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  • Vista de sala de la exposición. Robert Irwin, 1995
    7 febrero - 10 abril, 1995

    El trabajo de Robert Irwin (Long Beach, California, 1928) se define por el tránsito desde una pintura gestual rica en texturas hasta la exploración de los límites entre arte y percepción. Esta exposición retrospectiva presenta un análisis de su trayectoria, que el propio artista rechaza vincular con el Expresionismo, el Arte Minimal o con la arquitectura y urbanismo.

  • Vista de sala de la exposición. Cocido y crudo, 1994
    14 diciembre, 1994 - 06 marzo, 1995

    El antropólogo belga Claude Lévi-Strauss desarrolla en su célebre ensayo Lo crudo y lo cocido (1964) un estudio antropológico acerca de la confrontación entre sociedades avanzadas y primitivas a partir de su reducción a conceptos de cultura culinaria -sobre el grado de complejidad de su alimentación- y cuyas conclusiones extrapola a un plano general que le permite constatar la imparable tendencia de las sociedades occidentales del primer mundo a definirse en comparación con el otro, fenómeno que no es recíproco. A partir de este presupuesto el comisario de la exposición, Dan Cameron, se propone someterlo a crítica ofreciendo una alternativa -empieza por invertir los términos del título- y, mediante el trabajo de cincuenta y cuatro artistas, poner de relieve cómo el colonialismo, en el campo de la producción artística y dentro de las tendencias emergentes de los años noventa, se sustenta en el intercambio de múltiples posiciones culturales. Esto es, Cameron pretende colocar el arte en el debate sobre la identidad cultural, para ello reúne trabajos en los que se desjerarquiza el punto de vista del hablante y rompen la bipolaridad teórico-artística dominante de Estados Unidos y Europa.

  • Vista de sala de la exposición Dalí joven. 1918-1930, 1994
    18 octubre, 1994 - 16 enero, 1995

    Esta exposición, centrada en la producción artística y literaria que Salvador Dalí (Figueras, España, 1904-1989) realizó entre 1918 y 1930, traza la trayectoria de la configuración del personaje Dalí, desde sus primeros éxitos expositivos en Figueras hasta su inmersión en el surrealismo parisino, con su traslado a París en 1929. Para ello se despliegan todos los factores (artísticos y familiares) que participan en la definición de una personalidad provocadora que encuentra en el Surrealismo el escenario idóneo para la puesta en marcha de su proyecto estético de “anti-arte”. Así pues, esta muestra constituye un contrapunto a la opinión de André Breton quien en la reedición de Le Surréalisme et la peinture (1928/1968), defendía que “cuando Salvador Dalí se introdujo en 1929 en el Surrealismo, su obra pictórica anterior no anunciaba nada rigurosamente personal”.

  • Vista de sala de la exposición El surrealismo en España 1924-1939, 1994
    18 octubre, 1994 - 09 enero, 1995

    A través de la obra de casi medio centenar de artistas, esta exposición revisa la producción artística española realizada entre 1925 y la Guerra Civil (1936-1939). Dicho periodo aparece marcado por el Surrealismo francés o desarrollado en paralelo. 

  • 18 octubre, 1994 - 09 enero, 1995
    Programa: Biblioteca y Centro de Documentación

    A pesar de que la historia del Surrealismo se escribe a menudo en clave francesa, las aportaciones españolas a este movimiento son determinantes. Salvador Dalí, Luis Buñuel, Óscar Domínguez, Joan Miró y Pablo Picasso son algunos de los artistas más representativos de la vertiente española. Aunque realizan gran parte de su obra en el extranjero, la nacionalidad de este grupo es clave para propiciar la recepción activa del movimiento en España y el desarrollo de características propias.

    Biblioteca y Centro de Documentación
  • Vista de sala de la exposición. Franz Kline. Arte y estructura de la identidad, 1994
    27 septiembre - 21 noviembre, 1994

    Franz Kline (Wilkes-Barre, EE.UU., 19610 - Nueva York, EE.UU., 1962) encuentra en esta exposición un contexto alternativo para el análisis de su obra, en concreto la realizada entre 1947 y 1961. Su fortuna crítica se construyó sobre aproximaciones parciales y paradojas irresueltas, por no ajustarse su pintura a los cánones de evaluación y definición del Expresionismo Abstracto norteamericano y el Action Painting

  • Vista de sala de la exposición. Jeff Wall, 1994
    14 septiembre - 7 noviembre, 1994

    Jeff Wall (Vancouver, 1946) es miembro destacado de la denominada Escuela de Vancouver que se caracteriza por la práctica del fotoconceptualismo. Vinculado en su doble condición de artista e historiador del arte a la corriente de la modernidad crítica, Wall se separa de las posturas antiartística y purista prefiriendo abundar en las posibilidades expresivas de la tradición figurativa. Pionero en el uso del cibachrome montado sobre cajas de luz -que remiten a artefactos propios de la industria publicitaria-, y basándose en modelos formales y compositivos derivados de la historia de la pintura, en sus fotografías aborda el debate sobre la cultura contemporánea, la conducta humana y el poder de las imágenes. 

  • 26 julio - 14 octubre, 1994
    Programa: Biblioteca y Centro de Documentación

    Bajo el nombre artístico de “Gecé”, Ernesto Giménez Caballero (Madrid, 1899-1988), polifacético intelectual y figura clave de la vanguardia madrileña en los años veinte y treinta, es también autor de un conjunto de más de sesenta carteles literarios, realizados entre 1925 y 1927.

    Biblioteca y Centro de Documentación
  • Anish Kapoor. Es Hombre, 1988. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    5 julio - 13 octubre, 1994

    Tras Artistas Españoles. Obras de los años 80 y 90 en las colecciones del Museo, se presenta ahora una exposición complementaria que reúne un conjunto de treinta y dos obras realizadas por artistas extranjeros, e incorporadas en los tres últimos años a la Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía mediante adquisición, dación o donación. El denominador común de estas obras, con la excepción de los seis trabajos de Lucio Fontana y la obra de Barnett Newman, es que han sido realizadas en los años ochenta y noventa. De este modo, la exposición busca plantear esos puntos de contacto y conexión con aquellos movimientos internacionales con los que se pueden vincular los artistas españoles.

  • 15 junio - 11 julio, 1994

    La caverna (1993) es la obra conjunta del compositor Steve Reich (Nueva York, 1936) y la artista Beryl Korot (Nueva York, 1945) que, estrenada inicialmente en Viena como una ópera al uso, se presenta ahora convertida en una videoinstalación de dos horas y media de duración, con cinco monitores de televisión y una cinta sonora grabada por los cuatro cantantes y los trece instrumentistas que intervenían en la pieza original. 

  • Vista de sala de la exposición. Gerhard Richter, 1994
    7 junio - 22 agosto, 1994

    Gerhard Richter (Dresde, Alemania, 1932) convierte la diversidad derivada de la constante experimentación en el principal activo de su pintura. Ajeno al enfrentamiento entre abstracción y figuración -debido a su convencimiento de que ambos lenguajes son necesarios- Richter hace de la paráfrasis de estilos el suyo propio e irrumpe a comienzos de los años sesenta como uno de los artífices de la quiebra de las jerarquías artísticas dominante, siguiendo así la estela de Joseph Beuys y Blinky Palermo.

  • Lucian Freud. Reflejo con dos niños (Autorretrato), 1965. Óleo sobre lienzo. Museo Thyssen Bornemisza, Madrid
    19 abril - 21 junio, 1994

    La voluntad de Lucian Freud (Berlin, 1922-2011) de mantenerse al margen de toda corriente artística lo convierte en un pintor de un único escenario -su estudio- que convoca la naturaleza física del género humano en sus lienzos. Ello, pese a haber sido adscrito por la historiografía y la crítica a la denominada Escuela de Londres junto a Francis Bacon, Raymond Mason, Michel Andrews, R. B. Kitaj, Frank Auerbach y Leon Kossoff; cuyo rasgo común es la práctica de una pintura figurativa frente a las corrientes abstractas dominantes en Estados Unidos y Europa en la inmediata posguerra: el Expresionismo y el Informalismo respectivamente. Emigrante en su infancia -llega a Londres en 1933- y marino mercante frustrado, a comienzos de la década de 1940 se propone como único objetivo la pintura y, en particular, el retrato.

  • Antoni Clavé. Le gant de New York, 1975. Arte gráfico. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    7 abril - 11 agosto, 1994

    Tras formarse con Ángel Ferrant y Josep Mongrell -de quienes recibe clases de modelado y de dibujo respectivamente- Antoni Clavé (Barcelona, 1913 - Saint-Tropez, Francia, 2005) emigra a Francia en enero de 1939. Allí desarrolla una carrera artística que, inserta en la corriente informalista de los años de posguerra, vira hacia el Expresionismo en la década de los sesenta. Su faceta de grabador aparece indisoluble de su cualidad de pintor, desarrollando mismos temas y planteamientos pero abordados desde técnicas distintas. A este respecto, su producción gráfica se articula entorno a dos ejes: la experimentación y la tradición a la vez que, desde el punto de vista del lenguaje, Clavé fluctúa entre la referencia figurativa y la abstracción.

  • 4 abril - 7 agosto, 1994
    Programa: Biblioteca y Centro de Documentación

    Esta exposición sobre Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874-1949) destaca su carácter de “arquetipo de la vanguardia”, que tal como expresa Miguel Logroño -comisario de la muestra junto con Ángeles Dueñas- es una cualidad reconocible en todos los proyectos artísticos que funda, dirige y en los que participa a lo largo de su trayectoria.

    Biblioteca y Centro de Documentación
  • Vista de sala de la exposición. Stan Douglas, 1994
    22 marzo - 12 mayo, 1994

    Stan Douglas (Vancouver, 1960) desarrolla un trabajo cuyo propósito es proveer al espectador de una experiencia múltiple, con el objetivo de activar una actitud crítica sobre la cultura y los medios de creación y difusión de los denominados “espectáculos culturales”. La presente exposición consta de cuatro obras: Overture (1986), Monodramas (1991), Hors-champ (1992) y Pursuit, Fear, Catastrophe: Ruskin B.C. (1993), todas ellas compuestas de imagen y sonido y realizadas entre 1986 y 1993. El asunto principal de estas piezas lo constituye el cine y la televisión: es el medio elegido por Douglas pero también es el objeto de análisis en el que centra su investigación sobre las tecnologías de la imagen y la configuración del acerbo visual occidental, cuestionando al mismo tiempo dichos medios.

  • Vista de sala de la exposición. Joseph Beuys , 1994
    15 marzo - 6 junio, 1994

    Presentado como caminante, nómada y chamán -en tanto que persona capaz de transitar por las distintas esferas en las que tiene lugar la vida del hombre (cielo, tierra y subsuelo)- Joseph Beuys (Krefeld, 1921 - Dusseldorf, 1986) defiende una naturaleza catártica del arte,sustentado en los principios de sufrimiento, muerte y renacimiento. En la segunda mitad de los años cuarenta, Beuys irrumpe en el panorama artístico europeo y emprende un proyecto en el que cuestiona el papel de la creatividad, del arte y del artista en la era del socialismo real postcapitalista y postsocialista. Para ello formula la noción del hombre-creador y reivindica como vía necesaria para la consecución y reconocimiento del hombre libre en un mundo libre el principio de plástica social.

  • José Guerrero. Composición, 1956. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    28 febrero - 9 mayo, 1994

    Con José Guerrero (Granada, 1914 - Barcelona, 1991) el arte español establece una de sus más estrechas conexiones con el panorama artístico internacional, en particular con el Expresionismo Abstracto norteamericano. Su marcha a Nueva York en 1950, tras haber pasado por Roma y París (1948-1949) responde a la búsqueda del escenario donde el arte moderno tiene lugar. 

  • Martín Chirino. Mi patria es una roca I. El viento (70), 1986-1987. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    10 febrero - 31 marzo, 1994

    Esta exposición, tercera del proyecto que se pretende mostrar bajo nombres y temas la Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pone de manifiesto que uno de los rasgos definitorios de la producción artística española durante los años ochenta y noventa es la pluralidad. También, las obras y la trayectoria de los artistas representados revelan la paulatina inserción y participación de estos últimos en los debates artísticos y estéticos internacionales. La exposición queda restringida a dos ámbitos de la producción nacional: la pintura y la escultura, además de considerar el viraje de ésta hacia la instalación.

  • Pepe Espaliú. Sin título. Diez últimos dibujos, 1993. Dibujo. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    10 febrero - 29 marzo, 1994

    Con el nombre de “Proyectos”, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía pone en marcha un programa expositivo que pretende mostrar los trabajos más recientes o en curso de artistas actuales -nacionales y extranjeros- cuya relevancia radica en lo inhabitual y originalidad de sus propuestas. La exposición inaugural es también la exposición póstuma de las últimas obras de Pepe Espaliú (Córdoba, 1955-1993) que hace de su condición homosexual la coartada de supervivencia en un mundo (y sociedad) del que se sabe y siente excluido.

  • 1 febrero - 1 marzo, 1994
    Programa: Biblioteca y Centro de Documentación

    España tiene una importancia fundamental en el desarrollo del Surrealismo. Aunque este movimiento destaque por sus manifestaciones plásticas, también existe un amplio conjunto de literatura. El Surrealismo es prolífico en manifiestos, panfletos y proclamas, desde que André Breton publica el Primer manifiesto surrealista en 1924. Este texto se puede leer en lengua castellana a través de la traducción de Fernando Vela, colaborador de José Ortega y Gasset, publicada en la Revista de Occidente.

    Biblioteca y Centro de Documentación
  • Bruce Nauman. Sin título (Modelo para zanja, pozo y túnel), 1978. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    30 noviembre, 1993 - 21 febrero, 1994

    El trabajo de Bruce Nauman (Fort Wayne, Indiana, 1941) supone la adquisición o tentativa del control de la experiencia del espectador ante un evento, acción o situación. Los sesenta y tres proyectos que componen esta exposición retrospectiva, realizados entre 1965 y 1990, constituyen un recorrido en el que el artista propone (y espera) reacciones e insinuaciones perceptivas psicológicas por parte del espectador, sustentado en muchos casos en la creación de cacofonías de imagen y sonido. El público deviene objeto, además de audiencia ante una obra que siempre está en proceso de suceder, como se puede apreciar en Sal de mi mente, sal de esta habitación (1968) o en Tortura de payaso (1987). A esto contribuye el protagonismo del cuerpo y de la acción física en sus obras, además de la asunción de la escala humana como medida artística, tal como queda patente en su obra Plantillas de neón de la mitad izquierda de mi cuerpo tomadas a intervalos de diez pulgadas (1966). Además, por su formación como escultor, el espacio conserva a lo largo de su carrera un papel perceptivo y psicológico fundamental.

  • Vista de sala de la exposición. Agnes Martin, 1993
    16 noviembre, 1993 - 24 enero, 1994

    El trabajo de Agnes Martin (Maklin, Saskatchewam, Canada, 1912 - Taos, Nuevo México, 2004) está determinado por el giro que experimenta la noción de lo sublime, que va de la pintura de paisaje, a la abstracción en la pintura de la segunda mitad del siglo XX. Formada dentro del panorama neoyorquino marcado por el Expresionismo Abstracto en la década de los cincuenta, Barnett Newman y Mark Rothko se convierten en sus principales referencias artísticas, reconociendo en ambos pintores que “la geometría podía ponerse al servicio de la contemplación espiritual”, tal como señala Barbara Haskell, comisaria de la exposición que acoge el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

  • Vista de sala de la exposición. Viena 1900, 1993
    06 octubre, 1993 - 17 enero, 1994

    Siguiendo el ejemplo de otros contextos europeos que en el cambio de siglo llevan a cabo una renovación del lenguaje, prácticas y sistemas de producción artísticos; a comienzos del siglo XX Viena extiende su voluntad renovadora y de superación del modelo romántico e historicista, a todos los campos de la expresión artística.

  • Pablo Picasso. Joie maternelle, 1922. Arte gráfico. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    22 septiembre, 1993 - 31 enero, 1994

    Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973) trabaja el grabado a lo largo de toda su trayectoria, aunque con mayor intensidad a partir de los años treinta. En este momento se afianza su lenguaje y se advierte cierto cambio de estilo, al conceder un progresivo protagonismo a los aspectos gráficos. En la faceta de Picasso como grabador se aprecia la insistencia en unos asuntos vinculados con la tradición clásica literaria o extraídos de ella, que resultan más propensos a la narración. El tema del pintor y la modelo o el mito de Minotauro se incorporan entonces a la iconografía picassiana, aparecen de manera recurrente durante su carrera y también encuentran su correspondencia en el ámbito pictórico.

  • Vista de sala de la exposición. Equipo 57, 1993
    14 septiembre - 8 noviembre, 1993

    El año 1957 supone para el arte español un punto de inflexión hacia la renovación e internacionalización de los lenguajes plásticos. En este año surgen El Paso en Madrid y el Equipo 57 (1957-1962) en París (también con sede en Córdoba); grupos con propuestas bien distintas e incluso opuestas, que dinamizan el panorama artístico local y evidencian vínculos con las principales corrientes internacionales (Informalismo y Arte Geométrico Abstracto). Así, la exposición del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía propone una reconstrucción parcial de la trayectoria del Equipo 57, máximo ejemplo de Arte Abstracto Geométrico Radical en España y cuya labor práctica y teórica está marcada por la defensa de un arte de compromiso social.

  • Robert Capa. Muerte de un miliciano republicano [Cerro Muriano, frente de Córdoba, 5 septiembre 1936], 1936 copia 1998. Fotografía. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    22 junio - 30 agosto, 1993

    La exposición Magnum. 50 años de fotografía celebra los cincuenta años de producción fotográfica de la célebre agencia de fotografía, reconocida por su papel en la historia de la cultura visual de la segunda mitad del siglo XX y cuyo trabajo constituye la memoria gráfica del mundo moderno. Fundada en 1947, Magnum se empieza a definir en los años treinta a partir de la obra y los propósitos teórico-estéticos que defienden sus fundadores -Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, George Rodger y David Seymour “Chim”-, especialmente a partir de los trabajos que realizan como reporteros en la Guerra Civil Española y en la Segunda Guerra Mundial. Con esas fotografías sientan las bases del moderno reportaje fotográfico, sustentado en dos principios: la necesidad de extrema proximidad al hecho que demandaba Robert Capa, y la teoría del “instante decisivo” (images à la sauvette), elaborada por Cartier-Bresson y publicada en 1952, la cual constituye para muchos el texto programático de esta manera de hacer fotoperiodismo.

  • Bill Viola. Una historia que gira lentamente, 1992. Instalación, vídeo. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    15 junio - 23 agosto, 1993

    Bajo la premisa de que el vídeo puede hacer visible lo invisible, Bill Viola (Nueva York, EE.UU., 1951) aborda la complejidad de la experiencia humana. En los doce trabajos que conforman esta exposición propone romper con la mirada predeterminada del hombre sobre el mundo. En las siete vídeo-instalaciones realizadas en 1992 y en los cinco vídeos fechados entre 1976 y 1991, Viola ofrece al público un conjunto de narraciones visuales constituidas por imágenes puras -ajenas a la metáfora- que manejan y organizan el espacio como si compusieran un collage. Con ellas pretende la reflexión por parte del espectador a través de su conexión, su oposición o su fusión, como ocurre en el vídeo Earth and Heaven (1992).

  • 25 mayo - 16 agosto, 1993

    La posibilidad de una pintura realista donde no hay mito ni ilusionismo, sino pintura asumida como contenido y medio, constituye el presupuesto práctico del trabajo de Robert Ryman (Nashville, Tennessee, 1930). De formación autodidacta, su primer y decisivo contacto con el arte del siglo XX se produce durante los años en los que trabaja como vigilante en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1953-1960). De todo lo que allí ve, Rothko le aporta la lección definitiva acerca de la consideración del cuadro como una entidad integrada. “Lo radical de Rothko -afirma el artista en 1986- era que no hubiera alusión a ninguna influencia representacional. Había color, había forma, había estructura, la superficie, la luz -desnudez sin más”. Ryman irrumpe con una obra fundamentada en el color blanco en el panorama artístico norteamericano en la segunda mitad de los años cincuenta. En seguida queda definida su deriva pictórica como una forma estricta de realismo, alejándose del radicalismo analítico de los artistas Minimal, rechazando cualquier contenido simbólico o metafórico en sus cuadros y centrándose en las cuestiones matéricas relativas a la pintura y la superficie pictórica. Esta línea de investigación perdura en su obra más reciente, como ejemplifica la serie Versions (1991-1992), en la que emplea un color de interferencia que es opalescente y varía según la luz.

  • Daniel Vázquez Díaz. Las cuadrillas de Frascuelo, Lagartijo y Mazzantini, 1936-1938. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    25 mayo - 18 agosto, 1993

    La exposición dedicada a Daniel Vázquez Díaz (Nerva, 1882 - Madrid, 1969) supone la puesta en marcha un proyecto cuyo objetivo es presentar la colección íntegra que conserva de un artista determinado. En el caso de Vázquez Díaz el número alcanza las ochenta obras, entre pinturas, dibujos y grabados, encontrándose gran parte de ellas en depósito en el Museo Provincial de Huelva. El firme deseo de este artista de estudiar en la Academia de San Fernando, instalándose en Madrid en 1903, supone el inicio de una carrera cuyo siguiente paso es París; allí aprende la lección de Paul Cézanne de someter la representación a una síntesis geométrica. Su asunción del lenguaje cubista lo convierte en uno de los principales renovadores de la pintura de paisaje en España, desarrollando su carrera tanto en territorio español como en París.

  • Antonio López. Los novios, 1955. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
    4 mayo - 19 julio, 1993

    El paisaje cotidiano, entendido éste en su más amplia acepción, constituye el tema fundamental de la pintura de Antonio López (Tomelloso, Toledo, 1936), representante por excelencia de la corriente realista española de la segunda mitad del siglo XX. Conforman el imaginario del pintor, no sólo la ciudad -ya sean las calles de su pueblo natal o de Madrid, convertida en protagonista de su trabajo a partir de 1960- sino también los rincones de su casa, su jardín y su familia. Esta exposición antológica, compuesta por ciento setenta obras, entre pinturas, esculturas (exentas, relieves y relieves tridimensionales) y dibujos, permite trazar la trayectoria de Antonio López, desde sus primeras obras, donde conviven figuración y fantasía, como en Mujeres mirando los aviones (1954), hasta el realismo estricto que alcanza como gramática definitiva en la década de los sesenta visible en Nevera de hielo (1966) y que mantiene hasta sus trabajos más recientes.