguajes plásticos durante la posguerra, con su participación en el grupo El Paso, del que fue miembro fundador, en 1957. Este grupo significó el surgimiento de un arte enraizado en la tradición española, al tiempo que crítico con la situación político social; y además supuso la internacionalización de los autores y de sus trabajos.

  • 7 mayo - 10 junio, 1991

    La exposición dedicada a la obra gráfica del escritor y pintor Pierre Klossowski (París, 1905- 2001) presenta al público español una selección de dibujos realizados entre 1953 y 1990. Estos límites cronológicos enmarcan una producción singular en el panorama europeo y entre sus contemporáneos.

  • Vista de sala de la exposición Gilles Aillaud, 1991
    12 marzo - 22 abril, 1991

    La exposición dedicada a Gilles Aillaud (París, 1928-2005) se compone de casi una cincuentena de pinturas y permite un completo recorrido por la obra de uno de los principales representantes de la corriente pictórica denominada figuración crítica, surgida en la capital francesa hacia 1963. La suya es una pintura con la que para el comisario de la exposición, Christian Derouet quiere “volver a encontrar una expresión justa de lo real y sin nostalgia del pasado”. Los dos principios sobre los que se erige su trabajo y su discurso estético son la recuperación de una pintura verdadera, a la que confiere un valor transitivo (esto es, la pintura ha de ser de alguna cosa), y la negación radical de la retórica neovanguardista de la modernidad son. Aunque Aillaud decide dedicarse a la pintura tardíamente, hacia 1963, nunca abandona su otra ocupación: la escritura teatral y la escenografía. A este respecto, cabe citar el vínculo personal, artístico y laboral que mantiene con Eduardo Arroyo y Antonio Recalcati, con quienes ha trabajado en distintas ocasiones en la puesta en escena de diversos textos por él firmados.

  • Vista de sala de la exposición. Nacho Criado. Piezas de agua y cristal, 1991
    6 marzo - 1 mayo, 1991

    En esta exposición en el Palacio de Cristal, Nacho Criado (Mengíbar, 1943 - Madrid, 2010) propone ocho proyectos nuevos bajo el lema de Piezas de agua y cristal, donde confluyen las obras con la materialidad de la arquitectura y del enclave en el que se halla el edificio, ante un pequeño lago en el parque del Retiro. Así, el vidrio es el elemento común a todos los trabajos presentados, en el que insiste como antimateria visual (en el sentido duchampiano del término) y al que explora también sus cargas sensuales, simbólicas y, sobre todo, metafóricas. Las piezas que componen la exposición han sido realizadas ex profeso pero -como indica el comisario de la exposición, Simón Marchán- cabe reconocer en ellas ciertas recurrencias “ya que imprimen un tiempo dilatado, casi intempestivo, a unas creaciones renuentes al nomadismo que destilan tantas manifestaciones del presente”. Así pues, dentro de una trayectoria artística marcada por sus incursiones en el Land Art, el Arte Conceptual, el Arte Povera e incluso el Minimal, aunque sin adscribirse de manera categórica a ninguno de ellos, Nacho Criado se vale del cristal para configurar juegos de transparencias y de reflejos, y para ello alude y convoca, explícita o implícitamente, también al agua.

  • Joan Brossa. Paleta-Poeta (Poema-objeto), 1989. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    7 febrero - 29 abril, 1991

    La exposición dedicada a Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998) ofrece la posibilidad de revisar la obra de uno de los artistas españoles cuyas propuestas han incidido de manera destacada en el desarrollo de las artes visuales de la segunda mitad del siglo XX desde campos de experiencia distintos a la plástica convencional y con presupuestos próximos a la práctica poética y el arte objetual. Para esta muestra se han reunido más de ciento sesenta trabajos realizados a lo largo de una trayectoria iniciada ahora hace cincuenta años y marcada por el activo papel de Brossa en la vanguardia catalana de posguerra, con su participación en el grupo Dau al Set, junto a Antoni Tàpies, Joan Ponç y Arnau Puig. Cabe destacar la homogeneidad de su trabajo a lo largo de estos años y su reconocimiento por parte de la nueva generación de artistas en los años ochenta.

  • Anish Kapoor. Void Field, 1989. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    5 febrero - 26 abril, 1991

    La exposición ofrece un recorrido por los diez años de trayectoria de Anish Kapoor (Bombay, 1954), desde sus primeros trabajos en los que pone en marcha la formulación de un lenguaje propio, hasta la consecución de una gramática escultórica personal, fundamentada en la contaminación con aspectos procedentes del ámbito de la pintura y de la psicología de la percepción. Los límites de esta exposición se sitúan, entre la obra 1000 Names (1979-1980) y la selección de treinta y una obras con la que representó a Inglaterra en la 44 Bienal de Venecia (1990), siendo esta selección semejante a la que se puede ver en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

  • Vista de sala de la exposición Markus Lüpertz. Retrospectiva. 1963 – 1990, 1991
    5 febrero - 6 mayo, 1991

    La exposición retrospectiva de Markus Lüpertz (Liberec-Reichenberg, República Checa, 1941) repasa la trayectoria de uno de los artistas alemanes vivos más importantes de las últimas décadas. Representante del Neoexpresionismo Alemán junto a Georg Baselitz, A. R. Penck (Ralf Winkler) y Jörg Immendorff; surgido a comienzos de los años sesenta, Lüpertz y sus compañeros de generación llevaron a cabo una particular rehabilitación de la pintura desde la pintura misma, retrotrayéndose en muchos casos a las vanguardias de comienzo de siglo. La intensa y compleja carrera artística de Lüpertz queda sintetizada en las ciento treinta y cinco obras (pinturas, dibujos y esculturas) ahora reunidas, las cuales se organizan en tres grupos cronológicos, aunque se advierten prolongaciones de motivos y recursos en ellas.

  • Francesc Torres. Belchite/South Bronx: Un paisaje Trans-Cultural y transhistórico, 1987 - 1988. Instalación. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    4 febrero - 7 abril, 1991

    La exposición antológica Francesc Torres. La cabeza del dragón ofrece un recorrido por los veinte años que conforman la trayectoria de Francesc Torres (Barcelona, 1948). La muestra reúne un conjunto de obra que en su mayoría no ha sido expuesto en España, compuesto por trabajos realizados fundamentalmente en Estados Unidos, salvo el proyecto Cincuenta lluvias (1990-1991), creado ex profeso para esta ocasión.

  • Vista de sala de la exposición. Obras maestras de la colección Guggenheim. De Picasso a Pollock, 1991
    17 enero - 13 mayo, 1991

    Con la muestra Obras maestras de la colección Guggenheim. De Picasso a Pollock se logra aunar dos hechos inusuales: reunir más de ciento veinte obras maestras que conforman la historia del arte de la primera mitad del siglo XX y evidenciar la personalidad de los dos principales coleccionistas sobre los que se sustenta la Solomon R. Guggenheim Foundation de Nueva York. Así, esta exposición presenta la historia del arte imbricada con las obras y la historia de una colección conformada fundamentalmente por los legados del propio Solomon R. Guggenheim (Filadelfia, 1861-Nueva York, 1949) y de su sobrina Peggy Guggenheim (Nueva York, 1898-Padua, Italia, 1979), a los que se añaden otros fondos y adquisiciones realizados a lo largo de la historia de la institución.

  • 12 - 24 diciembre, 1990

    Bienal de la imagen en movimiento ´90 presenta una selección de obras realizadas entre los años 1988 y 1990 cuyo denominador común es el empleo del vídeo, el cine, la televisión o el ordenador; tanto como soporte, como medio. La exposición reúne un conjunto amplio y variado de trabajos que participan del término “imagen en movimiento” en su más extensa acepción.

  • Vista de sala de la exposición Alberto Giacometti, 1990
    14 noviembre, 1990 - 15 enero, 1991

    Organizada en tres grandes áreas (dibujo, pintura y escultura) relativas a la producción de Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 1901-Coira, Suiza, 1966), la exposición Alberto Giacometti constituye la primera retrospectiva de este artista en España. Esta muestra se plantea con el objetivo de contextualizar su trabajo y señalar sus adscripciones y posicionamientos desde los hitos y nombres propios que jalonan su trayectoria artística y vital, los cuales no sólo inciden en su trabajo sino que también permiten que éste saliera de los marcos estrictos de lo artístico. Se insiste pues, en la reciprocidad entre su biografía artística y su obra, entre la que se incluye la literaria (notas, escritos sobre su trabajo y diarios). Por otro lado, y unida a la anterior premisa, la exposición desarrolla una línea de lectura que quiere destacar la idea del oficio del artista en Giacometti, donde sobresale el dibujo como medio primordial.

  • Antoni Tàpies. Paja prensada a la X, 1969. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    7 noviembre - 31 diciembre, 1990

    El propósito de esta exposición antológica es contextualizar la vasta producción de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923-2012) de esculturas y objetos dentro de su trayectoria, insistiendo en la unidad e indisolubilidad de todo su trabajo. Para ello se ha reunido un conjunto de obras realizadas entre 1946 y 1990 cuyo denominador común es el assemblage (ensamblaje) como proceso y técnica, aspecto que sirve para fundamentar el triple objetivo de la muestra, en palabras de Gloria Moure, comisaria de la muestra: “Subrayar la radicalidad, la compacidad y la contemporaneidad de la obra de Tàpies”.

  • Vista de sala de la exposición. Memoria del futuro. Arte italiano desde las primeras vanguardias a la posguerra, 1990
    31 octubre, 1990 - 15 enero, 1991

    En el contexto de lecturas críticas de la historia del arte, Memoria del futuro. Arte italiano desde las primeras vanguardias a la posguerra presenta una aproximación al arte italiano de los primeros sesenta años del siglo XX, bajo la premisa de que su continua renovación enraíza en la tradición. La exposición no considera la memoria y el futuro como términos intercambiables, equiparables u opuestos, sino que defiende la idea de que de su mutua contaminación y roce surge el arte italiano moderno. De este modo, Memoria del fututo rompe con el relato cronológicamente lineal de la historia del arte y concede un papel activo a la memoria artística y cultural más reciente de Italia. En esa retroalimentación del arte italiano, el arte del futuro es asumido como una tradición que ha de completarse.

  • Bram van Velde. Composition, 1970. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Bilbao
    28 marzo - 14 mayo, 1990

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  • Antonio Saura. La gran muchedumbre, 1963. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    21 diciembre, 1989 - 19 marzo, 1990

    Esta exposición de Antonio Saura (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998), organizada por el Musée Rath, Museo de Arte e Historia de Ginebra, se celebra con motivo del cincuenta aniversario de la presentación de las colecciones del Museo del Prado en Ginebra en 1939.

  • 14 diciembre, 1989 - 04 marzo, 1990

    Esta exposición es una de las muestras más extensas de Arte Iberoamericano vistas hasta la fecha en España. En el Palacio de Velázquez se exponen más de cuatrocientas obras para mostrar la riqueza artística en las regiones iberoamericanas, desde las Guerras de Independencia contra España (ca. 1800-1821), hasta 1980.

  • Manuel Millares. Aborigen nº1, 1951. 75x95 cm. Óleo sobre lienzo. C.A.C. Bodegas Vega Sicilia, S.A. - Museo Patio Herreriano, Valladolid
    15 noviembre - 30 diciembre, 1989

    La Asociación de Amigos del Reina Sofía nace en 1987 como resultado de la unión de un grupo de empresarios para crear una colección. Las adquisiciones de las obras se realizan por iniciativa privada, pero la voluntad de la colección es pública, al cooperar con las instituciones y ponerla al alcance del mayor número posible de ciudadanos.

  • Vista de sala de la exposición. Miquel Navarro. Minerva Paranoica, 1989
    27 octubre, 1989 - 11 enero, 1990

    Miquel Navarro (Mislata, 1945) es uno de los destacados representantes de lo que se conoce como “Nueva Escultura Española”. El artista comienza su trayectoria en la década de los sesenta con un estilo pictórico que él mismo califica de expresionista. Hacia 1974 surge su primera Ciudad, un conjunto de elementos modulares, repetitivos y de formas geométricas, agrupados en composiciones que simulan el entramado urbano y generan paisajes que se distribuyen espacialmente a modo de instalación escultórica.

  • Sean Scully. Black Robe, 1987. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    14 septiembre - 12 noviembre, 1989

    El pintor Sean Scully (Dublín, 1945), de origen irlandés pero nacionalizado estadounidense, se suma desde comienzos de los años setenta a la Abstracción. El artista se interesa por profundizar en la humanización de la pintura, desde una oposición a los parámetros formalistas. Según sus propias palabras, su trabajo se resume en el paso “de la línea objeto a la línea sujeto”. Las direcciones, reflejadas por líneas horizontales y verticales y las tensiones que de ellas se generan son la base de su producción. Esta nueva consideración de la geometría, que se aleja de la idea de pureza y asume el error, sirve como reflejo de las relaciones problemáticas entre el individuo y lo colectivo. Todo ello abre un nuevo campo de reflexión, hasta entonces desconocido por la pintura abstracta.

  • Equipo Crónica, Pintar es como golpear, 1972. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    13 septiembre - 30 octubre, 1989

    Los planteamientos estéticos del Equipo Crónica (1964-1981) evocan la atmósfera visual de una época. El grupo surge como una de las propuestas más coherentes del movimiento figurativo que, a principios de los sesenta, intenta dejar atrás la pintura informalista española.

  • Paul Gauguin. Mata Mua (Erase una vez),1892. Óleo sobre lienzo. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
    16 junio - 24 julio, 1989

    El Centro de Arte Reina Sofía ha sido el sitio elegido por el barón Hans Heinrich Thyssen-Bonemisza para mostrar al público una de sus últimas adquisiciones: el cuadro titulado Mata Mua (Autrefois) de Paul Gauguin (París, 1848 - Atuona, Polinesia Francesa, 1903).

  • Vista de sala de la exposición. Colección Beyeler, 1989
    24 mayo - 24 julio, 1989

    Una selección de las mejores obras de la Colección Beyeler se presenta por primera vez en público. Esta exposición en el Centro de Arte Reina Sofía se une a las anteriores muestras dedicadas a colecciones privadas, como Panza di Biumo, Nasher, Sonnabend y Phillips.

  • 18 mayo - 15 julio, 1989

    Sesenta y dos obras de Ferran García Sevilla (Palma de Mallorca, 1949) se presentan en esta exposición bajo el título La torre de papel. Su trayectoria artística comienza en los años setenta con una actividad vinculada al Arte Conceptual, para pasar posteriormente al ámbito pictórico a principios de los ochenta.

  • Vista de sala de la exposición. Ülrich Rückriem: estela y granero, 1989
    13 abril - 17 julio, 1989

    Ulrich Rückriem (Düsseldorf, Alemania, 1938) comienza a trabajar como escultor en los años sesenta, tras una intensa formación en un taller de canteros donde aprende el oficio y la técnica de cortar la piedra y limar, partir, alisar y pulir el material. Esta experiencia artesanal es la base sobre la que comienza a formular su propia escultura.

  • Marcel Duchamp. La Mariée mise à nu par ses célibataires même (Boîte verte), 1934. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    9 marzo - 26 abril, 1989

    Dadá y Constructivismo son dos de los movimientos artísticos que tienen como característica el haber surgido en momentos críticos de la historia: La Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa. Sin embargo, a pesar de esta similitud, a menudo han sido considerados por los historiadores movimientos contrapuestos, al considerar que el primero se centraba en el pensamiento intuitivo y lo transracional, mientras que el Constructivismo profundizaba en la belleza objetiva y las formas puras.

  • Philip Guston. Confrontation, 1974. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    1 marzo - 6 mayo, 1989

    Por primera vez se muestra en Europa el conjunto de la producción de Philip Guston (Montreal, Canadá, 1913 - Nueva York, EE.UU., 1980), aunque anteriormente la obra de su última época ya fuera mostrada en la Whitechapel de Londres. Tras ciertas incursiones iniciales en el lenguaje surrealista y metafísico, Guston pasa a ser en los años cincuenta uno de los protagonistas del Expresionismo Abstracto.

  • Otto Dix. Hugo Erfurth con perro, 1926. Temple y óleo sobre tabla. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
    13 febrero - 8 abril, 1989

    En esta exposición se recupera el ambiente artístico de Berlín, considerado como uno de los centros del arte moderno durante las tres décadas de 1900 a 1933. Dentro de esta muestra se exponen, tanto las obras que han sido producidas en esta ciudad por artistas berlineses o no, además de otras que han terminado recalando en ella a través de exposiciones u otros canales.

  • Vista de sala de la exposición. Richard Artschwager, 1989
    10 febrero - 27 marzo, 1989

    Richard Artschwager (Washington, 1923 - Albany, 2013) ha dedicado su producción a investigar la construcción del sentido en la obra de arte. Desafiando los convencionalismos en pintura y escultura -y fuera de toda clasificación estilística- la producción artística de Artschwager la componen fundamentalmente: muebles-escultura fabricados en madera y formica imitando a la madera, además de cuadros pintados sobre el material industrial denominado celotex y formas escultóricas pintadas o revestidas de goma que él denomina “blps”.

  • Vista de sala de la exposición. John Baldessari. Ni por esas-Not even so, 1989
    11 enero - 20 febrero, 1989

    Decepcionado por la recepción de su obra y en una acción que cuestionaba los mecanismos de acceso al arte contemporáneo, en 1970 John Baldessari (National City, EE.UU., 1931) quema su producción pictórica realizada entre los años 1953 y 1966, dando lugar al Cremation Project. A partir de entonces el artista americano tomará la palabra y la fotografía como herramientas de expresión por considerarlas idóneas para una recepción fácil y directa con el público.

  • Vista de sala de la exposición. Henri Matisse. Pinturas y dibujos de los museos Pushkin de Moscú y el Ermitage de Leningrado, 1988
    19 diciembre, 1988 - 15 febrero, 1989

    Rusia es el primer país que empieza a importar obras de Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis, Francia, 1869 - Niza, Francia, 1954). Tras el gran éxito obtenido con sus pinturas en el Salón de Otoño de París en 1905, los cuadros del joven artista comienzan a llegar a Rusia. No obstante, el coleccionista Sergei Ivanovich Shchukin -comprador también de obras de Claude Monet, Paul Gauguin y otros jóvenes de la vanguardia como Pablo Picasso, André Derain, Maurice de Vlaminck o Kees Van Dongen- se interesa por la obra de Matisse antes incluso de que celebre su primera exposición en 1904 en la parisina galería Vollard.

  • Vista de sala de la exposición. Obras Maestras de la Colección Phillips de Washington, 1988
    30 noviembre, 1988 - 16 febrero, 1989

    Nieto de un magnate del acero e hijo de un hombre de negocios, el temprano interés de Duncan Phillips por el arte se vio fomentado por su familia mediante una modesta pensión anual que se dedicó exclusivamente a la adquisición de obras de arte. La repentina muerte de su padre y su hermano le conduce a rendirles un homenaje exponiendo públicamente las obras adquiridas en una zona de su mansión. Duncan Phillips adquirió unos trescientos cuadros que unió a las algo menos de dos docenas de obras que hasta entonces poseía para inaugurar el Phillips Memorial Gallery en 1921 convirtiendo a la colección en el primer museo de arte moderno creado en los Estados Unidos.

  • Vista de sala de la exposición. Werner Bischof. Fotografías (1932-1954), 1988
    6 octubre - 19 diciembre, 1988

    Con tan solo treinta y ocho años, la prematura muerte de Werner Bischof (Zúrich, Suiza, 1916 - Trujillo, Perú, 1954) junto a sus dos compañeros de jeep en un precipicio de la cordillera de los Andes, interrumpió una prometedora obra que ya había dado sobradas muestras de su interés durante los dieciocho años de su desarrollo.

  • Pablo Palazuelo. Medalla, 1988. Escultura. Museo Casa de la Moneda, Madrid
    01 octubre, 1988 - 01 enero, 1989

    El carácter simbólico y ceremonial de la medalla provoca que sea la forma elegida por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre para conmemorar el bicentenario de Carlos III, cuyo reinado es especialmente fructífero para la numismática española. Hasta la actualidad llegan emblemáticas piezas acuñadas en las Casas de Moneda de la Península y Ultramar, pero es en el campo de la medallística donde se puede hablar de un período muy destacado. Frente a la rigidez de las monedas, las medallas están impregnadas por el espíritu de la Ilustración y reflejan la libertad de creación de los artistas grabadores.

  • Lucio Muñoz. Tabla Cañuelo, 1960. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    14 septiembre - 5 diciembre, 1988

    Lucio Muñoz (Madrid, 1929-1998) pertenece a la generación de artistas españoles de los años cincuenta y es considerado uno de los pioneros de la abstracción en el país.

  • Vista de sala de la exposición. Rufino Tamayo. Pinturas, 1988
    29 junio - 3 octubre, 1988

    Rufino Tamayo (Oaxaca, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) es uno de los grandes protagonistas del movimiento pictórico mexicano del siglo XX. Trabajador incansable y viajero infatigable, Tamayo recibe el influjo de diversas culturas que trascienden en su pintura y convierten en universal. De este modo, en su labor artística asimila también movimientos como el Impresionismo, Cubismo, Futurismo y la pintura metafísica.

  • Vista de sala de la exposición. Christian Boltanski. El caso, 1988. Fotografía de Luis Pérez Mínguez
    26 mayo - 5 septiembre, 1988

    Christian Boltanski (París, 1944) se define a sí mismo como pintor, aunque desde 1967 abandona la actividad puramente pictórica para dedicarse a la ejecución de obras con técnicas variadas, en las que el contenido juega un papel esencial. En cierto modo, plantea una estrategia pictórica mediante otros medios, pero retiene la intención ficcional y figurativa.