Listado de las obras seleccionadas más planos para realizar el recorrido en el museo

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  • 28 enero - 29 marzo, 1992

    La escultura en el siglo XX encuentra en Richard Serra (San Francisco, 1939) a uno de los artífices de la recuperación de sus valores consustanciales: el peso, la masa, la monumentalidad y la voluntad de permanencia; al tiempo que con sus presupuestos escultóricos propone la consideración activa del espectador y formula una necesaria relación entre escultura y espacio. 

  • Vista de sala de la exposición. Robert Gober, 1992
    14 enero - 8 marzo, 1992

    Robert Gober (Wallingford, Connecticut, 1954) destaca por la reivindicación de una subjetividad radical en un momento en el que las manifestaciones artísticas, en su mayoría, destilan las estrategias del pensamiento moderno o posmoderno sobre problemas formales o teóricos y por otro lado, se alinean con la práctica pictórica neoexpresionista. Su obra, además de contener fuertes resonancias autobiográficas, privilegia la emoción frente al concepto. Su discurso artístico es crítico, sin adscribirse por ello, a la “producción simulacionista neoyorquina llamada <<crítica>>”, como apunta Catherine David, comisaria de la muestra; sino que “invita a una nueva lectura del arte norteamericano de los últimos treinta años, a reconsiderar el rechazo (y el desconocimiento) del formalismo, y al reconocimiento (…) de la diversidad de las influencias y herencias culturales complejas desarrolladas por varias generaciones de artistas a partir del surrealismo y de la obra de Marcel Duchamp”.

  • Vista de sala de la exposición. Manuel Millares, 1992
    9 enero - 16 marzo, 1992

    En el año en el que se cumple el vigésimo aniversario de la desaparición de Manolo Millares (Las Palmas de Gran Canarias, 1926 - Madrid, 1972), la presente exposición permite repasar la breve pero intensa trayectoria del pintor. Millares juega un papel protagonista en la renovación de los lenguajes plásticos en España durante los años cincuenta y sesenta, tanto desde el grupo canario LADAC (Los arqueros del arte contemporáneo), que funda en 1950, como desde El Paso (1957-1960), en cuya creación participa.

  • Liubov Popova. Arquitectura pictórica (Bodegón: Instrumentos), 1915. Óleo sobre lienzo. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
    18 diciembre, 1991 - 17 febrero, 1992

    El deseo de formular un lenguaje plástico nuevo y absoluto fue una constante de los distintos movimientos de vanguardia de las primeras décadas del siglo XX, especialmente de aquellos que acaban vinculados a proyectos políticos. Los principios de universalidad y de superación del arte mimético por los se rigen estas corrientes vanguardistas supone la revisión por vía experimental de los propios componentes del arte. En el panorama del arte ruso del primer cuarto del siglo Liubov Popova (Ivanovskoe, Rusia, 1889 – Moscú, 1924) destaca por su entrega a la búsqueda de un vocabulario plástico que respondiera a los principios del Constructivismo desde el campo pictórico, pues entendía que la construcción pictórica era el paso previo a la construcción real tridimensional. 

  • Exhibition view. Confrontaciones. Arte último británico y español, 1991
    11 diciembre, 1991 - 18 febrero, 1992

    El término que da título a esta exposición sirve para reunir en un mismo espacio el trabajo de los dieciséis artistas ingleses y españoles seleccionados para esta tercera convocatoria de Confrontaciones. El propósito de esta exposición es la confrontación positiva y abierta de las prácticas artísticas que se llevan a cabo en dos geografías distintas y cuyos artífices forman parte de una misma generación. 

  • Vista de sala de la exposición. Robert Therrien, 1991
    27 noviembre, 1991 - 24 febrero, 1992

    Los más de sesenta trabajos de Robert Therrien (Chicago, EE.UU., 1947) reunidos para esta exposición nos ofrecen la oportunidad de aproximarnos al discurso artístico de este joven artista norteamericano, cuya trayectoria comenzó a finales de los años sesenta y su obra empieza a cobrar reconocimiento internacional en nuestros días. El trabajo de Therrien se sitúa voluntariamente a medio camino entre la pintura y la escultura, diluyendo las fronteras de las prácticas artísticas. En él, se reconoce la sencillez en el proceso, en los referentes formales y en la obra resultante; aun así, el propio artista elude cualquier clasificación o adscripción a corriente artística contemporánea, como pudiera ser el Postminimal.

  • 7 octubre - 2 diciembre, 1991

    La obra Nicolas de Staël (San Petersburgo, Rusia, 1913/1914- Antibes, Francia, 1955) ejemplifica otra vía posible para el arte de posguerra: la del placer de la pintura. 

  • Salvador Dalí. Visage du Grand Masturbateur (Rostro del Gran Masturbador), 1929. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    1 octubre - 2 diciembre, 1991

    El movimiento surrealista, definitivamente visible y teóricamente argumentado con la publicación del Manifeste du Surréalisme (1924), que firma André Breton (Tinchebray, Francia, 1896- París, 1966), constituye una cosmología organizada por y en torno al propio Breton. Sus pretensiones revolucionarias -que tiñen todas sus publicaciones, exposiciones y determinaciones- se entienden como la voluntad de subversión general (por medio de la acción) en todos los ámbitos de la vida cotidiana, partiendo de la poesía y el arte hasta alcanzar la ética, la religión y la política. Así, el Surrealismo no es sólo una manifestación artístico-literaria, sino una toma de posición contra los valores tradicionales de la cultura y sociedad burguesas y contra el realismo en arte. Defiende la idea del modelo interior en todo acto creativo, de la otredad, del automatismo absoluto (aplicado a la práctica poética y artística), así como la adopción de métodos meta-artísticos procedentes del psicoanálisis, como la hipnosis, que permiten la liberación de la consciencia humana y la vuelta a estados primitivos y primigenios del pensamiento.

  • Jorge Rueda. Pepino, 1975. Fotografía. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    19 septiembre - 22 diciembre, 1991

    La exposición Cuatro direcciones. Fotografía contemporánea española. 1970-1990 encierra un doble propósito. Por un lado, plantea un recorrido por los nombres propios que conforman la historia y la práctica fotográfica española de los últimos veinte años; y, por otro, tiene la voluntad de constituir el primer paso para la creación de una base documental que sirva en un futuro para ampliar su estudio y conocimiento. El comisario de la muestra, Manuel Santos, ha contado con el asesoramiento de un comité internacional de expertos para la selección de los fotógrafos para cuya presentación se ha establecido cuatro direcciones o líneas de trabajo que atienden a las diferencias conceptuales y estilísticas de los cincuenta artistas presentes en la exposición. Éstas son: 1) “Reflexión y concepto”, donde se evidencia el empleo de ideas conceptuales e imaginería de herencia surrealista; 2) “Sueño y sugerencia”, donde los autores desarrollan conceptos de introspección y emoción; 3) “Tradición documental”, la que parte del orden natural de la vida, fijándose en aspectos sociales, culturales y políticos y que, en ocasiones, remite al fotoperiodismo y a la fotografía documental; 4) “Proceso al medio”, en la que los artistas exploran y llevan al límite el medio y los materiales fotográficos, lo cual les permite formular un nuevo idioma de la imagen.

  • Julian Schnabel. Epitafio (L.S.J.T) (Panel tumba V), 1989. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    16 septiembre - 31 octubre, 1991

    El Palacio de Velázquez es la sede de esta exposición, organizada por el Grupo 16 en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. El Salón de los 16 es una iniciativa del grupo editorial para promover la difusión del Arte Contemporáneo. En sus primeras ediciones esta convocatoria anual se centra en reunir obra de las nuevas generaciones de artistas madrileños. Con el paso del tiempo, El Salón de los 16 extiende su propuesta al territorio nacional. En esta undécima exposición se incorporan artistas extranjeros, que exponen junto a los nombres destacados del arte nacional, en lo que se plantea como un resumen de las mejores exposiciones de la temporada 1990-1991.

  • Pablo Picasso. Mujer en azul, 1901. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    5 septiembre - 10 noviembre, 1991

    La exposición Picasso, Miró, Dalí y los orígenes del Arte Contemporáneo en España, 1900-1936 pretende articular la producción artística española (en varios y notorios casos realizada fuera de España) a partir del concepto “Arte Nuevo”. Eugenio Carmona, comisario de esta muestra, concede un valor instrumental a este concepto y lo explica como un principio que subyace en gran parte del arte que se realiza durante las primeras décadas del siglo XX. En este tipo de arte se evidencia un deseo de renovación de los lenguajes plásticos y cuyo paradigma es encontrado por los artistas nacionales en las corrientes europeas coetáneas. Desde este planteamiento, la exposición propone un discurso para el arte español en sintonía con los nombres y los presupuestos estéticos y teóricos vanguardistas reunidos bajo el paraguas de Movimiento Moderno, al tiempo que imbricado en ellos. Así, los artistas españoles, que toman como referente los distintos “ismos” (Cubismo, Futurismo, Ultraísmo, Surrealismo y Realismo) participan en la dimensión internacional del arte de vanguardia. Aun así, como señala el comisario, el “Arte Nuevo” no fue la única posibilidad que tuvo el arte español en el período comprendido entre 1900 y 1936.

  • 18 junio - 21 agosto, 1991

    Con esta exposición dedicada al pintor Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874-1949) se quiere presentar su obra al hilo de su trayectoria y constatar su lógica de acuerdo a su discurso teórico y estético. Lo que se pretende es destacar cómo los principios de tradición, construcción y universalidad son las constantes sobre las que se sostiene el trabajo del uruguayo a lo largo de su periplo artístico, que se extiende por toda la primera mitad del siglo XX. Las palabras de Tomàs Llorens, comisario de la exposición, referidas a la obra de Torres-García sintetizan el propósito de la exposición: “[su trabajo] es indisociable de la agudeza y la coherencia de las opiniones que defendió como artista”.

  • Vista de sala de la exposición. La Escuela del Sur. El taller Torres-García y su legado, 1991
    18 junio - 12 agosto, 1991

    El proyecto de universalismo constructivo, fundamento de la producción plástica y teórica de Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874-1949) alcanza su cota máxima cuando el artista regresa procedente de París a su ciudad natal en 1934 y organiza, un año después, la Asociación de Arte Constructivo (1935-1939), precedente del Taller Torres-García (1943-1962). El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía hace coincidir a través de dos extensas exposiciones ambos argumentos: la carrera de Torres-García y su herencia artística, presentada esta última bajo el título La Escuela del Sur. El taller de Torres-García y su legado. Instalado en Montevideo, Torres-García lleva a cabo la idea de organizar un taller en cuyas enseñanzas hace converger, evidenciando su igualdad plástica, estética y teórica, los principios del arte precolombino con los del arte abstracto de vanguardia, en cuyo desarrollo él había participado como miembro del grupo Cercle et Carré.

  • Gustavo Torner. Ocre-Chatarra oxidada, 1961-62. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    28 mayo - 28 julio, 1991

    La exposición retrospectiva dedicada a Gustavo Torner (Cuenca, 1925) quiere destacar el carecer polifacético de uno de los artistas españoles vivos más sobresalientes de la segunda mitad del siglo XX. Torner se inscribe en el denominado grupo de Cuenca, surgido en los años cincuenta y próximo a artistas del grupo El Paso, y ejemplifica la posibilidad de un arte que no abandona nunca la referencia al mundo real como motivo y fundamento, desde un vocabulario plástico aparentemente abstracto. La obra reunida da cuenta de los distintos registros y técnicas que Torner emplea: pintura, escultura, collage, dibujo, monotipos y ediciones de bibliófilo, a los que se añaden catorce proyecciones en vídeo sobre algunos de sus trabajos.

  • Martín Chirino. Homenaje a Malevich, 1986-1987, Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    19 mayo - 21 julio, 1991

    La exposición de la obra escultórica de Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925) ofrece una visión de conjunto de una trayectoria iniciada en los años cincuenta y que llega a nuestros días; y propone un doble reconocimiento de la persona de Chirino. Por un lado, como heredero de la vanguardia escultórica española de la primera mitad del siglo XX, siguiendo la línea iniciada por Julio González y Pablo Gargallo, además de su particular interés por la cultura aborigen canaria (guanche). En segundo lugar, por su destacado papel en la renovación de los lenguajes plásticos durante la posguerra, con su participación en el grupo El Paso, del que fue miembro fundador, en 1957. Este grupo significó el surgimiento de un arte enraizado en la tradición española, al tiempo que crítico con la situación político social; y además supuso la internacionalización de los autores y de sus trabajos.

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