Listado de las obras seleccionadas más planos para realizar el recorrido en el museo

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  • Liubov Popova. Arquitectura pictórica (Bodegón: Instrumentos), 1915. Óleo sobre lienzo. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
    18 diciembre, 1991 - 17 febrero, 1992

    El deseo de formular un lenguaje plástico nuevo y absoluto fue una constante de los distintos movimientos de vanguardia de las primeras décadas del siglo XX, especialmente de aquellos que acaban vinculados a proyectos políticos. Los principios de universalidad y de superación del arte mimético por los se rigen estas corrientes vanguardistas supone la revisión por vía experimental de los propios componentes del arte. En el panorama del arte ruso del primer cuarto del siglo Liubov Popova (Ivanovskoe, Rusia, 1889 – Moscú, 1924) destaca por su entrega a la búsqueda de un vocabulario plástico que respondiera a los principios del Constructivismo desde el campo pictórico, pues entendía que la construcción pictórica era el paso previo a la construcción real tridimensional. 

  • Exhibition view. Confrontaciones. Arte último británico y español, 1991
    11 diciembre, 1991 - 18 febrero, 1992

    El término que da título a esta exposición sirve para reunir en un mismo espacio el trabajo de los dieciséis artistas ingleses y españoles seleccionados para esta tercera convocatoria de Confrontaciones. El propósito de esta exposición es la confrontación positiva y abierta de las prácticas artísticas que se llevan a cabo en dos geografías distintas y cuyos artífices forman parte de una misma generación. 

  • Vista de sala de la exposición. Robert Therrien, 1991
    27 noviembre, 1991 - 24 febrero, 1992

    Los más de sesenta trabajos de Robert Therrien (Chicago, EE.UU., 1947) reunidos para esta exposición nos ofrecen la oportunidad de aproximarnos al discurso artístico de este joven artista norteamericano, cuya trayectoria comenzó a finales de los años sesenta y su obra empieza a cobrar reconocimiento internacional en nuestros días. El trabajo de Therrien se sitúa voluntariamente a medio camino entre la pintura y la escultura, diluyendo las fronteras de las prácticas artísticas. En él, se reconoce la sencillez en el proceso, en los referentes formales y en la obra resultante; aun así, el propio artista elude cualquier clasificación o adscripción a corriente artística contemporánea, como pudiera ser el Postminimal.

  • 7 octubre - 2 diciembre, 1991

    La obra Nicolas de Staël (San Petersburgo, Rusia, 1913/1914- Antibes, Francia, 1955) ejemplifica otra vía posible para el arte de posguerra: la del placer de la pintura. 

  • Salvador Dalí. Visage du Grand Masturbateur (Rostro del Gran Masturbador), 1929. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    1 octubre - 2 diciembre, 1991

    El movimiento surrealista, definitivamente visible y teóricamente argumentado con la publicación del Manifeste du Surréalisme (1924), que firma André Breton (Tinchebray, Francia, 1896- París, 1966), constituye una cosmología organizada por y en torno al propio Breton. Sus pretensiones revolucionarias -que tiñen todas sus publicaciones, exposiciones y determinaciones- se entienden como la voluntad de subversión general (por medio de la acción) en todos los ámbitos de la vida cotidiana, partiendo de la poesía y el arte hasta alcanzar la ética, la religión y la política. Así, el Surrealismo no es sólo una manifestación artístico-literaria, sino una toma de posición contra los valores tradicionales de la cultura y sociedad burguesas y contra el realismo en arte. Defiende la idea del modelo interior en todo acto creativo, de la otredad, del automatismo absoluto (aplicado a la práctica poética y artística), así como la adopción de métodos meta-artísticos procedentes del psicoanálisis, como la hipnosis, que permiten la liberación de la consciencia humana y la vuelta a estados primitivos y primigenios del pensamiento.

  • Jorge Rueda. Pepino, 1975. Fotografía. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    19 septiembre - 22 diciembre, 1991

    La exposición Cuatro direcciones. Fotografía contemporánea española. 1970-1990 encierra un doble propósito. Por un lado, plantea un recorrido por los nombres propios que conforman la historia y la práctica fotográfica española de los últimos veinte años; y, por otro, tiene la voluntad de constituir el primer paso para la creación de una base documental que sirva en un futuro para ampliar su estudio y conocimiento. El comisario de la muestra, Manuel Santos, ha contado con el asesoramiento de un comité internacional de expertos para la selección de los fotógrafos para cuya presentación se ha establecido cuatro direcciones o líneas de trabajo que atienden a las diferencias conceptuales y estilísticas de los cincuenta artistas presentes en la exposición. Éstas son: 1) “Reflexión y concepto”, donde se evidencia el empleo de ideas conceptuales e imaginería de herencia surrealista; 2) “Sueño y sugerencia”, donde los autores desarrollan conceptos de introspección y emoción; 3) “Tradición documental”, la que parte del orden natural de la vida, fijándose en aspectos sociales, culturales y políticos y que, en ocasiones, remite al fotoperiodismo y a la fotografía documental; 4) “Proceso al medio”, en la que los artistas exploran y llevan al límite el medio y los materiales fotográficos, lo cual les permite formular un nuevo idioma de la imagen.

  • Julian Schnabel. Epitafio (L.S.J.T) (Panel tumba V), 1989. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    16 septiembre - 31 octubre, 1991

    El Palacio de Velázquez es la sede de esta exposición, organizada por el Grupo 16 en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. El Salón de los 16 es una iniciativa del grupo editorial para promover la difusión del Arte Contemporáneo. En sus primeras ediciones esta convocatoria anual se centra en reunir obra de las nuevas generaciones de artistas madrileños. Con el paso del tiempo, El Salón de los 16 extiende su propuesta al territorio nacional. En esta undécima exposición se incorporan artistas extranjeros, que exponen junto a los nombres destacados del arte nacional, en lo que se plantea como un resumen de las mejores exposiciones de la temporada 1990-1991.

  • Pablo Picasso. Mujer en azul, 1901. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    5 septiembre - 10 noviembre, 1991

    La exposición Picasso, Miró, Dalí y los orígenes del Arte Contemporáneo en España, 1900-1936 pretende articular la producción artística española (en varios y notorios casos realizada fuera de España) a partir del concepto “Arte Nuevo”. Eugenio Carmona, comisario de esta muestra, concede un valor instrumental a este concepto y lo explica como un principio que subyace en gran parte del arte que se realiza durante las primeras décadas del siglo XX. En este tipo de arte se evidencia un deseo de renovación de los lenguajes plásticos y cuyo paradigma es encontrado por los artistas nacionales en las corrientes europeas coetáneas. Desde este planteamiento, la exposición propone un discurso para el arte español en sintonía con los nombres y los presupuestos estéticos y teóricos vanguardistas reunidos bajo el paraguas de Movimiento Moderno, al tiempo que imbricado en ellos. Así, los artistas españoles, que toman como referente los distintos “ismos” (Cubismo, Futurismo, Ultraísmo, Surrealismo y Realismo) participan en la dimensión internacional del arte de vanguardia. Aun así, como señala el comisario, el “Arte Nuevo” no fue la única posibilidad que tuvo el arte español en el período comprendido entre 1900 y 1936.

  • 18 junio - 21 agosto, 1991

    Con esta exposición dedicada al pintor Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874-1949) se quiere presentar su obra al hilo de su trayectoria y constatar su lógica de acuerdo a su discurso teórico y estético. Lo que se pretende es destacar cómo los principios de tradición, construcción y universalidad son las constantes sobre las que se sostiene el trabajo del uruguayo a lo largo de su periplo artístico, que se extiende por toda la primera mitad del siglo XX. Las palabras de Tomàs Llorens, comisario de la exposición, referidas a la obra de Torres-García sintetizan el propósito de la exposición: “[su trabajo] es indisociable de la agudeza y la coherencia de las opiniones que defendió como artista”.

  • Vista de sala de la exposición. La Escuela del Sur. El taller Torres-García y su legado, 1991
    18 junio - 12 agosto, 1991

    El proyecto de universalismo constructivo, fundamento de la producción plástica y teórica de Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874-1949) alcanza su cota máxima cuando el artista regresa procedente de París a su ciudad natal en 1934 y organiza, un año después, la Asociación de Arte Constructivo (1935-1939), precedente del Taller Torres-García (1943-1962). El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía hace coincidir a través de dos extensas exposiciones ambos argumentos: la carrera de Torres-García y su herencia artística, presentada esta última bajo el título La Escuela del Sur. El taller de Torres-García y su legado. Instalado en Montevideo, Torres-García lleva a cabo la idea de organizar un taller en cuyas enseñanzas hace converger, evidenciando su igualdad plástica, estética y teórica, los principios del arte precolombino con los del arte abstracto de vanguardia, en cuyo desarrollo él había participado como miembro del grupo Cercle et Carré.

  • Gustavo Torner. Ocre-Chatarra oxidada, 1961-62. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    28 mayo - 28 julio, 1991

    La exposición retrospectiva dedicada a Gustavo Torner (Cuenca, 1925) quiere destacar el carecer polifacético de uno de los artistas españoles vivos más sobresalientes de la segunda mitad del siglo XX. Torner se inscribe en el denominado grupo de Cuenca, surgido en los años cincuenta y próximo a artistas del grupo El Paso, y ejemplifica la posibilidad de un arte que no abandona nunca la referencia al mundo real como motivo y fundamento, desde un vocabulario plástico aparentemente abstracto. La obra reunida da cuenta de los distintos registros y técnicas que Torner emplea: pintura, escultura, collage, dibujo, monotipos y ediciones de bibliófilo, a los que se añaden catorce proyecciones en vídeo sobre algunos de sus trabajos.

  • Martín Chirino. Homenaje a Malevich, 1986-1987, Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    19 mayo - 21 julio, 1991

    La exposición de la obra escultórica de Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925) ofrece una visión de conjunto de una trayectoria iniciada en los años cincuenta y que llega a nuestros días; y propone un doble reconocimiento de la persona de Chirino. Por un lado, como heredero de la vanguardia escultórica española de la primera mitad del siglo XX, siguiendo la línea iniciada por Julio González y Pablo Gargallo, además de su particular interés por la cultura aborigen canaria (guanche). En segundo lugar, por su destacado papel en la renovación de los lenguajes plásticos durante la posguerra, con su participación en el grupo El Paso, del que fue miembro fundador, en 1957. Este grupo significó el surgimiento de un arte enraizado en la tradición española, al tiempo que crítico con la situación político social; y además supuso la internacionalización de los autores y de sus trabajos.

  • 7 mayo - 10 junio, 1991

    La exposición dedicada a la obra gráfica del escritor y pintor Pierre Klossowski (París, 1905- 2001) presenta al público español una selección de dibujos realizados entre 1953 y 1990. Estos límites cronológicos enmarcan una producción singular en el panorama europeo y entre sus contemporáneos.

  • Vista de sala de la exposición Gilles Aillaud, 1991
    12 marzo - 22 abril, 1991

    La exposición dedicada a Gilles Aillaud (París, 1928-2005) se compone de casi una cincuentena de pinturas y permite un completo recorrido por la obra de uno de los principales representantes de la corriente pictórica denominada figuración crítica, surgida en la capital francesa hacia 1963. La suya es una pintura con la que para el comisario de la exposición, Christian Derouet quiere “volver a encontrar una expresión justa de lo real y sin nostalgia del pasado”. Los dos principios sobre los que se erige su trabajo y su discurso estético son la recuperación de una pintura verdadera, a la que confiere un valor transitivo (esto es, la pintura ha de ser de alguna cosa), y la negación radical de la retórica neovanguardista de la modernidad son. Aunque Aillaud decide dedicarse a la pintura tardíamente, hacia 1963, nunca abandona su otra ocupación: la escritura teatral y la escenografía. A este respecto, cabe citar el vínculo personal, artístico y laboral que mantiene con Eduardo Arroyo y Antonio Recalcati, con quienes ha trabajado en distintas ocasiones en la puesta en escena de diversos textos por él firmados.

  • Vista de sala de la exposición. Piezas de agua y cristal, 1991
    6 marzo - 1 mayo, 1991

    En esta exposición en el Palacio de Cristal, Nacho Criado (Mengíbar, 1943 - Madrid, 2010) propone ocho proyectos nuevos bajo el lema de Piezas de agua y cristal, donde confluyen las obras con la materialidad de la arquitectura y del enclave en el que se halla el edificio, ante un pequeño lago en el parque del Retiro. Así, el vidrio es el elemento común a todos los trabajos presentados, en el que insiste como antimateria visual (en el sentido duchampiano del término) y al que explora también sus cargas sensuales, simbólicas y, sobre todo, metafóricas. Las piezas que componen la exposición han sido realizadas ex profeso pero -como indica el comisario de la exposición, Simón Marchán- cabe reconocer en ellas ciertas recurrencias “ya que imprimen un tiempo dilatado, casi intempestivo, a unas creaciones renuentes al nomadismo que destilan tantas manifestaciones del presente”. Así pues, dentro de una trayectoria artística marcada por sus incursiones en el Land Art, el Arte Conceptual, el Arte Povera e incluso el Minimal, aunque sin adscribirse de manera categórica a ninguno de ellos, Nacho Criado se vale del cristal para configurar juegos de transparencias y de reflejos, y para ello alude y convoca, explícita o implícitamente, también al agua.

  • Joan Brossa. Paleta-Poeta (Poema-objeto), 1989. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    7 febrero - 29 abril, 1991

    La exposición dedicada a Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998) ofrece la posibilidad de revisar la obra de uno de los artistas españoles cuyas propuestas han incidido de manera destacada en el desarrollo de las artes visuales de la segunda mitad del siglo XX desde campos de experiencia distintos a la plástica convencional y con presupuestos próximos a la práctica poética y el arte objetual. Para esta muestra se han reunido más de ciento sesenta trabajos realizados a lo largo de una trayectoria iniciada ahora hace cincuenta años y marcada por el activo papel de Brossa en la vanguardia catalana de posguerra, con su participación en el grupo Dau al Set, junto a Antoni Tàpies, Joan Ponç y Arnau Puig. Cabe destacar la homogeneidad de su trabajo a lo largo de estos años y su reconocimiento por parte de la nueva generación de artistas en los años ochenta.

  • Anish Kapoor. Void Field, 1989. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    5 febrero - 26 abril, 1991

    La exposición ofrece un recorrido por los diez años de trayectoria de Anish Kapoor (Bombay, 1954), desde sus primeros trabajos en los que pone en marcha la formulación de un lenguaje propio, hasta la consecución de una gramática escultórica personal, fundamentada en la contaminación con aspectos procedentes del ámbito de la pintura y de la psicología de la percepción. Los límites de esta exposición se sitúan, entre la obra 1000 Names (1979-1980) y la selección de treinta y una obras con la que representó a Inglaterra en la 44 Bienal de Venecia (1990), siendo esta selección semejante a la que se puede ver en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

  • Vista de sala de la exposición Markus Lüpertz. Retrospectiva. 1963 – 1990, 1991
    5 febrero - 6 mayo, 1991

    La exposición retrospectiva de Markus Lüpertz (Liberec-Reichenberg, República Checa, 1941) repasa la trayectoria de uno de los artistas alemanes vivos más importantes de las últimas décadas. Representante del Neoexpresionismo Alemán junto a Georg Baselitz, A. R. Penck (Ralf Winkler) y Jörg Immendorff; surgido a comienzos de los años sesenta, Lüpertz y sus compañeros de generación llevaron a cabo una particular rehabilitación de la pintura desde la pintura misma, retrotrayéndose en muchos casos a las vanguardias de comienzo de siglo. La intensa y compleja carrera artística de Lüpertz queda sintetizada en las ciento treinta y cinco obras (pinturas, dibujos y esculturas) ahora reunidas, las cuales se organizan en tres grupos cronológicos, aunque se advierten prolongaciones de motivos y recursos en ellas.

  • Francesc Torres. Belchite/South Bronx: Un paisaje Trans-Cultural y transhistórico, 1987 - 1988. Instalación. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    4 febrero - 7 abril, 1991

    La exposición antológica Francesc Torres. La cabeza del dragón ofrece un recorrido por los veinte años que conforman la trayectoria de Francesc Torres (Barcelona, 1948). La muestra reúne un conjunto de obra que en su mayoría no ha sido expuesto en España, compuesto por trabajos realizados fundamentalmente en Estados Unidos, salvo el proyecto Cincuenta lluvias (1990-1991), creado ex profeso para esta ocasión.

  • Vista de sala de la exposición. Obras maestras de la colección Guggenheim. De Picasso a Pollock, 1991
    17 enero - 13 mayo, 1991

    Con la muestra Obras maestras de la colección Guggenheim. De Picasso a Pollock se logra aunar dos hechos inusuales: reunir más de ciento veinte obras maestras que conforman la historia del arte de la primera mitad del siglo XX y evidenciar la personalidad de los dos principales coleccionistas sobre los que se sustenta la Solomon R. Guggenheim Foundation de Nueva York. Así, esta exposición presenta la historia del arte imbricada con las obras y la historia de una colección conformada fundamentalmente por los legados del propio Solomon R. Guggenheim (Filadelfia, 1861-Nueva York, 1949) y de su sobrina Peggy Guggenheim (Nueva York, 1898-Padua, Italia, 1979), a los que se añaden otros fondos y adquisiciones realizados a lo largo de la historia de la institución.