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  • Vista de sala de la exposición. Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta, 2012
    19 septiembre – 17 diciembre, 2012

    Espectros de Artaud

    Lenguaje y arte en los años cincuenta

  • Vista de sala de la exposición. Sharon Hayes. Habla, 2012
    30 mayo - 24 septiembre, 2012

    Para dar título a esta exposición, que reúne diez de sus proyectos más significativos e incluye una pieza que ha realizado expresamente para la muestra en colaboración con el artista y escritor mexicano Pablo Sigg, Sharon Hayes ha recurrido a un texto, Curso de Lingüística General de Ferdinand de Saussure, que ha ejercido una gran influencia en su trabajo. Hay que tener en cuenta que la palabra española "habla" es el equivalente más preciso al término francés parole, noción que desempeñó un papel clave en el proyecto teórico de este lingüista suizo. Hayes ha querido jugar con la potencialidad polisémica de esta palabra que además de designar la capacidad inherente de cada individuo para hacer uso del sistema de la lengua, también alude a la dimensión social del proceso comunicativo y, en ciertas condiciones contextuales, puede tener un sentido imperativo.

  • Rosemarie Trockel, VG Bild-Kunst Bonn. © VEGAP, Madrid, 2012
    23 mayo - 24 septiembre 2012

    Rosemarie Trockel (Schwerte, Alemania, 1952) irrumpe en la escena artística alemana, dominada por figuras masculinas, en los 70. Su obra explora formas y materiales de trabajo diversos eludiendo encasillarse estilísticamente. Sus creaciones cuestionan las categorías legitimadoras del arte, el orden social, las identidades de género; explorando constantes como las concepciones opuestas del feminismo, la metamorfosis del sujeto, la interrelación entre humanos y animales y el impacto medioambiental de nuestra especie, los fenómenos de la moda, la celebridad, la belleza y los íconos sociales, el cuerpo o la construcción social del sujeto.

  • Vista de sala de la exposición. Nacho Criado. Agentes Colaboradores, 2012
    5 mayo - 1 octubre, 2012

    Nacho Criado

    Agentes colaboradores

    La muestra que alberga el Palacio de Velázquez ofrece una selección retrospectiva del trabajo de Nacho Criado, revelando como la variedad de medios y prácticas artísticas que manejó, instalación, escultura, fotografía, vídeo, arquitectura, performance, land art y body art, actúan como herramientas de indagación de la relación entre las ideas y referentes del pasado, inscritas en la mención a artistas como Bruno Taut, Matthias Grünewald, Samuel Beckett...y su realización material. Con su reactualización la cita actúa como agente colaborador, catalizando un proceso creativo nuevo. La pieza No es la voz que clama en el desierto, (1990), centro de esta parte de la muestra, trae la tensión entre discurso y silencio, entre destrucción y construcción, un destino para la obra humana.

  • James Coleman. Retake with Evidence, 2007. Proyección de video. Interpretado por Harvey Keitel. Película 35 mm en proporción 4:3 transferida a video HD © James Coleman
    25 abril - 27 agosto, 2012

    La obra de James Coleman (Irlanda, 1941) propone una reflexión sobre la construcción y experiencia de la realidad y explora cuestiones referentes a la percepción, la representación, la memoria y la identidad. Mediante el uso de medios audiovisuales, Coleman sitúa al sujeto como elemento central de su trabajo e induce al espectador a considerar cómo la interpretación conforma nuestra comprensión de lo que vemos. Lo “fotográfico” (la imagen fija y en movimiento) desempeña un papel esencial en estas indagaciones que desarrolla, desde un cierto hermetismo poético, con un lenguaje meticuloso y complejo.

  • Vista de sala de la exposición. Mateo Maté. Universo personal, 2012 © VEGAP
    13 marzo - 27 junio, 2012

    Mateo Maté

    Universo personal

    Mateo Maté (Madrid, 1964) utiliza objetos cotidianos, incluso a menudo ligados a su propia rutina doméstica, para explorar cómo en la modernidad tardía los espacios que habitamos están atravesados por tensiones y violencias en las que lo íntimo y lo social, lo político y lo existencial, lo individual y lo colectivo se entremezclan y confunden. Interesado por el potencial simbólico de la metáfora cartográfica, Maté crea espacios escultóricos y performativos que a la vez que nos resultan familiares, nos generan un profundo desconcierto, como si estuvieran plagados de peligros latentes, de enigmas perturbadores. En sus trabajos, el artista madrileño plantea que en un contexto como el actual, en el que nuestros entornos más inmediatos se han convertido en geografías indescifrables y llenas de amenazas e incertidumbres, tenemos que repensar y reinventar la noción de habitar, ser capaces de desbordar nuestra mirada y devolverle la concreción a los espacios y objetos que nos rodean.

  • Vista de sala de la exposición. Hans Haacke. Castillos en el aire, 2012
    15 febrero – 23 julio, 2012

    Hans Haacke

    Castillos en el aire

    Hans Haacke (Colonia, 1936) es considerado pionero de la llamada crítica institucional, vertiente del arte conceptual, surgida a finales de los años sesenta. Formado y residente en los Estados Unidos, su obra transita de un puro conceptualismo inicial hacia un discurso crítico. Sus obras cuestionan los mecanismos y funciones de las instituciones culturales, políticas y económicas, que manifiestan ser herramientas activas en la construcción y transmisión de valores identitarios e ideológicos favorables al discurso y expansión de la globalización. Construye sistemas de relación mediante elementos literales tomados del cotidiano, cuyo significado crítico emerge por colisión simbólica al ser yuxtapuestos, procurando, más que denunciar, dejar ver la relación entre arte y comportamiento social.

  • Fernando Millán. Tú y yo,1968. Inédito. Colección privada de Tito Domínguez.
    9 febrero - 7 septiembre, 2012
    Programa: Biblioteca y Centro de Documentación

    El Centro de Documentación y Biblioteca inaugura su nuevo espacio expositivo con una muestra que reúne algunas de las propuestas de arte experimental surgidas a mediados de los años sesenta (al margen de la cultura oficial), y que van a significar una renovación del lenguaje poético y una transgresión de los límites establecidos. Entre los géneros se desdibujan las fronteras, y los poetas llevarán sus aires de vanguardia a la pintura, la música o el teatro.

    Biblioteca y centro de documentación
  • Paloma Polo. Posición aparente
    26 enero - 23 abril, 2012
    Programa: Fisuras

    Posición aparente forma parte de un proyecto de investigación en torno a las expediciones científicas que se llevaron a cabo durante el siglo XIX y principios del siglo XX para avistar y documentar diferentes fenómenos astronómicos. Un proyecto con el que Paloma Polo (Madrid, 1983) pretende explorar la estrecha relación entre el desarrollo científico y la expansión colonial de las potencias imperialistas europeas. En esta ocasión, Polo se centra en una expedición que realizó en 1919 el astrofísico británico Sir Arthur Stanley Eddington a la isla de Príncipe, ex-colonia portuguesa situada en el golfo de Guinea, para intentar demostrar la teoría de la relatividad de Einstein a partir de la observación de los efectos de un eclipse solar total.

  • Vista de sala de la exposición. Emilio Ambasz. Invenciones: arquitectura y diseño, 2011
    1 diciembre, 2011 - 16 enero, 2012

    Emilio Ambasz

    Invenciones: arquitectura y diseño

  • Vista de sala de la exposición. Antoni Muntadas: Entre/Between, 2011
    22 noviembre, 2011 - 25 marzo, 2012

    Antoni Muntadas

    Entre/Between

    Considerado como unos de los pioneros del media art y del arte conceptual en España, Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) lleva más de cuatro décadas realizando proyectos en los que plantea una reflexión crítica sobre cuestiones claves en la configuración de la experiencia contemporánea. Su objetivo es detectar y decodificar los mecanismos de control y poder a través de los cuales se construye la mirada hegemónica, explorando el papel decisivo que en este proceso juegan los medios de comunicación de masas. En sus obras, que tienen siempre una clara dimensión procesual y en las que a menudo se apela directamente a la participación de los espectadores, Muntadas recurre a múltiples soportes, lenguajes y estrategias discursivas, desde las intervenciones en el espacio público al vídeo y la fotografía, desde la edición de publicaciones impresas a la utilización de Internet y las nuevas herramientas digitales, desde las instalaciones multimedias a la puesta en marcha de proyectos de investigación multidisciplinares y colaborativos.

  • Vista de sala de la exposición. Soledad Sevilla. Escrito en los cuerpos celestes, 2011
    10 noviembre, 2011 - 24 abril, 2012

    Soledad Sevilla

    Escrito en los cuerpos celestes

    Desde que comenzó su carrera artística a finales de los años sesenta, cuando formó parte del Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha tratado de explorar las relaciones entre luz, materia y espacio, combinando el rigor analítico y el orden geométrico con la búsqueda de una experiencia sensorial y orgánica. Sus obras poseen una lógica poética interna que las singulariza y en ellas desempeñan un papel fundamental la evocación de lo intangible, la reflexión en torno al tiempo y el lenguaje, la presencia de lo paradójico o la investigación sobre las condiciones perceptivas de los sentidos.

  • Vista de sala de la exposición. Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel, 2011
    25 octubre, 2011 - 27 febrero, 2012

    Locus Solus

    Impresiones de Raymond Roussel

    Locus Solus es la primera exposición que se organiza en España en torno a la figura y el legado de Raymond Roussel (París, 1877 - Palermo, 1933), autor de una obra poética, novelística y teatral sin parangón en la historia de la literatura, tanto por la singularidad y exuberancia de su universo narrativo y visual como por la metodología que ideó y que, poco a poco, fue perfeccionando y complejizando. Una metodología que se basaba en la exploración del potencial inventivo de la homonimia y del retruécano, todo ello desde la convicción de que una obra artística/literaria no necesita contener nada real, de que puede ser exclusivamente una combinación de objetos imaginarios. En su texto póstumo Cómo escribí algunos de mis libros, Roussel, que siempre se mantuvo a distancia de las vanguardias y de los movimientos literarios de su época (porque, en palabras de André Breton, estaba "decidido a no seguir otra inclinación que la de su espíritu"), explica que su proceso de trabajo partía de la creación de dos frases fonéticamente casi idénticas pero con sentidos y significados muy diferentes, para luego tratar de escribir un relato que pudiese empezar con una de ellas y acabar con la otra.

  • Vista de sala de la exposición. René Daniëls. Una exposición es siempre parte de un todo mayor, 2011
    20 octubre, 2011 - 26 marzo, 2012

    René Daniëls

    Una exposición es siempre parte de un todo mayor

    Polifacética y compleja, la obra de René Daniëls (Eindhoven, Holanda, 1950) reactiva y reformula algunos elementos clave de las vanguardias históricas, tratando de vincular las artes visuales con la literatura y la vida cotidiana. En su trabajo desempeñan un papel fundamental la ironía, la ambigüedad y los dobles sentidos, a la vez que se desbordan las fricciones entre abstracción y figuración, entre realidad y representación. Más cercano a René Magritte, Francis Picabia, Marcel Duchamp o a Marcel Broodthaers que a los artistas neoexpresionistas de la década de los ochenta -con los que a menudo se le ha asociado-, Daniëls concibe la pintura como veladura, como un juego de apariciones y desapariciones, al tiempo que considera que la obra de arte no puede desligarse de su contexto social y que el artista tiene que huir de cualquier tentación de hermetismo y ensimismamiento.

  • Vista de sala de la exposición. alighiero boetti. Estrategia de juego , 2011
    5 octubre, 2011 - 5 febrero, 2012

    alighiero boetti

    estrategia de juego

    Vinculado en sus inicios al arte povera, movimiento del que se desmarcaría muy pronto, Alighiero Boetti (1940 - 1994) fue un artista prolífico e inclasificable que trató de alejarse de cualquier forma de ensimismamiento autoral, explorando a lo largo de su carrera diferentes modos y grados de actividad colaborativa. Su obra puede enmarcarse dentro de otra relacional y en ella desempeñan un papel clave nociones como multiplicidad, dualidad o desdoblamiento (no en vano, a partir de 1972 decide firmar sus proyectos como Alighiero e Boetti) y se busca un equilibrio entre lo intelectual y lo sensible, entre orden y desorden, entre individualidad y colectividad. Fundiendo rigor conceptual, vocación experimental y sentido lúdico, Boetti deja siempre que el azar y la casualidad interfieran en su trabajo. Un trabajo con una fuerte carga poética e icónica en el que se recurre a una gran variedad de técnicas y herramientas -desde el dibujo o la pintura al mail art o la producción de objetos artesanales- y donde se concibe al espectador como un cómplice, como un compañero de juego.

  • Vista de sala de la exposición. Andreas Fogarasi. La ciudad de color/Vasarely Go Home, 2011
    14 septiembre, 2011 - 9 enero, 2012

    Andreas Fogarasi

    La ciudad de color/Vasarely Go Home

    Programa: Fisuras

    Andreas Fogarasi (Viena, 1977) examina la estetización y mercantilización del espacio urbano y el uso de la arquitectura, el arte y el diseño como instrumentos de legitimación al servicio del poder recurriendo a diferentes medios y formatos, desde el vídeo, la fotografía o el texto hasta la instalación o escultura. En su trabajo, Fogarasi articula amplias y complejas tramas discursivas que exploran los mecanismos de representación de la hegemonía cultural, así como sus posibles líneas de fuga. Son obras referenciales y didácticas en apariencia, pero con una fuerte presencia estética y formal, en las que resuenan ecos del minimalismo y del arte conceptual.

  • Der Arbeiter Fotograf. Neuer Deutcher Verlag. Berlín, N. 10, 1929. Revista Ilustrada. Biblioteca y Centro de Documentación. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid
    24 agosto - 30 noviembre, 2011
    Programa: Biblioteca y Centro de Documentación

    Esta exposición incluye una selección de las revistas adquiridas con motivo de la exposición Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939. Las revistas muestran la vinculación entre el lenguaje del documental y la conciencia obrera, indagando en la importancia de la imagen en la constitución de un nuevo ideal político y social y planteando cómo la lucha por el poder comienza en la lucha por la representación.

    Biblioteca y centro de documentación
  • Vista de sala de la exposición. Elena Asins. Fragmentos de la memoria, 2011
    15 junio - 31 octubre, 2011

    Elena Asins

    Fragmentos de la memoria

    Elena Asins (Madrid, 1940) reúne la tradición constructiva de la vanguardia del siglo XX con la computación y la teoría de la información de la década de los sesenta, siendo considerada una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España. Ligada a algunos de los proyectos más renovadores de la historia reciente del arte español, como la Cooperativa de Producción Artística y Artesana o el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, Asins ha recurrido en sus trabajos a un amplio abanico de formatos y medios (desde la poesía concreta al vídeo, pasando por el dibujo, la escultura o la instalación), caracterizados siempre el rigor compositivo y la depuración formal.

  • Vista de sala de la exposición. Lili Dujourie. La naturaleza es sabia, 2011
    10 junio - 25 septiembre, 2011

    Lili Dujourie

    La naturaleza es sabia

  • Vista de sala de la exposición. Leonor Antunes. camina por ahí. mira por aquí, 2011
    10 junio - 5 septiembre, 2011

    Leonor Antunes

    camina por ahí. mira por aquí

    Programa: Fisuras

    Las intervenciones escultóricas de Leonor Antunes (Lisboa, 1972) construyen su significado desde su densa materialidad, sin remitir a un contenido simbólico concreto, transformando los lugares en los que se instalan y visibilizando las tensiones y energías que hay en ellos. En su obra se reivindica la autonomía material y significante de las formas, la potencia del gesto puro y nociones como medida, escala o proporción desempeñan un papel clave. Antunes, que vive y trabaja en Berlín, concibe la restricción como un elemento articulador de su propuesta. Al igual que artistas como Duchamp, John Cage o Rodney Graham, se autoimpone una serie de reglas metodológicas muy estrictas que, paradójicamente, le permiten trabajar con un alto grado de libertad e incorporar en sus esculturas -en las que a menudo queda patente su modo de construcción- el azar y lo arbitrario.

  • Vista de sala de la exposición. Maja Bajevic. Continuará, 2011
    27 mayo - 3 octubre, 2011

    Maja Bajevic

    Continuará

    Maja Bajevic (Sarajevo, 1967) fundamenta su trabajo en una revisión poética y sutil de las fracturas sociales e históricas, en la que implica la toma de conciencia del espectador como agente o público. Un trabajo en el que se analiza la relación entre violencia, poder y construcción identitaria, se reflexiona sobre el impacto que tienen los conflictos políticos y sociales en la vida cotidiana y se plantea la necesidad (y también dificultad) de ponerse en el lugar del otro. Este conjunto de reflexiones siempre pasa por la implicación activa del espectador. Bajevic empezó a ser conocida a nivel internacional por su proyecto Women at Work (Mujeres trabajando) (1999-2001), una serie de performances en las que participaron cinco mujeres víctimas de la masacre de Srebrenica. En una de estas performances, Washing up, lavaban a mano varios trapos con lemas de la época del dictador Tito hasta que lograban borrar las palabras que había en ellos. Un acto cargado de simbolismo poético y político que, en cierta medida, tuvo un efecto catártico.

  • Vista de sala de la exposición. Lygia Pape. Espacio imantado, 2011
    24 mayo - 3 octubre, 2011

    Lygia Pape

    Espacio imantado

    La obra de Lygia Pape (1927-2004) surge en uno de los entornos más renovadores del arte de la segunda mitad del siglo XX, como es el contexto brasileño, donde las tensiones inherentes al asentamiento de la modernidad conviven con su extremo opuesto: procesos dictatoriales, falsos milagros económicos o movimientos culturales ligados a lo local y abocados a vivir en el exilio. Vinculada al concretismo del Grupo Frente, pronto se relaciona con la deriva neoconcreta junto a otros artistas, como Lygia Clark o Hélio Oiticica, y poetas, como Ferreira Gullar. A pesar de la comparación de Pape con estos, su obra ha carecido hasta ahora de un reconocimiento crítico paralelo al de sus compañeros.

  • Vista de sala de la exposición. James Castle. Mostrar y almacenar, 2011
    18 mayo - 5 septiembre, 2011

    James Castle

    Mostrar y almacenar

    Nacido en el estado de Idaho (1899-1977), James Castle vivió al margen del mundo del arte: su producción artística, concentrada en dibujos con saliva y hollín, construcciones de cartulinas coloreadas adheridas con cuerdas y libros realizados a mano no poseen título, ni fecha, ni indicación que revele cronología alguna. La incógnita que supone esta técnica heterodoxa y la alteración de las herramientas de clasificación artística, queda subrayada por el hecho de que nunca concedió ninguna entrevista ni realizó comentario alguno que aclarara su obra.

  • Vista de sala de la exposición. Yayoi Kusama, 2011
    11 mayo - 12 septiembre, 2011

    La obra de la japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) se desenvuelve en el contexto artístico internacionalizado que comienza a finales de los 50 y es origen de la actual globalización. Sus casi seis décadas de trayectoria, iniciada en exposiciones individuales con tan solo 23 años en Japón, le llevan a cruzar las fronteras nacionales hasta Nueva York en 1958, ciudad ya reconocida como epicentro artístico mundial.

  • Vista de sala de la exposición. Leon Golub, 2011
    5 mayo - 12 septiembre, 2011

    La obra de Leon Golub (Chicago, 1922- Nueva York, 2004) presenta un reto al modelo dominante de desarrollo del arte después de 1950. Ajeno a la experimentación de los medios que ha caracterizado la producción artística de estas décadas, su trabajo plantea una renovación pictórica en la que géneros que se pensaban agotados, como la pintura de historia o el retrato, vuelven a tener una capacidad expresiva y crítica inesperada. Su evolución resulta por igual un tanto paradójica, motivando que el debate entre abstracción y figuración deje de tener sentido: su estancia en París junto a su compañera, la artista Nancy Spero, desarrollada entre finales de los cincuenta y principios de los sesenta, se caracteriza por seguir las pautas del informalismo abstracto de Michel Tapié o de Jean Dubuffet, evolucionando hacia espacios en los que la obra progresivamente va ocupando el realismo más traumático.

  • Vista de sala de la exposición. Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939, 2011
    6 abril - 22 agosto, 2011

    Una luz dura, sin compasión

    El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939

  • Vista de sala de la exposición. Roberto Jacoby, el deseo nace del derrumbe, 2011
    25 febrero - 25 mayo, 2011

    Roberto Jacoby

    El deseo nace del derrumbe

    Programa: Fisuras

    La obra de Roberto Jacoby (Buenos Aires, 1944) se caracteriza por un constante tránsito por las áreas limítrofes de la producción artística. Desde sus primeros años como artista vinculado al famoso Instituto Di Tella, que desembocó en el mítico y revolucionario Tucumán Arde (1968), su obra se concibe como una ampliación continua de la noción de trabajo artístico. Entre otros desempeños, ha sido letrista del conocido grupo rock/glam Virus, ha estado vinculado a la sociología y a la teoría política y ha ejercido la crítico teatral y el periodismo para la prensa clandestina. Tal versatilidad ha complicado la exhibición sistemática de su obra, condición a la que esta exposición busca poner fin.

  • Vista de sala de la exposición. Asier Mendizabal, 2011
    9 febrero - 28 abril, 2011
    Programa: Fisuras

    En gran parte de la obra de Asier Mendizabal (Ordizia, 1973) la historia deja de ser una práctica relacionada con el pasado para revelar las grietas por las que ésta deviene actividad íntima del presente. Sus obras, enigmáticas y difíciles de desentrañar, hacen que la anécdota se convierta en un hecho que actualiza el pasado; un pasado en el que la historia del arte y la ideología de las formas tienen un peso fundamental que remite a su vínculo con los grupos sociales y su uso como herramienta de identificación, glorificación o repudio. Los medios que emplea, aún reconociendo el peso de la escultura vasca en el siglo XX, exhiben una diversidad de recursos que plantean lecturas ajenas a la reflexión sobre el espacio o el medio y que, por lo tanto, se presentan de una forma que rechaza toda metafísica.

  • Vista de sala de la exposición. Efrén Álvarez. Económicos, 2011
    2 febrero - 20 mayo, 2011

    Efrén Álvarez

    Económicos

    Programa: Fisuras

    Económicos, el proyecto del artista Efrén Álvarez (Barcelona, 1980) producido de manera específica para el programa Fisuras del Museo Reina Sofía, traza una visión global de la economía actual como disciplina que se autocaricaturiza. Mediante cuarenta dibujos y textos de diversos autores se muestran sistemas de relaciones en los que la aparente intención pedagógica del proyecto se traduce en un enfoque hacia lo improductivo, la materia corrupta y las relaciones de alienación a través del trabajo y del consumo.

  • Vista de sala de la exposición. Dorit Margreiter. Descripción, 2011
    11 enero - 21 abril, 2011

    Dorit Margreiter

    Descripción

    Desde hace más de una década, la artista Dorit Margreiter (Viena, 1967) reflexiona sobre la arquitectura moderna, su pervivencia y olvido, y las relaciones que se establecen entre el régimen visual y los vínculos económicos y sociales que ésta implica. Su actividad se vincula a la de una generación de artistas austríacos, como Florian Pümhosl, Martin Beck o Mathias Poledna, quienes, a partir de la condición específica del medio artístico, meditan sobre la historia reciente y sobre el peso social y político de la modernidad, diluyendo así su especificidad formal.

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